Schon in jungen Jahren wusste Jacob Lawrence, dass etwas in seiner Ausbildung fehlte. „Ich habe mich schon immer für Geschichte interessiert, aber sie haben in den öffentlichen Schulen nie Negergeschichte gelehrt. Manchmal wurde es in Geschichtsclubs erwähnt, aber ich mochte es nie, es so zu präsentieren. Es wurde nie ernsthaft wie normale Fächer studiert “, sagte der prominente schwarze Künstler einmal.
Diese Abwesenheit von schwarzen Geschichten und schwarzer Geschichte - und sein Wunsch, dass sie für das Verständnis der amerikanischen Erfahrung als wesentlich angesehen werden - inspirierten sein Lebenswerk: Von einfachen Szenen bis zu ausgedehnten Serien erzählte seine Kunst die Geschichten des Alltagslebens in Harlem. Geschichten der Segregation im Süden und Geschichten der Befreiung, des Widerstands und der Widerstandsfähigkeit, die für die afroamerikanische und amerikanische Geschichte von wesentlicher Bedeutung waren.
Lawrence wurde vor 100 Jahren am 7. September 1917 in Atlantic City geboren. Er wuchs eine Zeit lang in Philadelphia auf und wurde in den 1930er Jahren in New York erwachsen, stark inspiriert vom kulturellen und künstlerischen Ethos der Harlem Renaissance. Einige seiner Werke befinden sich in den Sammlungen der Smithsonian-Museen.
Zu einer Zeit, als die Mainstream-Kunstwelt nicht für schwarze Künstler geöffnet war, tauchte Lawrence in alles ein, was seine Nachbarschaft zu bieten hatte: Er trainierte in der Harlem Art Workshop, studierte unter und teilte sich einen Arbeitsplatz mit dem Maler Charles Alston und wurde unter anderem betreut andere von der Bildhauerin Augusta Savage, die ihm geholfen hat, im Rahmen des WPA Federal Art Project zu arbeiten.
"Er war ein ruhiger Mensch, der zuhörte, schaute, beobachtete und alles in sich aufnahm, was um ihn herum vorging", so Virginia Mecklenburg, Chefkuratorin am Smithsonian American Art Museum, in dem fast ein Dutzend von Lawrences Werken ausgestellt sind.
Jacob Lawrence von Alfredo Valence, 1957 (Archiv für amerikanische Kunst) Lawrences Themen und Stil waren bewusste, gewissenhafte Entscheidungen. Er bildete seine Praxis in einer Zeit, in der schwarze Künstler ihre Rolle und Verantwortung bei der Darstellung der afroamerikanischen Geschichte und des zeitgenössischen Lebens sorgfältig in Betracht zogen.
In Harlem wurde Lawrence von fortschrittlichen Künstlern umringt und erzogen, die "die historischen Rebellen bewunderten, die den revolutionären Kampf zur Förderung der Unterdrückten betrieben", schreibt die Kunsthistorikerin Patricia Hill in ihrem Buch " Painting Harlem Modern: The Art of Jacob Lawrence" . Von ihnen ließ er sich inspirieren, historische Epen zu erzählen, die sich um bedeutende Persönlichkeiten drehten, die alle einmal versklavt worden waren. Seine frühe Serie erzählte die Geschichten von Toussaint L'Ouverture (1938), der den Kampf um die Unabhängigkeit Haitis anführte, von Frederick Douglass (1939), dem großen Abolitionisten und Staatsmann, und von Harriet Tubman (1940 fertiggestellt), dem berühmten Dirigenten der Underground Railroad .
Und wie er diese Geschichten erzählte, war genauso wichtig wie die Entscheidung, sie zu erzählen. Im Laufe seiner Karriere malte Lawrence mit lebendigen und kräftigen Farben und blieb einem expressiven figurativen Stil verpflichtet, der sich für visuelle Erzählungen anbot. Jacquelyn Serwer, Chefkuratorin des Nationalen Museums für afroamerikanische Geschichte und Kultur, das Lawrence's Dixie Café (1948) in seiner Ausstellung "Visuelle Kunst und die amerikanische Erfahrung" zeigt, sagte, er wolle sicherstellen, dass wichtige Aspekte der afroamerikanischen Geschichte vorhanden sind Auf eine Weise dokumentiert, die von einem sehr breiten Publikum geschätzt und verstanden werden kann. “Wenn er sich zu sehr an die modernistischen, abstrakten Tendenzen der Mitte des 20. Jahrhunderts hielt, riskierte er, diejenigen einzuschränken, die mit seiner Kunst in Verbindung gebracht werden konnten. Sicher, "die Verpflichtung zur Figuration war eine politische", sagt Evelyn Hankins, leitende Kuratorin am Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, zu deren Sammlungen Lawrence's Vaudeville (1951) zählt.
Lawrence wandte sich für sein bekanntestes Werk einem Ereignis zu, das sein eigenes Leben bestimmt hatte. Der Sohn von Eltern, die während der Großen Migration umgezogen waren - als Millionen von Afroamerikanern dem Jim Crow South entkamen, um im Norden und Westen ein besseres Leben zu führen -, malte die Geschichten, die ihm erzählt worden waren. Auf 60 Tafeln zeigte er die harte rassistische Ungerechtigkeit und die wirtschaftlichen Schwierigkeiten der Afroamerikaner im Süden und die Möglichkeiten, die sie zu Orten größerer Hoffnung brachten.
Die Phillips Memorial Gallery (heute als Phillips Collection bekannt) und das Museum of Modern Art (MOMA) erwarben die Migrationsserie (1941) im Jahr nach ihrer Fertigstellung. Während jedes Museum die Hälfte der Serie für seine permanenten Sammlungen verwendet hat - unterteilt in geradzahlige und ungeradzahlige Tafeln -, wurde die gesamte Serie mehrmals ausgestellt, zuletzt 2016 in der Phillips Collection. Lawrence hatte mit 24 nicht nur einen großen persönlichen Erfolg erzielt, der Verkauf war auch aus einem anderen Grund wichtig: Es war das erste Mal, dass MOMA Kunstwerke eines afroamerikanischen Künstlers kaufte.
Die Bibliothek, 1960 (Geschenk von SC Johnson & Son, Inc., SAAM) Ein Großteil seiner erstaunlichen Werke war in Genrebildern und in der Darstellung alltäglicher Szenen zu sehen. er zeichnete, was er aus seinem Leben in Harlem wusste. Ein Beispiel, The Library (1960), zeigt einige schwarze Figuren, die Bücher lesen, die sich auf afrikanische Kunstwerke beziehen. Kuratoren spekulieren, dass der Lesesaal „möglicherweise die 135. Straßenbibliothek - heute das Schomburger Zentrum für Forschung in der schwarzen Kultur - zeigt, in der 1925 die erste bedeutende Sammlung afroamerikanischer Literatur, Geschichte und Drucke des Landes eröffnet wurde.“ Sie befand sich in dieser Bibliothek, die Lawrence verbrachte Stunden lang recherchierte er seine historischen Epen, beschäftigte sich mit schwarzer Geschichte und Erbe. Beim Malen dieser Szene beleuchtete er die Entdeckung und das Lernen, die von der Renaissance in Harlem katalysiert wurden.
Wenn die Bibliothek einen Blick auf eine vergleichende Oase im Norden bietet, zeigt ein Blick auf Lawrence's Bar and Grill (1941), wie stark die Realität im Süden ist. Der Künstler besuchte die Region zum ersten Mal, als er und seine Frau, Gwendolyn Knight, 1941 nach New Orleans reisten. Obwohl er in seiner Migrationsserie die Trennung von Jim Crow dargestellt hatte, ließ die persönliche Auseinandersetzung mit den strengen Gesetzen des Südens Lawrence erschrecken er fuhr fort, die Erfahrung in einigen Arbeiten zu erforschen.
Bar und Grill betonen die künstliche Barriere zwischen den beiden Rassen und machen die Unwahrheit des Separaten, aber des Gleichen deutlich: Die weißen Kunden werden auf ihrer Seite bequem und kühl gehalten, der Barkeeper kümmert sich um sie, während die schwarzen Gäste auf einen geringeren Rang absteigen geräumiger, übersehener Bereich, der für ihren Status zweiter Klasse im Süden steht.
Bar and Grill, 1941 (Nachlass von Henry Ward Ranger durch die National Academy of Design) Der Zweite Weltkrieg brachte Lawrence erneut in engen Kontakt mit dem südlichen Rassismus: 1943 wurde er zur Küstenwache eingezogen und in St. Augustine, Florida, ausgebildet. Später wurde er dem ersten integrierten Schiff der Marine zugewiesen, auf dem er im Rahmen seines Einsatzes malen konnte.
Lawrence und Knight kehrten später 1946 in den Süden zurück und unterrichteten dort einen Sommerkurs am Black Mountain College, einer Schule für freie Künste in North Carolina. Auf Einladung des Schulleiters, des deutschen abstrakten Künstlers Josef Albers, fuhren er und Gwendolyn aus dem nahen Asheville heraus und waren sich des Rassismus bewusst, dem sie dort begegnen könnten. Albers reservierte für die Abfahrt sogar einen Privatzug für das Ehepaar, um zu vermeiden, dass sie nach dem Passieren der Mason-Dixon-Linie den „demütigenden Wechsel von integrierten Waggons zu Jim-Crow-Waggons“ machen mussten.
Nachdem Lawrence historische Befreiungskämpfe dokumentiert hatte, wandte er sich bald der zeitgenössischen Bürgerrechtsbewegung zu. Wie die Kunsthistorikerin Ellen Harkins Wheat schrieb, „reagierte sie auf diese Ära des Aufruhrs und der kriegsfeindlichen Umwälzungen. . . Lawrence produzierte eine Sammlung von Arbeiten, die seinen offenkundigsten sozialen Protest zum Ausdruck bringen. “Lawrence war an der Beschaffung von Spenden für das Student Nonviolent Coordinating Committee (SNCC) beteiligt und malte Szenen von Sitzstreiks, Freiheitsreitern und Demonstranten, die mit der Polizei zusammenstießen.
Während seiner sechs Jahrzehnte als praktizierender Maler beeinflusste Lawrence eine Reihe anderer Künstler. Er begann 1956 am Pratt Institute zu unterrichten und bot, als die Lawrences Anfang der 60er Jahre in Nigeria lebten, Workshops für junge Künstler in Lagos an. Nachdem er an der New School, der Art Students League und der Brandeis University unterrichtet hatte, zog er 1971 für eine Professur an der University of Washington nach Seattle. Lawrences berühmte Karriere war geprägt von weiteren Meilensteinen: Er war Repräsentant der Vereinigten Staaten auf der Biennale von Venedig 1956 und erhielt 1970 die NAACP-Spingarn-Medaille und 1990 die Nationale Medaille der Künste malen und ausstellen, auch während einer kurzen Zeit in einer psychiatrischen Einrichtung, in der er sich von Stress und Erschöpfung erholt.
Ein Jahrhundert nach seiner Geburt bleibt seine Arbeit dank seines bemerkenswerten Geschichtenerzählens relevant und resonant. „Die menschliche Dimension in seiner Kunst lässt Menschen, die kein Interesse an Kunst oder keine Erfahrung mit oder wirkliches Wissen über Kunst haben, sich mit Lawrences Werk befassen und. . . sehen Sie Geschichten, die sie in ihrem eigenen Leben finden könnten “, sagt Mecklenburg.
