Diane Arbus 'Werk war nur in einer Handvoll Museumsausstellungen zu sehen, bevor sie 1971 im Alter von 48 Jahren selbst starb. Dennoch hatte sie sich bereits mit einer Reihe unvergesslicher Bilder einen Namen gemacht - ein „jüdischer Riese“, der sich abzeichnet über seinen Eltern mit Brille saß ein älteres Ehepaar nackt in einer FKK-Camphütte, ein grimmiger Junge umklammerte eine Spielzeughandgranate - das scheint unsere tiefsten Ängste und privatesten Wünsche widerzuspiegeln.
Die erste große Retrospektive von Arbus fand 1972, ein Jahr nach ihrem Tod, im Museum of Modern Art (MOMA) in New York City statt, wo sie den größten Teil ihres Lebens verbrachte. Die Show zog eine Menge Menschen an und lobte die Menschlichkeit und die formale Schönheit ihrer Arbeit. Einige fanden ihre Bilder jedoch verstörend, ja sogar abstoßend: Die Kritikerin Susan Sontag nannte ihre Porträts beispielsweise „verschiedene Monster und Grenzfälle“. . . . Anti-Humanist. "Arbus 'Arbeit, schrieb Sontag, " zeigt Menschen, die erbärmlich, bedauernswert und abstoßend sind, aber es weckt keine mitfühlenden Gefühle. "
Heute ist Arbus, der einst sagte, ihre Bilder wollten "den Raum zwischen dem, was jemand ist, und dem, was er glaubt, einfangen", einer der bekanntesten und umstrittensten Fotografen Amerikas. Ihre Leistungen als Künstlerin wurden jedoch etwas überschattet von ihrem Selbstmord und der verstörenden Fremdheit, die in ihren Bildern auftaucht. Berühmt als "Fotografin von Freaks", wurde sie selbst als eine Art Freak angesehen.
Jetzt debattiert eine neue Generation von Zuschauern und Kritikern über die Bedeutung und den Stellenwert von Arbus 'überzeugenden, beunruhigenden Bildern, dank „Diane Arbus Revelations“, einer Ausstellung von fast 200 ihrer Bilder, die bis Mai im Los Angeles County Museum of Art zu sehen sind 31. Die erste Arbus-Retrospektive seit der MOMAshow von 1972, „Revelations“, stellt sie in den Mittelpunkt der amerikanischen Fotografie des 20. Jahrhunderts.
"Arbus in die Rolle einer tragischen Figur zu versetzen, die sich mit Freaks identifiziert, bedeutet, ihre Leistung zu verharmlosen", sagt Sandra S. Phillips, leitende Kuratorin für Fotografie am San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), wo die Show entstand. "Sie war eine großartige humanistische Fotografin, die an der Spitze dessen stand, was als eine neue Art von Fotokunst anerkannt wurde."
Die Ausstellung hat bereits starke kritische Reaktionen hervorgerufen. Der Kunstkritiker der San Francisco Chronicle, Kenneth Baker, lobte Arbus 'Werk für seine Intelligenz und sein Mitgefühl, und Arthur Lubow, der im New York Times Magazine schrieb, bezeichnete sie als „eine der mächtigsten amerikanischen Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts“. Andere haben sie jedoch entlassen als schuldbewusst und krankhaft. "Arbus ist einer dieser hinterhältigen Bohemiens", schrieb Jed Perl von der Neuen Republik, "die die Exzentrizität anderer Menschen feiern und gleichzeitig ihre eigene narzisstisch-pessimistische Sicht der Welt verherrlichen."
Die Meinungsverschiedenheiten werden sich wahrscheinlich noch verschärfen, wenn sich die Show im ganzen Land bewegt - neben dem Museum of Fine Arts in Houston (27. Juni - 29. August) und dann dem Metropolitan Museum of Art in New York City (1. März - 29. Mai) 2005). Weitere Veranstaltungsorte sind das Museum Folkwang in Essen, das Victoria and Albert Museum in London und das WalkerArtCenter in Minneapolis.
Jeff Rosenheim, assoziierter Kurator für Fotografie in der Metropole, ist der Ansicht, dass Arbus 'Bilder weiterhin provokativ sind, weil sie verstörende Fragen nach der Beziehung zwischen Fotograf, Subjekt und Publikum aufwerfen. "Ihre Arbeit impliziert Sie und die Ethik des Sehens selbst", sagt er. „Unsere Lizenz, diese Erfahrung mit dem Betrachten einer anderen Person zu haben, wird geändert und in Frage gestellt, unterstützt und bereichert. Ich bin der festen Überzeugung, dass dies die wichtigste Einzelkünstler-Fotoausstellung ist, die unser Museum jemals zeigen wird. “
Bis vor kurzem umfasste das Mysterium viele Details von Arbus 'Leben und Werk. Jahrzehntelang weigerte sich ihr Nachlass, an der Erstellung einer Arbus-Biografie mitzuwirken, und erlaubte der Öffentlichkeit, nur einen winzigen Teil ihrer Arbeiten zu sehen. All dies hat sich mit der neuen Ausstellung geändert, die in Zusammenarbeit mit dem Nachlassverwalter Doon Arbus, der älteren der beiden Töchter von Arbus, entwickelt wurde. Die Ausstellung umfasst nicht nur die berühmtesten Bilder von Arbus, sondern auch frühe Fotografien und reife Arbeiten, die noch nie zuvor ausgestellt wurden. Darüber hinaus vermitteln Auslagen ihrer Bücher, Kameras, Briefe und Notizbücher ein starkes Gefühl für die Persönlichkeit der Fotografin - skurril, klug und unendlich neugierig.
"Dies ist eine neue Sichtweise von Arbus nach ihren eigenen Worten", sagt die unabhängige Kuratorin Elisabeth Sussman, die die Retrospektive mit Phillips vom SFMOMA organisierte. "Sie war extrem klug und witzig und unglaublich scharfsinnig, und die Fotos sind nur ein Teil davon."
Der Ausstellungskatalog, Diane Arbus Revelations (Random House), bietet nicht nur die umfassendste Auswahl an Arbus-Bildern, die jemals zwischen die Titelseiten gelegt wurden, sondern auch eine faszinierende 104-seitige illustrierte Chronologie von Arbus 'Leben, die mit Auszügen aus ihren Briefen und anderen Schriften besetzt ist. Die Chronologie, die von Sussman und Doon Arbus zusammengestellt wurde, ist praktisch die erste autorisierte Biografie der Fotografin und die erste, die auf ihre Papiere zurückgreifen kann.
Arbus wurde 1923 als Diane Nemerov geboren. Ihre Mutter, Gertrude, wählte den Namen ihrer Tochter und sprach ihn „Dee-Ann“ aus. In der Familie Nemerov, einem wohlhabenden New Yorker Clan, der Russek's führte, ein modisches Kaufhaus in der Fifth Avenue. Dianes älterer Bruder war Howard Nemerov, ein mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichneter Dichter, der 1988 zur Preisträgerin des US-amerikanischen Dichters ernannt wurde. Ihre jüngere Schwester, Renée Sparkia, wurde Bildhauerin und Designerin. Nachdem sich ihr Vater, David Nemerov, von Russek zurückgezogen hatte, startete er eine zweite erfolgreiche Karriere als Maler.
Dianes künstlerische und literarische Begabung war schon früh erkennbar. Ihr Vater ermutigte sie, Malerin zu werden, und sie studierte Kunst an der High School. Mit 14 Jahren verliebte sie sich in Allan Arbus, den 19-jährigen Neffen eines Geschäftspartners ihres Vaters. Ihre Eltern missbilligten ihre Verliebtheit, aber die Romanze blühte im Verborgenen. Bald verlor Diane das Interesse an Malerei und am College und sagte, dass ihr einziger Ehrgeiz darin bestehe, Allans Frau zu werden. "Ich hasste das Malen und habe gleich nach dem Abitur aufgehört, weil mir immer wieder gesagt wurde, wie großartig ich war", sagte sie viele Jahre später. "Ich hatte das Gefühl, dass es sich nicht lohnt, es zu tun, wenn ich so großartig bin."
Diane und Allan heirateten 1941, als sie 18 wurde, mit der widerwilligen Akzeptanz ihrer Familie. Das Paar verfolgte ein gemeinsames Interesse an der Fotografie und verwandelte das Badezimmer seiner Wohnung in eine Teilzeit-Dunkelkammer. David Nemerov gab ihnen die Möglichkeit, Modefotografien für Russeks Anzeigen zu fotografieren.
Während des Zweiten Weltkriegs diente Allan als Militärfotograf. Eine der frühesten Fotografien in der "Revelations" -Show ist ein Selbstporträt von 1945, das Diane für Allan gemacht hat, als er in der Armee war. Obwohl sie mit Doon schwanger ist, die später in diesem Jahr geboren werden würde, ist sie auf dem Bild immer noch schlank und sehr schön, mit dunklen Augen und einer wehmütigen, jenseitigen Luft.
Nach dem Krieg begann die Karriere der Arbuses als Werbefotografen und bald arbeiteten sie für Top-Frauenzeitschriften und Werbeagenturen. Normalerweise fotografierte Allan die Bilder, während Diane clevere Ideen und Requisiten einbrachte. Diane kümmerte sich auch um Doon und ihre zweite Tochter Amy, die 1954 geboren wurde. (Doon, inzwischen 59, wurde Schriftstellerin, arbeitete mit ihrer Mutter an mehreren Zeitschriftenprojekten und veröffentlichte später zwei Bücher mit dem Fotografen Richard Avedon. Amy folgte ihrer Mutter Schritte und wurde Fotograf.)
Ein Foto, das Allan und Diane für das Vogue-Magazin eines Vaters und eines Sohnes beim Lesen einer Zeitung gemacht hatten, wurde 1955 in die beliebte Show „The Family of Man“ des Museum of Modern Art aufgenommen. Beide waren jedoch frustriert über die Einschränkungen und den Stress der Mode Arbeit. Diane wollte Künstlerin werden, nicht nur Stylistin, während Allan davon träumte, Schauspieler zu werden. Ihre wachsende Unzufriedenheit belastete ihre Ehe. Ebenso die depressiven Episoden, die Diane erlitten hatte, ähnlich der Verzweiflung, die ihre Mutter regelmäßig gelähmt hatte. 1956 gab Diane das Geschäft des Paares auf, um selbst Fotos zu machen. Allan arbeitete weiterhin unter dem Namen Diane & Allan Arbus, nahm Schauspielunterricht und begann eine Karriere im Theater.
Obwohl Magazine wie Life, Look und die Saturday Evening Post einen boomenden Markt für Fotografie geschaffen hatten, gab es wenig Interesse an Bildern, deren einziger Zweck es war, Kunstwerke zu sein, anstatt soziale Realitäten zu dokumentieren oder Produkte zu verkaufen. Trotzdem verfolgten Robert Frank, William Klein und andere Flüchtlinge aus der Modewelt ihre eigene Vision, was Fotografie sein könnte, und ein bevorzugter Ansatz war die Straßenfotografie, die unerwartete Schönheit und Bedeutung in alltäglichen Menschen und Orten entdeckte.
Mehrere frühe Fotografien von Diane Arbus in der aktuellen Ausstellung zeigen, wie sie ihre eigene Version der Straßenfotografie ausprobiert. Aber sie hatte ihr Thema noch nicht gefunden. Ein Wendepunkt kam, als sie einen Kurs bei der in Wien geborenen Fotografin Lisette Model an der NewSchool in New York City belegte.
"Sie kam zu mir und sagte: 'Ich kann nicht fotografieren'", sagte Model später zu Doon Arbus. "Und ich sagte: 'Warum nicht?' Und sie sagte: "Denn was ich fotografieren möchte, kann ich nicht fotografieren." Model sagte Diane, sie solle nach Hause gehen und herausfinden, was sie wirklich fotografieren wollte. „Und in der nächsten Sitzung kam sie zu mir und sagte:‚ Ich möchte fotografieren, was böse ist. ' Und das war es auch schon “, sagte Model.
"Ich denke, was sie meinte, war nicht, dass es böse war, sondern dass es verboten war, dass es immer zu gefährlich, zu furchterregend oder zu hässlich gewesen war, als dass jemand anderes es hätte ansehen können", schrieb Doon in einer Erinnerung, die kurz nach ihr veröffentlicht wurde der Tod der Mutter. "Sie war fest entschlossen zu enthüllen, was anderen beigebracht worden war, um ihnen den Rücken zu kehren."
Diane war fasziniert von Risikobereitschaft und hatte sich lange Zeit der lebensnahen Einstellung der New Yorker Kunstwelt zu Geld, sozialem Status und sexueller Freiheit verschrieben. Jetzt verfolgte sie die gleiche Art von Nervenkitzel in ihren Fotografien. „Fotografie war für mich immer eine unanständige Sache - das war eine meiner Lieblingsbeschäftigungen, und als ich sie zum ersten Mal machte, fühlte ich mich sehr pervers“, erinnerte sie sich später. Model hatte oft Fotos von den viel dichteren Stadtteilen gemacht, darunter Coney Island und Hubert's Museum, eine Ausstellung am Times Square. Arbus ging noch weiter und erkundete Wachsmuseen, Tanzlokale und Schuppen. "Meine Lieblingssache", wird Arbus oft zitiert, "ist dorthin zu gehen, wo ich noch nie war."
Ihre allfressende Sensibilität können wir in den Exponaten persönlicher Materialien der Ausstellung sehen. Es gibt gut durchdachte Kunstbücher (über Delacroix, Picasso, Berenice Abbott, El Greco) und Texte, sowohl gewichtige (philosophische Aufsätze von Schopenhauer) als auch hippe (Allen Ginsbergs Epos Howl ), sowie Ideenlisten für Projekte („Seance, Gypsies, Tattoo, Opera Opening Backstage “), Sammlungen von Zeitungsausschnitten („ Woman Tortured by Agonizing ITCH “) und Andenken an seltsame Charaktere (das 942 Pfund schwere„ Human Blimp “). Bei der Erstellung eines Bulletin Boards werden ihre eigenen Fotos (eines dreiäugigen Zirkusfreaks und seiner Frau, eines hübschen Mädchens und ihrer Mutter) mit Postkarten, Schnappschüssen, Boulevardfotos (einer ausgepackten Mumie, einem Knurren von J. Edgar Hoover) kombiniert. und eine Tafel, die aus einer komischen "Orphan Annie" -Warnung herausgerissen wurde: "Die besten Dinge, die übertrieben werden, sind falsch."
1959 trennten sich die Arbuses und Diane bezog mit ihren beiden Töchtern ein kleines Kutschenhaus in Greenwich Village. Ihre neue Situation und ihre Entschlossenheit, unabhängig zu sein, setzten sie unter Druck, mehr Einkommen zu erwirtschaften. Zum Glück ergaben sich neue Möglichkeiten. Einige Magazine begannen, eine persönlichere, romanhaftere Art des Journalismus zu veröffentlichen, die eine neue, bewusst kunstvolle Art der Fotografie als Ergänzung benötigte. Im Herbst 1959 erhielt Diane ihren ersten Auftrag für eine Zeitschrift, einen Foto-Essay über New York City für Esquire, der Porträts eines Skid Row-Exzentrikers, eines als Jungle Creep bekannten Sideshow-Darstellers, eines jungen Prominenten und einer anonymen Leiche enthielt.
Die Bilder hatten jedoch nicht das charakteristische scharfkantige Aussehen, das wir im Allgemeinen mit Arbus assoziieren. In den 1950er und frühen 60er Jahren verwendete sie eine 35-Millimeter-Kamera und natürliches Licht, und ihre Arbeiten aus dieser Zeit zeigten den Einfluss von Model, Robert Frank und anderen Praktikern der Straßenfotografie. Wie sie bevorzugte sie unscharfe Oberflächen und körnige Texturen, weit entfernt vom aufgeräumten Erscheinungsbild von kommerziellen Mainstream-Fotografien.
Dann, irgendwann um 1962, wechselte sie zu einer 2 1/4 Format-Kamera, die es ihr ermöglichte, schärfere Bilder mit brillanten Details zu erstellen. Als sie diese Schicht Jahre später beschrieb, erinnerte sie sich, dass sie die körnigen Texturen satt hatte und „den Unterschied zwischen Fleisch und Material, die Dichte verschiedener Arten von Dingen sehen wollte: Luft und Wasser und glänzend.“ Sie fügte hinzu: „Ich fing an werde furchtbar scharf auf Klarheit. “
Diese Verschiebung hing auch nicht nur von der Größe der Kamera oder der Wahl der Beleuchtung ab (später fügte sie einen Blitz hinzu). Arbus pflegte immer mehr eine intensive Beziehung zu den Menschen, die sie fotografierte - ihre Neugier auf Details ihres Lebens, ihre Bereitschaft, ihre Geheimnisse mitzuteilen, und das aufregende Unbehagen, das sie während dieser Begegnungen verspürte. "Sie könnte Menschen hypnotisieren, ich schwöre", wird sein Kollege Joel Meyerowitz in Patricia Bosworths 1984 nicht autorisierter Arbus-Biographie zitiert. "Sie würde anfangen, mit ihnen zu sprechen, und sie wären genauso fasziniert von ihr wie von ihnen." Dieses Gefühl der Gegenseitigkeit ist eines der auffälligsten und originellsten Dinge an Arbus 'Fotografien, was ihnen Klarheit und Fokus verleiht, die so viel sind psychologisch wie fotografisch.
Als Leserin der Abhandlung über Religion und Mythologie von Freud, Nietzsche und James Frazer, The Golden Bough, sah Arbus die Zirkusartisten, Exzentriker, Zwerge und Transvestiten, die sie sowohl als faszinierende reale Persönlichkeiten als auch als mythische Figuren fotografierte. Durch sie fand sie den Weg zu noch mehr Menschen und Orten, weit weg von ihrem eigenen Hintergrund. „Ich habe gelernt, von außen nach innen an der Tür vorbeizukommen“, schrieb sie in einem Stipendienantrag von 1965. „Ein Milieu führt zum anderen. Ich möchte folgen können. “
Ihre Intelligenz und elfenhafte Schönheit erwiesen sich als wertvolles Kapital. Und ihre aufgeregte Wertschätzung dessen, wer sie als außergewöhnlich empfand, ermöglichte es ihr, Eintritt in das Boudoir einer Imitatorin, das Hotelzimmer eines Zwerges und zahllose andere Orte zu erhalten, die einem weniger beharrlichen, weniger ansprechenden Fotografen verschlossen gewesen wären. Sobald sie die Erlaubnis zum Fotografieren erhalten hat, kann sie Stunden oder sogar Tage damit verbringen, ihre Motive immer und immer wieder aufzunehmen.
Ihre Untertanen wurden oft über viele Jahre hinweg zu Mitarbeitern im Schöpfungsprozess. Zum Beispiel tauchte der mexikanische Zwerg, den sie 1960 in einem Hotelzimmer fotografierte, zehn Jahre später noch auf ihren Fotografien auf. Und sie fotografierte Eddie Carmel, den sie den jüdischen Riesen nannte, 1960 mit seinen Eltern, zehn Jahre bevor sie endlich das Porträt aufnahm, das sie gesucht hatte.
Als Arbus 1967 nach San Francisco ging, stellte der Fotograf Edmund Shea ihr einige „Hippieküken“ vor, die als toplesse Tänzer arbeiteten. Er war nicht überrascht, dass Arbus sie überzeugen konnte, für sie zu posieren. „Manche Leute halten sie für zynisch. Das ist ein totales Missverständnis “, sagt er. „Sie war sehr emotional aufgeschlossen. Sie war sehr intensiv und direkt, und die Leute haben damit zu tun. «Arbus selbst hatte gemischte Gefühle in Bezug auf ihre Fähigkeit, ihre Themen herauszuarbeiten. "Zweiseitig" hat sie sich einmal beschrieben: "Ich höre mich sagen:" Wie großartig. " . . . Ich meine nicht, ich wünschte, ich hätte so ausgesehen. Ich meine nicht, dass ich wünschte, meine Kinder hätten so ausgesehen. Ich meine nicht, dass ich dich privat küssen möchte. Aber ich meine, das ist erstaunlich, unbestreitbar etwas. “
Arbus 'unverwechselbare Fotografien waren mehrere Jahre lang bei den Herausgebern von Zeitschriften beliebt. Nach diesem ersten Esquire- Fotoessay veröffentlichte sie mehr als 250 Bilder in Harper's Bazaar, dem Sunday Times Magazine in London und mehr als einem Dutzend anderen Magazinen und generierte Hunderte weiterer Bilder, die zugewiesen wurden, aber nicht veröffentlicht wurden. Sie hat auch eine kleine Anzahl von Privataufträgen ausgeführt, von denen einer die Grundlage für eine kleinere Arbus-Ausstellung bildet, die dieses und das nächste Jahr ebenfalls durch das Land reist. Die Sendung mit dem Titel „Diane Arbus: Familienalben“ entstand am Kunstmuseum des Mount Holyoke College in Massachusetts und zeigt einige Porträts von Berühmtheiten aus dem Arbus-Magazin sowie die vollständigen Kontaktbögen einer neu entdeckten Fotosession mit einer Manhattan-Familie. Der Lauf der Show beinhaltet Stopps in Maine, Oregon und Kansas.
Obwohl Arbus einen Großteil ihrer Fotografie als reine Bezahlarbeit ansah, überzeugte sie die Redakteure häufig, bei der Finanzierung ihrer künstlerischen Projekte mitzuwirken und Zugang zu ihnen zu erhalten. Einige ihrer persönlichsten und bekanntesten Fotografien - beispielsweise das Porträt des Königs und der Königin eines Seniorentanzes von 1970 - erschienen erstmals in Zeitschriften mit großer Auflage. Gleichzeitig begann die Kunstwelt zu erkennen, dass die Bilder von Arbus mehr als ein kluger Zeitschriftenjournalismus waren. 1967 wurden 32 ihrer Fotografien von MOMA für die Ausstellung „Neue Dokumente“ ausgewählt. Die Show beinhaltete auch Arbeiten von zwei anderen wichtigen jungen Fotografen, Lee Friedlander und Garry Winogrand, aber Arbus lenkte die meiste Aufmerksamkeit auf sich. Das New Yorker Magazin bezeichnete ihre Arbeit als "brutal, gewagt und aufschlussreich", und Newsweek schrieb ihr "die scharfe, kristallklare, großzügige Vision eines Dichters" zu. Aber der Kritiker der New York Times, Jacob Deschin, schrieb, dass ihre Arbeit "manchmal". . . Grenzen nahe am schlechten Geschmack “, und andere Betrachter empfanden ihre Bilder als ärgerlich.
"Ich erinnere mich, dass ich während meines Studiums zu 'New Documents' gegangen bin und gesehen habe, wie ein Mann bei ihrer Arbeit gespuckt hat", sagt Phillips von SFMOMA. „Die Leute hatten kein eindeutiges Bild von einem Mann in Lockenwicklern mit langen Fingernägeln gesehen, der eine Zigarette rauchte, und zu der Zeit wirkte es konfrontativ. Jetzt, in dieser Zeitspanne, wirkt es eher elegisch und einfühlsam als bedrohlich. “Arbus fiel es schwer, mit der Aufmerksamkeit fertig zu werden. "Die Show war großartig, aber es gab zu viele Anrufe und Briefe und Leute, die dachten, ich sei ein Experte oder unglaublich liebenswert", schrieb sie an eine Freundin. „Ich muss verlassen und anonym sein, um wirklich glücklich zu sein.“ Sie sagte zu einem Interviewer von Newsweek : „Ich dachte immer, ich würde warten, bis ich neunzig bin, um eine Show zu haben. . . Ich wollte warten, bis alles erledigt war. “
Perverserweise ging ihr wachsender Ruhm mit einem Rückgang der Aufträge einher, zum Teil wegen der veränderten Mode, zum Teil, weil Prominente Bedenken hatten, von einer Frau fotografiert zu werden, die (nach den Worten eines Rezensenten) als "Zaubererin von" bekannt wurde Um die Sache noch komplizierter zu machen, zog Allan, der sie weiterhin nahe stand, 1969 nach Kalifornien, um dort eine hauptberufliche Schauspielkarriere zu verfolgen. Er landete schließlich Arbeit in Dutzenden von Filmen und ab 1973 eine langjährige Rolle in der beliebten TV-Serie "M * A * S * H" als Psychiater Dr. Sidney Freedman.
In der Hoffnung, ein gewisses Einkommen zu erzielen, plante Diane, eine limitierte Auflage von zehn ihrer Fotografien zu verkaufen, die in einer durchsichtigen Plastikbox verpackt waren, die als Rahmen fungierte, für 1.000 USD pro Set. Das Projekt war jedoch seiner Zeit voraus und nur vier Sets wurden zu Lebzeiten verkauft: eines an die Künstlerin Jasper Johns, die anderen drei an enge Freunde. „Sie hat versucht, Fotografie als Kunstform zu verpacken, bevor sie als solche wirklich akzeptiert wurde“, sagt Phillips. Kürzlich hat eines der Sets 380.000 US-Dollar bei einer Auktion versteigert.
Aber wenn ihr Geld entging, war dies nicht der Fall. Museen schlossen ihre Arbeiten in Shows ein und Verleger baten vergeblich darum, ein Buch mit ihren Bildern herauszubringen. 1971 wurde sie ausgewählt, um die Vereinigten Staaten bei der Biennale von Venedig 1972 zu vertreten - der erste amerikanische Fotograf, der bei diesem prestigeträchtigen Kunstereignis jemals so geehrt wurde. Aber sie scheint solche Beweise des Erfolgs als Ablenkung von ihrem Wunsch angesehen zu haben, ihren Fotokatalog - sie nannte ihn ihre Schmetterlingssammlung - mit merkwürdigen und faszinierenden Menschen zu ergänzen. Ein Vorschlag für ein Stipendium aus dem Jahr 1971 (der nicht angenommen wurde) beschrieb den Wunsch, „The Difference. Die von Geburt, Unfall, Wahl, Überzeugung, Vorliebe, Trägheit. “Die Herausforderung bestand darin, „ sie nicht zu ignorieren, nicht alle zusammen zu werfen, sondern sie zu beobachten, zu beachten, aufmerksam zu sein. “
Ein Projekt, das sie besonders beschäftigte, war eine Reihe von Fotografien, die 1969 von Bewohnern von staatlichen Einrichtungen für Schwerbehinderte aufgenommen wurden. Sie suchte einen neuen Look und versuchte, natürliches Licht in Kombination mit Blitzlicht oder für sich allein zu nutzen. „Sie versuchte, meine scharfen Bilder unscharf zu machen, aber nicht zu sehr“, schrieb sie im August an ihren Ex-Ehemann. Am Ende des Jahres hatte sie Ergebnisse, die sie begeisterten. "Ich habe die großartigsten Bilder gemacht", berichtete sie in einem anderen Brief an Allan und nannte sie "lyrisch und zärtlich und hübsch". Diese Bilder zeigten eine neue Richtung, mit ihrem sanften Licht und ihrer lässigeren Komposition - "wie Schnappschüsse, aber besser". Diane schrieb. Sie wurden zu Lebzeiten noch nie gezeigt und gehören zu ihren bewegendsten und kraftvollsten Fotografien. Aber weder die Anerkennung, die sie bekam, noch die Arbeit selbst konnten den Phasen der Depression vorbeugen, die wahrscheinlich durch mehrere Hepatitis-Anfälle, die sie plagten, verschärft wurden. 1968 beschrieb sie einer Freundin ihre dunklen Stimmungen als „chemisch, davon bin ich überzeugt. Energie, eine besondere Art von Energie, tritt einfach aus und mir fehlt das Selbstvertrauen, um die Straße zu überqueren. “Im Sommer 1971 war sie erneut von„ dem Blues “überwältigt. Dieses Mal erwiesen sie sich als tödlich. Am 26. Juli nahm sie eine große Menge Barbiturate und schnitt sich die Handgelenke auf. Zwei Tage später entdeckte eine Freundin ihren Körper in der Badewanne ihrer WestVillage-Wohnung.
Arbus 'Tod und die darauffolgende Serie von 1972 machten sie so berühmt, wie sie es noch nie zu Lebzeiten getan hatte. Einige Kritiker fanden jedoch in ihrem Selbstmord Hinweise darauf, dass ihre Bilder eher die Pathologie als die Kunst widerspiegelten. In der Tat hat das Drama ihres Lebens manchmal den Ruf ihrer Arbeit in den Schatten gestellt. Doch wie sehr sich ihre Kunst und ihr Leben auch vermischt haben mögen, die Wirkung von Arbus 'Fotografien und ihre Fähigkeit, den Mythos mit dem intensiv Persönlichen zu verschmelzen, ist stärker denn je.
Die Ausstellung „Revelations“ gibt der Öffentlichkeit die Möglichkeit, auf eine beispiellose Anzahl ihrer Bilder zu stoßen. Sie zeigt, dass sie eine Künstlerin ersten Ranges und eine Pionierin war, die die Trennwände zwischen Fotografie und Malerei und dem Rest der sogenannten Malerei durchbrach Bildende Kunst.
Die Show fragt auch, ob die beunruhigende Intimität, die manchmal noch als Schwäche angesehen wird, nicht eher eine Quelle künstlerischer Kraft in Arbus 'Bildern ist. In ihrem Katalogaufsatz stellt Phillips den hohen Stellenwert der Kunstwelt der 1960er Jahre fest, der einer Arbeit beigemessen wurde, die "selbstbewusst, sogar arrogant und inhaltsverdächtig" war, insbesondere Inhalten, die nach Emotionen oder Geschichten schmecken. Nach diesem Standard könnte Arbuss Arbeit leicht als zu persönlich, zu neurotisch abgetan werden. Im 21. Jahrhundert hat sich Arbus jedoch mit seiner persönlichen Identität und den zentralen erzählerischen Fragen für Künstler zu einem wagemutigen Innovator entwickelt.
„Ich war noch nie von einem anderen Künstler so bewegt wie von Arbus“, sagt das Rosenheim des MetropolitanMuseums. „Ihre Bilder haben diese Kraft, die die exakte Korrelation der intimen Beziehung ist, die sie zu ihren Motiven gehabt haben muss. Sie beeinflussen für immer die Art und Weise, wie Sie die Welt betrachten. “Ob Arbus einen tätowierten Mann, eine Drag Queen oder ein jammerndes Baby fotografiert, je mehr wir ihre Bilder betrachten, desto mehr fühlen wir, dass sie auf uns zurückblicken.
