Tragen Sie Ihre Kunst auf dem Ärmel

Kunst zum Tragen nimmt einen einzigartigen Platz im kreativen Universum ein. Diese hybride Klassifikation, die sich über Mode, Handwerk und Kunst erstreckt, hat in der Vergangenheit versucht, Kleidung über ihre praktische Rolle zu heben. Von den Präraffaeliten der 1890er bis zu den surrealistischen Metallschmieden der 1930er Jahre bis hin zu den heutigen Öko-Designern erkennen solche Handwerker an, dass die Kleidung, die wir tragen, Ideen und Meinungen repräsentiert.

Aus dieser Geschichte

Kunst zum Anziehen

Erte: Art to Wear: Der komplette Schmuck

Oft verbunden mit den Regeln des Surrealismus oder Dada, begannen diese Künstler mit den Formen, Mustern und Materialien von Schmuck und Kleidung zu experimentieren. Tatsächlich gewann der Surrealismus als Bewegung durch seine Streifzüge in die Mode Anerkennung.

An der Spitze dieser Verschmelzung von Avantgarde-Kunst und Haute Couture arbeitete eine renommierte italienische Designerin namens Elsa Schiaparelli mit surrealistischen Größen wie Jean Cocteau und Salvador Dalí zusammen. Mit Dali schuf Schiaparelli eines ihrer auffälligsten Kleidungsstücke: das Lobster-Kleid, ein cremefarbenes Seidenorganza-Kleid, das von Schiarparelli mit synthetischem Rosshaar akzentuiert wurde und das Dali dann mit einem großen, mit Petersilie gesprenkelten Hummer verzierte.

Die tragbare Kunstbewegung, auch Craft-to-Wear-Bewegung genannt, beinhaltend Faserkunst, Lederhandwerk, Schmuck aus allen Materialien und alles, was man sich vorstellen kann, um sich selbst zu schmücken, identifizierte sich erst in den 1960er Jahren als solche. Viele anerkannte Künstler und Juweliere der Moderne, die zwischen 1920 und 1950 schufen, gehören jedoch zu den ersten Herstellern von handwerklicher Kleidung.

Diese Woche werden die Arbeiten von 50 Künstlern, die alles von Schmuck, Kleidung, Schals und Handtaschen verkaufen, bei der jährlichen Spendenaktion Craft2Wear der Smithsonian Institution im National Building Museum in Washington, DC zu sehen sein Stipendien und Stiftungen für die Forschung an der Institution.

Drei Künstler, Starr Hagenbring, Susan Sanders und Kathleen Nowak Tucci, die mit einer Vielzahl von physischen Materialien arbeiten und jahrzehntelange Erfahrung im Bereich Design haben, werden auf der Veranstaltung Gegenstände zum Verkauf anbieten. Ihre Kunst ist auf der ganzen Welt erschienen - vom Cover der Vogue Italia bis zu Margaret Thatchers Revers im Rundfunkfernsehen.

Die Vereinigung dieser drei Künstler und der Crafts2Wear-Show ist ein dauerhaftes Interesse an der Kombination von hoher und niedriger Kunst und Materialien im Einklang mit der disruptiven Mission der umweltbewussten Wearable Art Movement der 1960er und 70er Jahre.

Hagenbring verwandelt weitverbreitete Käfer in komplexe, schillernde Wandteppiche und verwandelt "das Hässliche in das Schöne". Tucci schafft mit Vergnügen "etwas Außergewöhnliches aus etwas, das auf unseren Mülldeponien gelandet wäre". Sanders arbeitet an der Gegenüberstellung zwischen Hoch und niedrige Materialien, arbeitet auf einer Ultra-Tech-Plattform - dem 3D-Druck - mit kostengünstigen Industriematerialien und trifft auf Kunst, wo dies nicht zu erwarten ist.

Starr Hagenbring: Die Schönheit der Bugs

Das in New York ansässige Hagenbring setzt die Tradition der gemalten Faserkunst von Dali und Schiaparelli fort. Es verwendet Stoff als Leinwand, verwebt farbige Fäden und trägt helle und opale Farben auf, um auffällige Tableaus zu schaffen. Ihr Kunsthandwerk, das in ihrem New Orleans Shop Art & Eyes zu sehen und zu kaufen ist, greift zahlreiche Themen auf: klassische und exotische Silhouetten, abstrakte Designs und in letzter Zeit realistische und abstrakte Insekten.

Ihre Kreativität beruht auf dem Wunsch, persönliche Abneigungen zu überwinden.

Als Kind versetzten Spinnen sie in Panik, bis sie sich dazu herausforderte, sich tief in ihrer Welt zu engagieren. Sie fand ihre komplizierte Schönheit. Und die Erfahrung hat eine lebenslange Faszination ausgelöst.

Vor ungefähr 25 Jahren stieß Hagenbring bei seinem Besuch in Birma auf eine Carport-Wand, die fast ausschließlich mit Insekten verschiedener Arten und Größen bedeckt war. Es war, wie sie sich erinnert, "eine Smithsonian-Institution-Ausstellung von Käfern". Zu überrascht, dass sie angewidert war, untersuchte sie stattdessen die "Ausstellung" und entdeckte eine Vielfalt von Größen, Flügelformen, geometrischen Mustern, verborgenen Auslegern und allgemeiner Schönheit. Die Vielfältigkeit und Stärke dieser Kreatur beeinflusst einen Großteil ihrer tragbaren Kunst.

Insekten haben die Schaffung von Kunstobjekten seit Jahrhunderten inspiriert, von traditionellen afrikanischen Masken bis zu Picassos kubistischen Gemälden, ein Erbe, das Hagenbring anerkennt. Indem Hagenbring sich auf ihre unerwartete Schönheit konzentriert und nicht auf große und realistisch aussehende Details verzichtet, hat sie den „ neuen Faktor“ überwunden, den viele Menschen mit Fehlern in Verbindung bringen. Ihr Ziel ist es, die Menschen dazu zu verleiten, die unerwartete Lieblichkeit zu finden, und sie zu einem breiteren Wunsch zu bewegen, die Menschen dazu zu ermutigen, wie sie nachdrücklich sagt: „Stop, stop, stop. Schau, was wir um uns haben. “

Kathleen Nowak Tucci: Ökologische Ästhetik

In den 1960er und 1970er Jahren widmete sich die neu benannte Wearable Art Movement auch dem Umweltbewusstsein und betonte die Texturen und Eigenschaften natürlicher, nachhaltiger Materialien. Die Mitglieder der entstehenden Community haben Ästhetik mit Funktion verschmolzen und versucht, die traditionellen Rangfolgen oder Hierarchien innerhalb der künstlerischen Community zu zerstören, die die „schöne“ Kunst über das nutzbare Handwerk erheben. Die Betonung der Textilarbeit, die zuvor als „Frauenarbeit“ aus der Legion der hochrangigen Künstler ausgeschlossen worden war, passte gut zur wachsenden Frauenbefreiungsbewegung.

Auch Kathleen Nowak Tuccis jüngste Arbeit ist von politischer Aktualität geprägt und beschäftigt sich mit zunehmenden globalen Bedenken hinsichtlich ökologischer Zerstörung, Verschwendung und Umweltverschmutzung. Sie erweitert das Interesse traditioneller tragbarer Künstler an "niedrigen" oder "outré" -Materialien auf gebrauchte Fahrradschläuche, über Bord geworfene Stahlbremsseile und gebrauchte Nespresso-Kaffeekapseln. Ihr recycelter Schmuck begann mit Schläuchen, die aus den Mülleimern von Fahrradwerkstätten „befreit“ wurden.

Tucci war anfangs von der Menge an menschlichem Abfall beeindruckt, die sie beim Nachlesen von Ablegern aus Fahrrad- und Harley-Davidson-Motorradgeschäften in Pensacola, Florida, erlebt hatte, und war von der Arbeit mit Gummi angetan, weil die "Materialien so fabelhaft sind" Die schützenden Eigenschaften von Stahl erzeugen einen kantigen Look, der an mittelalterliche Kettenhemden erinnert - aber viel tragbarer ist.

Im Jahr 2010 präsentierte Vogue Italia Tuccis Schmuck auf dem Titelblatt einer Ausgabe, in der über die jüngste Ölpest von BP im Golf berichtet wurde. Als jemand, der Zeuge der fettigen Teiche war, die das Wasser schmierten, war Tucci dankbar, durch ihre zurückgeforderten Verzierungen eine Botschaft der Widerstandsfähigkeit und der Hoffnung auf Auferstehung verwirklichen zu können. Nicht lange danach erspähte Tucci eine Schachtel mit bonbonfarbenen Nespresso-Kapseln im Büro ihres Grafikdesigners und begann, das matte Schwarz der Schläuche mit den funkelnden Edelsteintönen aus eloxiertem Aluminium zu ergänzen, die aus dem Büro-Mülleimer gerettet worden waren. Schließlich bemerkte sie, dass die Nespresso-Kapseln sich behaupteten, und schuf eigenständige, hell leuchtende Stücke. Im Mai 2015 gewann Tucci den Saul Bell Design Award für alternative Materialien, eine Kategorie, die alle Materialien umfasst, bei denen es sich nicht um Edelmetalle handelt. Als nächstes für den Ökodesigner? Tucci würde es lieben, wenn ein recyceltes Statement-Stück bei einer Großveranstaltung auf dem roten Teppich von Hollywood laufen würde (Maggie Gyllenhaal oder Tilda Swinton könnten das wunderbar verwirklichen).

Susan Sanders: 3D-Druck ihrer faszinierenden Handarbeit

In den 1980er Jahren spiegelte Wearable Art die damals beliebte Pop-Ästhetik und Kunststoffe wider. Grafikstile und flache Applikationen betonen die Oberflächenbilder. Bis in das 21. Jahrhundert hinein experimentierten die Macher von Kunst zum Tragen weiter mit Techniken und Materialien, zuletzt auch mit 3D-Druck. Susan Sanders aus Washington, DC, begann vor ein paar Jahren ihren Streifzug durch das Medium, nachdem sie jahrelang ihre Ästhetik an vielfältigen Materialien wie Silber, Gold, Seide, Mikrofaser und Stein verfeinert hatte. Ihre Arbeiten wurden in Galerien auf der ganzen Welt ausgestellt und an ein breites Spektrum von Kunden verkauft.

Als Sanders vor Jahren große, voll bewegliche Käferbroschen aus Edelmetall herstellte, produzierte sie eine besonders große und auffällige Mücke. Nicht lange nachdem der Museumsladen in Whitney in New York die Kreation verkauft hatte, erschien die US-Außenministerin Madeleine Albright im Fernsehen und trug sie. Die Anstecknadel erscheint auch in Albrights Buch Read My Pins: Geschichten aus der Jewel Box eines Diplomaten und als Teil einer Wanderausstellung, die 2010 in der Smithsonian Institution eingetroffen ist.

Sanders hat während ihrer 42-jährigen Karriere so viele unterschiedliche Materialien verwendet - während all ihrer Arbeiten in Alexandria, Virginias Torpedofabrik -, weil sie ihre künstlerische Wahrnehmung gerne regelmäßig auffrischt. Als sie vor einigen Jahren zum ersten Mal 3D-gedruckten Schmuck sah, war ihr Interesse geweckt. Nach einem Community-College-Softwarekurs, einem Wochenendworkshop, unzähligen YouTube-Lehrvideos und noch mehr Vermutungen und Experimenten begann Sanders, ihren eigenen 3D-gedruckten Schmuck zu produzieren, zunächst in mattem Schwarz, und dann von Hand in brillanten Farbtönen bemalt, um den zu verbessern viele ineinandergreifende Winkel ihrer faszinierenden Handarbeit. Sanders, die einen Abschluss in Industriedesign von Carnegie-Mellon hat, sagt, ihr „Geschmack neigt zu geometrischen Formen“ und der abstrakte Prozess der Formulierung ihrer Designs fühlt sich an, als sei sie „nach Hause gekommen“.

Ihre 3D-Entwürfe sind alle aus einem Stück zusammengesetzt, haben aber oft viele bewegliche Teile: unsichtbare Gelenke, Scharniere und seltsam eingesperrte Kugeln. Der im Druckverfahren verwendete leichte Nylonkunststoff ermöglicht es Sanders, größere Teile herzustellen, die noch immer sehr tragbar und erschwinglich sind. Die vergleichsweise geringen Prozesskosten ermöglichen es ihr, ein breiteres Käuferpublikum zu erreichen - eine schöne Abwechslung von der Arbeit mit Edelmetallen.

Alle drei Frauen sind sich einig, dass die Kunden, die ihre Produkte tragen, selbstständig sein müssen, bereit sein müssen, gesehen zu werden. Ob Jogginghose oder prächtig illustrierter Käfermantel, die Kleidung ist performativ. Was wir tragen, ist die faszinierende Verbindung zwischen unserem privaten Selbst und der Wahrnehmung der Öffentlichkeit. Die diesjährigen Künstler von Craft2Wear bieten unzählige Möglichkeiten, diese Lücke mit Humor, Flair und Individualität zu schließen.

Die Smithsonian Craft2Wear Show 2015 findet vom 1. bis 3. Oktober im National Building Museum in Washington, DC statt. Die Show wird am Donnerstag, 1. Oktober, mit der Advance Chance Party & Fashion Show von 17.30 bis 21.00 Uhr eröffnet. Tickets kosten 75 USD und müssen bezahlt werden im Voraus gekauft werden. Der tägliche Eintritt für Freitag von 10 bis 20 Uhr und Samstag von 10 bis 17 Uhr beträgt 10 USD (nur Barzahlung) und ist an der Tür zu zahlen. Am 2. Oktober von 17.30 bis 20.00 Uhr gibt die Artful Happy Hour (17.30 bis 20.00 Uhr) den Käufern die Gelegenheit, auf die Fähigkeiten der Künstler zu stoßen und die langjährige Unterstützung von Wissenschaft und Kunst durch das Smithsonian Women's Committee zu feiern . Verlosungstickets für ein Paar von Keith Lewis gestiftete schwarze Perlglimmerohrringe und eine von den Kunsthandwerkern Bozenna und Lukasz Bogucki gestiftete Pfauenmaschenhandtasche können für jeweils 5 USD oder fünf USD für jeweils 20 USD pro Messetag erworben werden.