Wie ein Künstler lernte, den Wind zu formen

„Ich fange an, den Himmel als eines meiner Materialien aufzulisten“, sagt die Bildhauerin Janet Echelman, die netzartige Luftbildskulpturen herstellt, die in städtischen Lufträumen hängen.

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Ihre Stücke, die aus High-Tech-Fasern hergestellt wurden, die ursprünglich für NASA-Raumanzüge entwickelt wurden, werden als „lebendig und atmend“ bezeichnet, weil sie sich im Wind aufblähen und ihre Form ändern. Tagsüber werfen sie Schatten und nachts werden sie von computergesteuerten Lichtern in „leuchtende, leuchtende Leuchtfeuer“ verwandelt.

Echelman ist einer von neun führenden zeitgenössischen Künstlern, die mit der Installation der Eröffnungsausstellung "Wonder" in der Renwick Gallery des Smithsonian American Art Museum beauftragt wurden.

Für den historischen Grand Salon von Renwick schuf Echelman ein beeindruckendes Stück namens 1.8, das ihren allerersten textilen Teppich aus regenerierten Nylonfasern alter Fischernetze sowie eine handgeknüpfte Seil- und Schnurskulptur an der Decke enthält.

"Das Stück zielt darauf ab zu zeigen, wie vernetzt unsere Welt ist, wenn sich ein Element bewegt, ist jedes andere Element betroffen", sagt Echelman. (Todd Erickson)

"Ich wollte, dass der Besucher bei der Arbeit dabei ist", sagt sie mit einem schwachen südländischen Hauch, der auf ihre Wurzeln in Florida hinweist. Überall auf der Galerie sind Sitzgelegenheiten verteilt, damit die Besucher das Anschwellen und Wogen des Netzes beobachten können, das durch künstliche Windböen des Kreativteams von Echelman verursacht wird.

„Draußen geht es sehr darum, auf die Umwelt zu reagieren, aber für diese Ausstellung müssen wir die Luftströmungen formen, um die Bewegung zu choreografieren“, erklärt sie.

Laut Echelman basiert ihre Skulptur auf Daten der NASA und der NOAA, der National Oceanic and Atmospheric Administration, die die Auswirkungen des Erdbebens und des Tsunamis messen, die Tohoku, Japan, im Jahr 2011 verwüstet haben. Die Form des Netzes basiert auf einem 3D-Bild von der Tsunami-Kraft von Echelman's Team erstellt.

"Das Stück zielt darauf ab zu zeigen, wie vernetzt unsere Welt ist, wenn sich ein Element bewegt, ist jedes andere Element betroffen", sagt sie.

Echelman ist weithin für ihre innovative Kunstform bekannt. Sie gewann ein Guggenheim-Stipendium für außergewöhnliche kreative Fähigkeiten, erhielt einen Smithsonian American Ingenuity Award und hielt 2011 einen TED-Vortrag, der fast 1, 5 Millionen Mal aufgerufen wurde.

Die bildende Kunst war jedoch nicht Echelmans erste Leidenschaft. Sie wuchs am Klavier auf und besuchte das Sommercamp am Tanglewood Institute, einem vorprofessionellen Programm des Boston Symphony Orchestra. Sie gewann auch einen prestigeträchtigen regionalen Wettbewerb, der ihr einen begehrten Solistenplatz beim Florida Orchestra einbrachte.

„Musik brachte mir die Geduld bei, die Dinge auseinanderzunehmen und die einzelnen Komponenten zu verbessern, aber für meinen beruflichen Alltag mag ich lieber eine leere Leinwand als die Aufgabe, die Arbeit eines anderen neu zu interpretieren“, erklärt sie.

Während ihres Studiums in Harvard besuchte sie ihre ersten Kurse für visuelle Kunst. und eine Aufgabe - über das gesamte Schaffen einer Künstlerin zu schreiben - setzte sie unabsichtlich auf ihren gegenwärtigen Weg. Sie schrieb über Henri Matisse und zeichnete seine Entwicklung von der Malerei bis zu den Papierausschnitten nach, die er am Ende seines Lebens im Rollstuhl entwickelt hatte.

„So möchte ich leben. Ich möchte für die Definition meines Mediums verantwortlich sein “, erinnerte sich Echelman an das Denken.

Nach dem College bewarb sie sich an sieben Kunstschulen und wurde von allen abgelehnt. Sie entschloss sich, nach Bali zu ziehen, um selbst Malerin zu werden. Echelman hatte für kurze Zeit während eines Auslandsaufenthalts in Indonesien gelebt und wollte mit lokalen Handwerkern zusammenarbeiten, um traditionelle Batik-Textilmethoden mit zeitgenössischer Malerei zu kombinieren.

Für den historischen Grand Salon von Renwick schuf Echelman ein beeindruckendes Stück, das ihren allerersten textilen Teppich aus regenerierten Nylonfasern alter Fischernetze sowie die Skulptur über sich vereint. (Ron Blunt / Renwick Gallery / SAAM)

Echelman sagt, dass ihre Eltern unterschiedliche Meinungen über ihren unorthodoxen Plan hatten. „Mein Vater, ein Endokrinologe, fragte mich, ob mir einer meiner College-Professoren gesagt habe, dass ich Talent habe und Kunst betreiben sollte. Die Antwort war nein “, gibt sie zu. "Aber meine Mutter, eine Metallschmiedin und Schmuckdesignerin, hielt es für eine gute Sache und gab mir 200 Dollar, um Vorräte zu kaufen", erinnert sie sich.

"Es war nicht so, dass ich das Ziel hatte, Künstler zu werden, aber ich wollte jeden Tag Kunst machen", sagt Echelman.

Während der nächsten zehn Jahre malte und studierte Echehlman verschiedene Formen von Hochkunst und Kunsthandwerk durch eine Mischung aus Stipendien, Stipendien und Lehrberufen. Auf dem Weg schaffte sie es, einen MFA in Visual Arts am Bard College und einen Master in Psychologie an der Lesley University zu erwerben.

„Mein System bestand darin, Handwerksmethoden zu erlernen, die von Generation zu Generation weitergegeben wurden“, erklärt sie. Sie suchte nach Möglichkeiten, chinesische Kalligraphie und Pinselmalerei in Hongkong, Spitzenherstellung in Litauen und buddhistische Gartengestaltung in Japan zu studieren.

Unsterblich in ihrem TED-Vortrag ist die Geschichte, wie sie zum ersten Mal auf die Idee kam, volumetrische Skulpturen aus Fischernetzen herzustellen. Echelman war 1997 auf einem Fulbright Lectureship in Indien, wo sie Malerei unterrichten und ihre Arbeiten ausstellen wollte. Die Farben, die sie aus Amerika schickte, trafen nicht ein, und als sie nach etwas anderem suchte, bemerkte sie, dass die Fischer ihre Netze am Ufer bündelten.

Überall auf der Galerie sind Sitzsäcke und Bänke verteilt, damit die Besucher das Anschwellen und Wogen des Netzes beobachten können. (Ron Blunt / Renwick Gallery / SAAM)

Fast zwei Jahrzehnte nach diesen ersten Fischnetzskulpturen, die als Bellbottom-Serie bekannt sind, hat Echelman zahlreiche Kunstwerke geschaffen, die über städtische Räume auf vier Kontinenten geflogen sind. Ihre erste permanente Außenskulptur wurde 2005 in Porto, Portugal, über einem Kreisverkehr installiert. Die Arbeit namens She changes besteht aus einem 1-Tonnen-Netz, das an einem 20-Tonnen-Stahlring aufgehängt ist. Nur fünf Jahre später hatten sich High-Tech-Materialien so schnell entwickelt, dass sie ihre Skulpturen nun an Gebäudefassaden anbringen konnte, ohne die schwere Stahlringstütze zu benötigen.

Die Pflege ihrer permanenten Skulpturen ist eine ernste Angelegenheit. Diese Teile, die über Städten wie Seattle, Washington, Phoenix, Arizona und Richmond, British Columbia, schweben, werden regelmäßigen Wartungsprotokollen unterzogen, um sicherzustellen, dass sie sicher in der Luft sind. Der Schutz der Tierwelt hat für Echelman ebenfalls Priorität. Die Website der Künstlerin behauptet, dass ihre Skulpturen Vögeln keinen Schaden zufügen, da ihre Netze aus dickeren Seilen mit breiteren Öffnungen bestehen als die, mit denen Vögel gefangen werden.

Für jede neue Arbeit konsultiert Echelman ein Team von Architekten, Luftfahrtingenieuren, Lichtdesignern und Computerprogrammierern auf der ganzen Welt.

„Ich kenne mich mit all diesen Disziplinen nicht aus. Aber ich betrachte mich als Kollaborateurin “, sagt sie. „Ich habe eine Idee, eine Vision und wir arbeiten zusammen, um sie zu verwirklichen“, fährt sie fort.

Echelman erkennt auch dankbar an, dass sie die beiden Ziele verwirklicht hat, die sie sich als frischgebackene Studentin in einem früheren Jahrhundert gesetzt hat. Es ist ihr gelungen, ihr eigenes Medium zu definieren und sie beschäftigt sich jeden Tag gerne mit dem Kunstmachen.

Janet Echelman ist eine von neun zeitgenössischen Künstlern, die in der Ausstellung „Wonder“ vom 13. November 2015 bis zum 10. Juli 2016 in der Renwick Gallery des Smithsonian American Art Museum in Washington, DC zu sehen sind. Die Installation von Echelman endet am 8. Mai 2016 .