WILLEM DE KOONING BLENDET IMMER NOCH | KUNST & KULTUR | SMITHSONIAN - ARTIKEL, KUNST & KULTUR, KUNST & KÜNSTLER

Im Jahr 1926 verstaute Willem de Kooning, ein mittelloser, 22-jähriger Werbegrafiker aus den Niederlanden, auf einem Frachter nach Amerika. Er hatte keine Papiere und sprach kein Englisch. Nachdem sein Schiff in Newport News, Virginia, angedockt hatte, machte er sich mit einigen holländischen Freunden auf den Weg nach Norden in Richtung New York City. Zuerst fand er seine neue Welt enttäuschend. "Was ich sah, war eine Art Holland", erinnerte er sich in den 1960er Jahren. "Tiefland. Wofür zum Teufel wollte ich nach Amerika? «Ein paar Tage später bemerkte de Kooning jedoch, als er durch ein Fähr- und Zugterminal in Hoboken, New Jersey, fuhr, dass ein Mann an einer Theke Kaffee für Pendler einschenkte, indem er ihn schwappte in eine Reihe von Tassen. "Er goß sich nur schnell ein, um es aufzufüllen, egal was herauslief, und ich sagte: 'Junge, das ist Amerika.'"

Aus dieser Geschichte

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Die hier gezeigte Arbeit von Willem de Kooning ist Ruths Zowie, 1957, die sich auf ständige Neuerfindung stützte: "Man muss sich ändern", sagte der Künstler oft, "um gleich zu bleiben." (Die Ovitz Family Collection, Los Angeles © 2011 Willem de Kooning-Stiftung / Künstlerrechtsgesellschaft (ARS), New York)

Unter den Künstlern, die in den 1950er und 1960er Jahren entstanden, widersetzte sich de Kooning, der hier im Jahr 1953 gezeigt wurde, der Kategorisierung. (Tony Vaccaro / akg-images)

De Kooning studierte an der Rotterdamer Akademie der Schönen Künste. "Das klassische Training gibt Ihnen die Freiheit, dies zu tun", sagte er später über seine abstrakte Arbeit. Abgebildet ist sein Stillleben von 1917, das im Alter von 13 Jahren vollendet wurde. (Privatsammlung / © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Künstlerrechtsgesellschaft (ARS), New York)

In Manhattan zog es de Kooning mit Arshile Gorky 1937 zu Malern der Moderne. (Oliver Baker, Fotograf. Papiere von Rudi Blesh, Archives of American Art, Smithsonian Institution)

In den 1940er Jahren hatte de Kooning eine Reihe von Studien über weibliche Figuren begonnen, die zum Teil von Elaine Fried inspiriert waren, die er 1943 heiratete. (John Jonas Gruen / Archiv Hulton / Getty Images)

Nach dem Zweiten Weltkrieg näherte sich de Koonings Avantgarde-Kreis dem Prominentenstatus. Abgebildet ist die Gruppe in Life, 1950; de Kooning ist ganz links in der hinteren Reihe. (Nina Leen / Zeitleben Bilder / Getty Images)

Figürliche Elemente unterstreichen den zweideutigen Raum in Attic, 1949, einer in einer Reihe von Schwarzweißkompositionen von de Kooning aus der Nachkriegszeit. Sogar die abstraktesten Werke des Künstlers, sagt der Gelehrte Richard Shiff, "begannen oft mit einem Bezug zur menschlichen Figur". (Metropolitan Museum of Art, New York / © 2011 Willem de Kooning-Stiftung / Künstlerrechtsgesellschaft (ARS), New York)

Während die Kunstwelt seine Abstraktionen feierte, konzentrierte sich de Kooning erneut auf die weibliche Figur und beschäftigte sich zwei Jahre lang mit Frau I, 1950-52. "Schönheit", sagte der Künstler, "wird für mich gereizt. Ich mag das Groteske. Es ist fröhlicher." (Museum of Modern Art, NY / © 2011 Willem de Kooning-Stiftung / Künstlerrechtsgesellschaft (ARS), New York)

De Kooning verließ die Stadt 1963 nach Springs, Long Island. Hier ist de Kooning im Alter von 81 Jahren in seinem Atelier im Jahr 1985 zu sehen. (© 2011 The Willem de Kooning Foundation / Künstlerrechtsgesellschaft (ARS), New York)

De Koonings spätes Werk ließ sich vom Meer inspirieren. Hier ist Clamdigger von 1972 zu sehen, der an Strandhäcksler erinnert. (© Willem de Kooning, Stiftung für widerrufliche Nachlässe / Adagp - Foto: CNAC / MNAM, Distrikt RMN - Droits résrvés; (c) 2011, Willem de Kooning-Stiftung / Künstlerrechtsgesellschaft (ARS), New York)

Wessen Name 1975 von de Kooning in Wasser geschrieben wurde, deutet auf Meeresoberflächen hin. (Solomon R. Guggenheim Museum, NY / © 2011 Willem de Kooning-Stiftung / Künstlerrechtsgesellschaft (ARS), New York)

Sitzender Mann, 1939, Willem de Kooning. (Schenkung des Künstlers durch die Joseph H. Hirshhorn-Stiftung, 1972 / Hirshhorn-Museum und Skulpturengarten; © 2011 Willem de Kooning-Stiftung / Artists Rights Society (ARS), New York)

Königin der Herzen, 1943-1946, Willem de Kooning. (Schenkung der Joseph H. Hirshhorn-Stiftung, 1966 / Hirshhorn-Museum und Skulpturengarten; © 2011 Willem de Kooning-Stiftung / Artists Rights Society (ARS), New York)

Sonderlieferung, 1946, Willem de Kooning. (Schenkung der Joseph H. Hirshhorn-Stiftung, 1966 / Hirshhorn-Museum und Skulpturengarten; © 2011 Willem de Kooning-Stiftung / Artists Rights Society (ARS), New York)

Frau / Verso: Ohne Titel, 1948, Willem de Kooning. (Schenkung der Joseph H. Hirshhorn-Stiftung, 1966 / Hirshhorn-Museum und Skulpturengarten; © 2011 Willem de Kooning-Stiftung / Artists Rights Society (ARS), New York)

Ohne Titel III, 1981, Willem de Kooning. (Teilgeschenk von Joseph H. Hirshhorn, im Austausch, und Museum Purchase, 1982 / Hirshhorn Museum und Skulpturengarten; © 2011 Willem de Kooning-Stiftung / Artists Rights Society (ARS), New York)

Studie für "Frau VI", 1952, Willem de Kooning. (Schenkung von Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Hirshhorn Museum und Skulpturengarten; © 2011 Willem de Kooning Foundation / Künstlerrechtsgesellschaft (ARS), New York)

Ohne Titel, 1949-1950, Willem de Kooning. (Schenkung von Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Hirshhorn Museum und Skulpturengarten; © 2011 Willem de Kooning Foundation / Künstlerrechtsgesellschaft (ARS), New York)

Zwei Frauen auf dem Land, 1954, Willem de Kooning. (Schenkung von Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Hirshhorn Museum und Skulpturengarten; © 2011 Willem de Kooning Foundation / Künstlerrechtsgesellschaft (ARS), New York)

Sitzende Frau auf einer Bank, 1972 / Besetzung 1976, Willem de Kooning. (Nachlass Joseph H. Hirshhorn, 1981 / Hirshhorn Museum und Skulpturengarten; © 2011 Willem de Kooning-Stiftung / Künstlerrechtsgesellschaft (ARS), New York)

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Das war auch de Kooning. Von den Malern, die in den späten vierziger und frühen fünfziger Jahren in New York aufgetaucht sind - darunter Jackson Pollock, Mark Rothko und Barnett Newman -, ist der 1997 verstorbene de Kooning nach wie vor am schwierigsten zu erfassen: Er ist zu vital, unruhig, jazzig, unhöflich und unberechenbar, um in eine bestimmte Tasse zu passen. Er überschritt viele Grenzen der Kunst und bewegte sich über einen Zeitraum von 50 Jahren zwischen Abstraktion und Figuration, wobei er eine Vielzahl von Stimmungen zum Ausdruck brachte, ohne sich um die Konventionen des konservativen oder radikalen Geschmacks zu kümmern. Laut Irving Sandler, einem Kunsthistoriker, der die Entwicklung der amerikanischen Nachkriegskunst nachzeichnet, war es de Kooning, der „die große Tradition der westlichen Malerei fortsetzen und in eine neue Richtung lenken konnte, um einen avantgardistischen Stil zu kreieren, der dies ermöglicht sprach zu unserer Zeit. "

Die Retrospektive von de Kooning, die letzten Monat im Museum of Modern Art (MoMA) eröffnet wurde - die erste, die sich dem vollen Umfang der sieben Jahrzehnte dauernden Karriere des Künstlers widmet - zeigt eine differenzierte Sichtweise eines großen amerikanischen Malers. Für den emeritierten Kurator John Elderfield, der die Show organisierte, war das Unterfangen ungewöhnlich persönlich: Der Reiz von de Koonings Kunst half dem in England geborenen Elderfield, sich in Amerika niederzulassen. Er argumentiert, dass de Kooning ein Maler der Originalität ist, der eine neue Art von modernem Bildraum erfunden hat, einen der Mehrdeutigkeit. De Kooning bemühte sich, sowohl die skulpturalen Konturen als auch die "gewölbten" Ebenen der traditionellen Figurenmalerei, wie Elderfield vorschlägt, und die flache Bildebene der modernistischen Kunst beizubehalten, wie sie beispielsweise in den kubistischen Werken von Picasso und Braque zu finden ist. De Kooning entwickelte mehrere verschiedene Lösungen für dieses visuelle Problem und wurde zu einem Künstler, der nie aufhörte, sich zu bewegen und zu erforschen. Er war, in seiner eigenen rätselhaften Wendung, ein "flüchtiger Schimmer".

In den 50er Jahren wurde de Kooning der einflussreichste Maler seiner Zeit. "Er war ein Künstler", sagt Richard Koshalek, Direktor des Hirshhorn-Museums von Smithsonian, das eine der größten Sammlungen von de Koonings Werken besitzt. „Er hatte einen großen Einfluss auf eine Vielzahl von Künstlern.“ Brice Marden, ein Maler, der Gegenstand einer MoMA-Retrospektive von 2006 war, stimmt zu: „Sie sind mit de Kooning aufgewachsen. Er war der Meister. Er war der Lehrer. “Für viele war er auch eine romantische Figur mit Filmstar-Look und einer existenziellen Prahlerei, als er mit Pollock in der Cedar Tavern in Greenwich Village trank und von Liebesbeziehung zu Liebesbeziehung wechselte.

Trotz seines Erfolgs bezahlte de Kooning schließlich einen Preis dafür, dass er nicht bereit war, den vorherrschenden Trends zu folgen. Seine sich ständig verändernde Kunst - insbesondere seine raue Darstellung von Frauen - wurde zu Lebzeiten von Kritikern und Kunsthistorikern immer weniger beachtet. Laut Elderfield „passte das nicht gut zu den Werken, die die vertraute modernistische Geschichte einer immer raffinierter werdenden Abstraktion aufrechterhalten sollten.“ Die Kuratoren des MoMA betrachteten de Kooning nach 1950 tendenziell als einen im Niedergang begriffenen Maler, wie das Museum beweist eigene Sammlung, die in Pollock, Rothko und Newman deutlich stärker ist als in de Kooning.

Der Streit ist beendet: Die aktuelle Retrospektive macht wieder gut. De Koonings Sortiment sieht jetzt nach Stärke aus, und sein verführerischer Stil - „verführerisch“ ist das passende Wort, denn sein Pinselstrich ist voller Berührungen - bietet eine malerische Freude, die in der Kunst unserer Tage selten anzutreffen ist.

De Kooning wuchs in der Nähe des Hafens im harten Rotterdam der Arbeiterklasse auf. Er sah selten seinen Vater Leendert - seine Eltern waren geschieden, als er noch ein kleiner Junge war - und seine herrschsüchtige Mutter Cornelia, die eine Reihe von Bars pflegte, bewegten ihre Familie ständig auf der Suche nach einer günstigeren Unterkunft. Sie schlug ihn regelmäßig. Das Geld war knapp. Im Alter von 12 Jahren wurde er Auszubildender bei Gidding and Sons, einem eleganten Künstler- und Handwerksbetrieb im Herzen des modischen Rotterdams, der sich auf Design und Dekoration spezialisiert hat. Er erregte bald die Aufmerksamkeit der Firmeninhaber, die ihn drängten, sechs Nächte in der Woche nach der Arbeit Unterricht an der Akademie der bildenden Künste zu nehmen.

Infolgedessen erhielt de Kooning eine starke Verankerung sowohl im kommerziellen Design als auch in den klassischen Prinzipien der hohen Kunst. Er war frühreif; Die Retrospektive im MoMA enthält das bemerkenswerte Stillleben (1917), das er im Alter von 13 Jahren an der Akademie gemacht hat. Er musste sich jedoch selbst versorgen. Im Alter von 16 Jahren machte sich de Kooning auf eigene Faust auf den Weg, zirkulierte an den böhmischen Rändern Rotterdams und nahm hier und da Jobs auf. Er fing auch an, über Amerika zu phantasieren, das dann von vielen in Europa als ein mythisches Land der Wolkenkratzer, Filmstars und des leichten Geldes angesehen wurde - aber vielleicht nicht der Kunst. Als er sich auf dem Frachter verstaute, dachte de Kooning später, dass es in Amerika keine ernsthaften Künstler gab.

In seinen ersten Jahren in Amerika, zunächst in Hoboken, New Jersey und dann in New York, lebte er so viel wie in Rotterdam, fand Arbeit als kommerzieller Künstler und malte gelegentlich in seiner Freizeit. Er fand heraus, dass es in Amerika tatsächlich ernsthafte Künstler gab, von denen viele auch kommerzielle Jobs annahmen, um zu überleben. Er verbrachte seine Zeit in den von ihnen bevorzugten Coffeeshops in Chelsea und Greenwich Village und unterhielt sich die ganze Nacht über bei Nickeltassen Kaffee. Fast jeder, den er kannte, war arm; der Verkauf eines Gemäldes war selten. In diesem Umfeld wirkte sich das anhaltende Engagement bestimmter Künstler - vor allem die Hingabe von Arshile Gorky an die Tradition der modernistischen Malerei - auf de Kooning aus.

Gorki, ein in Armenien geborener Einwanderer, hatte keine Geduld mit denen, die sich nicht vorbehaltlos der Kunst verschrieben hatten. Er hatte auch keine Zeit für diejenigen, die er in ihren Ambitionen für provinziell oder minderjährig hielt, wie diejenigen, die das ländliche Amerika romantisierten oder die soziale Ungerechtigkeit angriffen. („Kunst des Proletariats“, sagte Gorki, „ist arme Kunst für arme Leute.“) Wenn Sie es ernst meinen, haben Sie nach Gorkis Ansicht die Arbeit von modernistischen Meistern wie Picasso, Matisse und Miró studiert, und Sie haben danach gestrebt, ihnen gleich oder besser zu sein Leistung. Zeitgenossen bezeichneten Gorkys Atelier am Union Square als eine Art Kunsttempel. "Die große Aufregung auf dem 36 Union Square", sagte Ethel Schwabacher, ein Student und Freund von Gorki, "lag in dem Gefühl, dass es an die dort geleistete Arbeit erinnerte, an die laufenden Arbeiten, Tag und Nacht, durch lange Jahre voller Leidenschaft, Disziplin und Hingabe." Anstrengung."

Gorkys Beispiel und die Gründung des Federal Art Project, das den Künstlern während der Depression einen existenzsichernden Lohn einbrachte, veranlassten de Kooning schließlich, sich als Vollzeitkünstler zu engagieren. In den 30er Jahren wurden Gorki und de Kooning unzertrennlich. Ihre fortwährenden Diskussionen über Kunst halfen jedem, sich zu einem bedeutenden Maler zu entwickeln. De Kooning bemühte sich, eine neue Art figurativer Kunst zu schaffen, und malte oft schwache, melancholische Porträts von Männern und, seltener, Frauen. Er arbeitete und überarbeitete die Bilder und versuchte, seine klassische Ausbildung mit seinen modernistischen Überzeugungen in Einklang zu bringen. Er könnte einem Bild erlauben, sein Studio zu verlassen, wenn ein Freund es kaufte, da er chronisch knapp bei Kasse war, aber er warf die meisten seiner Leinwände angewidert zurück.

In den späten 30ern lernte de Kooning eine junge Kunststudentin namens Elaine Fried kennen. Sie würden 1943 heiraten. Fried war nicht nur schön, ihre Lebhaftigkeit entsprach der von de Kooning. Niemals an Luxus sparen, sagte sie gern, das Nötigste werde für sich selbst sorgen. Eine ihrer Freundinnen, die Künstlerin Hedda Sterne, beschrieb sie als "Draufgängerin". "Sie glaubte an Gesten ohne Reue und sie freute sich über ihre eigene Spontanität und ihren Überschwang", sagte Sterne. "Ich habe viel Spaß gemacht", erinnerte sich Elaine später. "Ich meine, viel Spaß." Sie betrachtete De Kooning auch als einen bedeutenden Künstler - lange bevor er einer wurde - was sein Selbstvertrauen gestärkt haben könnte.

Eine neue Sensation der weiblichen Figur, zweifellos inspiriert von Elaine, begann sich durch de Koonings Kunst zu bewegen. Die Farbe hellte sich auf. Grenzen fielen weg. Er schien nicht länger von seiner klassischen Ausbildung eingeschränkt zu sein: Die Frauen auf den Gemälden drohten jetzt auszubrechen und auseinanderzubrechen; Die Unterscheidung zwischen Figur und Boden wurde stellenweise schwierig. Der Künstler begann seinen mehrdeutigen Raum zu meistern. Es schien natürlich, dass de Kooning, der die Bewegung instinktiv der Stille vorzog und nicht glaubte, die Wahrheit der Figur liege nur in ihrer Oberflächenerscheinung, sich auf einem Kontinuum vom Repräsentativen zum Abstrakten zu bewegen begann. Doch selbst seine abstraktesten Bilder, wie der De-Kooning-Gelehrte Richard Shiff feststellte, "begannen entweder mit einem Bezug zur menschlichen Figur oder bauten dabei figürliche Elemente ein."

De Koonings Bewegung in Richtung einer weniger realistischen Darstellung der Figur in den späten 40er Jahren könnte zum Teil durch die Ankunft einer Reihe berühmter Künstler aus Paris, insbesondere André Breton und seines Umkreises, in der Stadt zu Beginn des Jahrzehnts veranlasst worden sein Surrealisten, alle Flüchtlinge aus dem Krieg. De Kooning war im Allgemeinen kein Fan des Surrealismus, aber die Betonung der Bewegung auf das Unbewusste, die Träume und das Innenleben hätte seine eigene Ungeduld mit einer rein realistischen Darstellung der Welt verstärkt. Die Surrealisten und ihre Schirmherrin, die Prominente Peggy Guggenheim, sorgten in New York für Furore. Ihre Anwesenheit hat den Ehrgeiz amerikanischer Künstler geweckt.

Dennoch blieb de Kooning am Rande. Das Federal Art Project existierte nicht mehr und es gab kaum einen Markt für moderne amerikanische Kunst. In dieser dunklen Zeit begann de Kooning seine große Serie von Schwarz-Weiß-Abstraktionen. Er und sein enger Freund, der Maler Franz Kline, der sich teure Pigmente nicht leisten konnte, gingen eines Tages berühmt aus und kauften preiswerte Schwarz-Weiß-Emaille-Haushaltsfarben und begannen (der Legende nach) mit teuflischer Sorgfalt, große Werke zu produzieren. So einfach war das natürlich nicht. De Kooning hatte viele Jahre gearbeitet, um diesen Moment zu erreichen; und in gewisser Weise fand ihn der Moment jetzt. Der Schrecken des Zweiten Weltkriegs - und Berichte über den Holocaust, der aus Europa kam - erweckten bei de Kooning und einigen amerikanischen Künstlern eine neue Wahrnehmung von großem, wenn auch düsterem, metaphysischem Ausmaß. (Im MoMA hatten sie auch Picassos mächtiges, monochromes Guernica von 1937 vor Augen, seine Antwort auf die faschistischen Bombenangriffe auf die spanische Stadt.) Im Gegensatz zu ihren europäischen Zeitgenossen lebten die Amerikaner nicht unter den Trümmern des Krieges, und sie stammte aus einer Kultur, die eine whitmaneske Grenzenlosigkeit zelebrierte. De Kooning, dessen Geburtsstadt während des Krieges in Schutt und Asche gelegt worden war, war sowohl ein Europäer als auch ein Amerikaner, die gut positioniert waren, um Gemälde von dunkler Größe zu schaffen. Im Jahr 1948, als er fast 44 Jahre alt war, stellte er in der kleinen und wenig besuchten Egan-Galerie seine sogenannten „Schwarzen und Weißen“ aus. Es war seine erste Einzelausstellung. Nur wenige Bilder wurden verkauft, aber sie wurden von Künstlern und Kritikern allgemein wahrgenommen und bewundert.

Es war auch in den späten 1940er Jahren, als Jackson Pollock begann, seine legendären "Tropf" -Abstraktionen zu machen, die er auf den Boden seines Studios malte und rhythmische Farbstränge über die Leinwand webte. Pollocks Gemälde, ebenfalls hauptsächlich in Schwarz und Weiß, hatten einen ganz anderen Charakter als die von de Kooning. De Koonings knotige Bilder waren zwar allgemein abstrakt, blieben aber voller menschlicher Teile und Gesten. Pollock vermittelt ein transzendentes Gefühl der Befreiung von der Welt. Die Titel der beiden größten Bilder in de Koonings Schwarzweißserie Attic and Excavation lassen vermuten, dass der Künstler nicht vergessen will, was die Welt vergräbt oder beiseite legt. (De Kooning genoss zweifellos die wechselnden Auswirkungen der Titel. Dachboden kann sich beispielsweise auf einen tatsächlichen Dachboden beziehen, die Höhen des Himmels andeuten oder an das antike Griechenland erinnern.) Dort schwillt die Hüfte an, aber in keinem ist ein bestimmter Körper zu erkennen. "Auch abstrakte Formen", sagte de Kooning, "müssen eine Ähnlichkeit haben."

De Kooning vollendete die Ausgrabung, sein letztes und größtes Bild der Serie, 1950. Der Direktor des MoMA, Alfred Barr, wählte das Gemälde dann zusammen mit Werken von Pollock, Gorky und John Marin aus, um die Vereinigten Staaten auf der Biennale von Venedig zu vertreten - eine große Ehre für alle vier amerikanischen Modernisten. Journalisten bemerkten es. Pollock war das Thema eines Fotos, das 1949 in der Zeitschrift Life verbreitet wurde. Das Licht der Berühmtheit begann sich auf eine dunkle Ecke der amerikanischen Kultur zu konzentrieren. Die auf europäische Meister spezialisierte Sidney Janis Gallery begann nun, de Kooning und andere amerikanische Künstler als würdige Nachfolger von Picasso oder Mondrian zu präsentieren. Kritiker, Kuratoren und Kunsthändler argumentierten zunehmend, New York sei das neue Paris, wenn es um Kunst gehe.

In den frühen 50er Jahren war De Kooning ein zunehmend bekannter Maler mit einem abstrakten Blue-Chip-Stil. Die meisten seiner Zeitgenossen glaubten, dass er weiterhin Gemälde in diesem Stil produzieren würde. Bei einer der konträrsten und eigenständigsten Aktionen in der Geschichte der amerikanischen Kunst gab er seine Schwarz-Weiß-Abstraktionen auf, um sich wieder hauptsächlich auf die weibliche Figur zu konzentrieren. Er kämpfte fast zwei Jahre lang über eine einzige Leinwand, und seine Freunde sorgten sich zunehmend um sein Wohlergehen, als er das Bild ständig überarbeitete und wegkratzte. Schließlich legte er das Gemälde verzweifelt beiseite. Nur die Intervention des einflussreichen Kunsthistorikers Meyer Schapiro, der ihn während eines Atelierbesuchs um Besichtigung bat, überredete de Kooning, die Leinwand erneut anzugreifen - und kam zu dem Schluss, dass er Frau I (1950-52) fertiggestellt hatte. Dann fertigte er in rascher Folge mehrere weitere Frauenbilder an.

De Kooning beschrieb Frau I als eine grinsende Göttin - "eher wie die mesopotamischen Idole", sagte er, "die immer aufrecht stehen und mit diesem Lächeln zum Himmel schauen, als wären sie nur erstaunt über die Kräfte der Natur ... nicht über Probleme, die sie miteinander hatten. “Seine Göttinnen waren kompliziert: gleichzeitig beängstigend und urkomisch, uralt und zeitgenössisch. Einige Kritiker verglichen sie mit Hollywood-Bimbos; andere hielten sie für frauenfeindlich. Der Bildhauer Isamu Noguchi, ein Freund von de Kooning, erkannte ihre Ambivalenz: „Ich frage mich, ob er Frauen wirklich hasst“, sagte er. "Vielleicht liebt er sie zu sehr." Ein Großteil der Komplikation ergibt sich aus der flüchtigen Mischung aus Vulgarität und einer Verfeinerung in de Koonings Pinselführung. "Schönheit", sagte de Kooning einmal, "wird für mich gereizt. Ich mag das Groteske. Es ist fröhlicher. "

Es überrascht nicht, dass de Kooning daran zweifelte, dass seine Show der jüngsten Arbeiten von 1953 erfolgreich sein würde, und der führende Kunstkritiker der Zeit, Clement Greenberg, dachte, dass de Kooning mit der Woman- Serie eine falsche Wendung eingeschlagen hatte. Sehr zu de Koonings Überraschung war die Show jedoch ein Erfolg, nicht nur bei vielen Künstlern, sondern auch bei einem Publikum, das sich immer mehr für die amerikanische Malerei interessiert.

De Kooning fand sich plötzlich als Star wieder - der erste Star in der modernen amerikanischen Kunstwelt. Der einzige Maler in den frühen 50er Jahren von vergleichbarer oder größerer Statur war Jackson Pollock. Aber Pollock, der damals in fortgeschrittenen Alkoholismus verfiel, lebte hauptsächlich in Springs (einem Weiler in der Nähe von East Hampton auf Long Island) und wurde in Manhattan selten gesehen. Das Hauptaugenmerk richtete sich daher auf de Kooning, der zum Zentrum einer lebhaften Szene wurde. Viele fanden ihn unwiderstehlich, mit seinem holländischen Seemannslook, dem eigenwilligen gebrochenen Englisch und dem charmanten Akzent. Er liebte den amerikanischen Slang. Er würde ein Bild als "grandios" oder einen Freund als "heiße Kartoffel" bezeichnen.

In dieser Treibhauswelt hatte de Kooning viele verwickelte Liebesbeziehungen, genau wie Elaine. (Sie trennten sich in den 1950er Jahren, ließen sich aber nie scheiden.) Aus De Koonings Affäre mit Joan Ward, einem Werbekünstler, wurde 1956 sein einziges Kind, Lisa, geboren, dem er sich immer widmete - obwohl er nie viel wurde eines täglichen Vaters. Er hatte auch eine lange Affäre mit Ruth Kligman, die Pollocks Freundin gewesen war und den Autounfall von 1956 überlebt hatte, bei dem Pollock getötet wurde. Kligman war sowohl ein aufstrebender Künstler, der sich danach sehnte, die Muse eines bedeutenden Malers zu sein, als auch eine schwüle junge Frau, die Stars wie Elizabeth Taylor und Sophia Loren hervorrief. "Sie hat wirklich Blei in meinen Stift gesteckt", sagte de Kooning berühmt.

Im Anschluss an die Woman- Reihe entwickelte de Kooning eine Reihe von Abstraktionen (die bekannteste ist der Ostermontag ), die das düstere, aufgewühlte Lebensgefühl in New York City Mitte des Jahrhunderts einfangen. In den späten 50ern vereinfachte er seinen Pinselstrich. Nun begannen lange, breite Farbschwaden über die Leinwand zu streichen. Er verbrachte immer mehr Zeit in Springs, wo viele seiner Freunde Sommerplätze hatten. Die Bilder der späten 50er Jahre spielen oft auf das Licht und die Farbe der Landschaft an und enthalten natürlich auch figurative Elemente. Ruths Zowie (1957) hat eine Art deklarativen Elan und Selbstvertrauen. (Kligman lieferte den Titel, als sie das Studio von de Kooning betrat und als sie das Bild sah, rief sie "Zowie!" Aus.) De Kooning selbst lernte nie, ein Auto zu fahren, aber er liebte es, auf den breiten neuen amerikanischen Autobahnen zu fahren. Im Jahr 1959 mobbte die Kunstwelt die Galerieeröffnung der sogenannten Autobahnserie: große, kühn gestrichene Landschaften.

De Kooning fühlte sich als Berühmtheit nie ganz wohl. Er blieb teilweise immer ein armer Junge aus Rotterdam. (Als er Frau John D. Rockefeller III, die gerade Frau II gekauft hatte, kennenlernte, spuckte er aus und sagte: „Sie sehen aus wie eine Million Dollar!“) Wie viele seiner Zeitgenossen begann er stark zu trinken . Auf dem Höhepunkt seines Erfolgs gegen Ende der 1950er Jahre war de Kooning ein Alkoholiker, der manchmal für mehr als eine Woche verschwand.

In den 50er Jahren hatten viele junge Künstler de Kooning nachgeahmt; Kritiker nannten sie „Maler der zweiten Generation“ - also Anhänger von Pionieren wie de Kooning. In den 60er Jahren jedoch veränderte sich die Kunstwelt rapide, als Pop- und Minimal-Künstler wie Andy Warhol und Donald Judd der Kunst eine coole und wissensbasierte Ironie verliehen, die De Koonings üppiger Sensibilität fremd war. Diese jungen Künstler wollten keine „zweite Generation“ sein, und sie begannen, die Arbeit des älteren Malers als zu chaotisch, persönlich, europäisch oder, wie de Kooning es ausdrückte, als alten Hut abzutun.

Als de Kooning sich dem Alter von 60 Jahren näherte, verließ er 1963 New York mit Joan Ward und ihrer Tochter nach Springs. Sein Leben auf Long Island war schwierig. Er war der Melancholie ausgeliefert, und er lehnte es ab, wie ein Maler behandelt zu werden, der von der Geschichte zurückgelassen wurde. Er beugte sich immer noch regelmäßig vor, was manchmal mit seiner Einweisung in das Southampton Hospital endete. Aber seine Kunst entwickelte sich auf außergewöhnliche Weise weiter.

De Kooning tauchte in die Landschaft von Long Island ein. Er baute ein großes, exzentrisches Studio, das er mit einem Schiff verglich, und wurde zu einer vertrauten Gestalt in der Umgebung von Springs, als er auf sandigen Straßen radelte. Seine figurative Arbeit der 60er Jahre war oft verstörend; Seine Vorliebe für Karikaturen und das Groteske, das in Frau I deutlich wird, fand sich auch in sexuell aufgeladenen Werken wie The Visit (1966-67), einem feuchten und saftigen Bild einer grinsenden Froschfrau, die auf dem Rücken liegt. In seinen abstrakteren Bildern schienen der weibliche Körper und die Landschaft zunehmend in der losen, wässrigen Farbe zu verschmelzen.

De Kooning begann auch, außergewöhnlich taktile figürliche Skulpturen herzustellen : Clamdigger (1972) schien aus dem Urschlamm herausgezogen. Die folgenden Bilder, wie ... Whose Name was Writ in Water (1975), waren nicht weniger taktil, hatten aber nicht die gleiche Schlammigkeit. Ekstatische Eruptionen von Wasser, Licht, Reflexion, Farbe und Körperempfindung - vielleicht ein Ausdruck von De Koonings Leidenschaft für die letzte große Liebe seines Lebens, Emilie Kilgore -, die Gemälde sehen aus wie nichts anderes in der amerikanischen Kunst. Und doch beendete de Kooning in den späten 70ern abrupt und typisch die Serie. Die Bilder, sagte er, kamen zu leicht.

Es war auch in den späten 70er Jahren, als de Kooning erstmals Anzeichen von Demenz aufwies. Seine Frau Elaine, die zu dieser Zeit in sein Leben zurückkehrte, begann ihn sorgfältig zu überwachen. Im Laufe der 80er Jahre war er zunehmend auf Assistenten angewiesen, die seine Leinwände bewegten und seine Farben auslegten. Einige Kritiker haben die zunehmend sparsamen Gemälde dieser Zeit herabgesetzt. Elderfield behandelt den späten Stil jedoch mit Respekt. Im besten der späten Werke scheint de Kooning seiner Hand zu folgen, der unnachahmliche Pinselstrich ist frei von jeglicher Belastung und dennoch lebhaft wie immer. "Dann gibt es eine Zeit im Leben", sagte er 1960, als er von New York City müde war, "wenn Sie nur einen Spaziergang machen: Und Sie gehen in Ihrer eigenen Landschaft."

De Kooning starb am 19. März 1997 im Alter von 92 Jahren in seinem Studio auf Long Island. Während seines langen Lebens legte er eine enorme Distanz zwischen Europa und Amerika zurück, zwischen Altmeister und Modernist, zwischen Stadt und Land. De Koonings Kunst, sagte der Maler Robert Dash, "scheint sich immer zu verabschieden." De Kooning selbst sagte gern: "Man muss sich ändern, um gleich zu bleiben."

Mark Stevens ist der Co-Autor mit seiner Frau Annalyn Swan des mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichneten Kooning: An American Master .