Metallboas, die sich wie eine Skulptur um den Hals des Trägers wickeln; Spitzen- und Elchzahnkleider, die in einen schicken Nachtclub passen würden; Graffiti-inspirierte T-Shirts, die Apache-Bilder integrieren, sind nur der Anfang. Was auch immer man über die Mode- und Kleidungsstile der indianischen Designer wissen möchte, die Erwartungen dürften bei einer neuen Ausstellung im Smithsonian National Museum of the American Indian in New York City ansteigen.
Unter dem Titel „Native Fashion Now“ werden 67 Designer aus den USA und Kanada von den 1950er Jahren bis heute vorgestellt. Diese Schöpfer reichen von großen Namen in der Modewelt, Designern über Prominente und Filmstars bis hin zu experimentellen Künstlern, die Kleidung als Medium verwenden, um ein größeres Statement abzugeben. Die Vielfalt der Stile vermittelt einen tiefen Einblick in die vielen kulturellen, künstlerischen und politischen Themen, die von einheimischen Gemeinschaften ausgehen - und das ist beabsichtigt.
"Wir wollten das Publikum zu einem tieferen, breiteren Verständnis bringen und diese Vielzahl von Stimmen wirklich zelebrieren", sagt Karen Kramer, Kuratorin für Kunst und Kultur der amerikanischen Ureinwohner und des Ozeans am Peabody Essex Museum in Salem, Massachusetts das entwickelte ursprünglich die Show. Die Show hat bereits drei andere Museen besucht, bevor sie im National Museum of the American Indian eröffnet wurde. „Wir wollten uns von einer anthropologischen Sichtweise entfernen und künstlerisch wirklich unterstreichen - oder die Agentur der Künstler in ihrer kreativen Stimme.“
Zu diesem Zweck setzte sich Kramer bewusst für Designer und Arbeiten ein, die ein breites Spektrum an Modeansätzen vermittelten und die geografische und geschlechtsspezifische Repräsentation der Show in Einklang brachten. Beim Eintritt werden die Besucher die Werke von Designern sehen, die in den Mainstream eingebrochen sind, und die Leser von Modeblogs und Magazinen sind wahrscheinlich bereits mit ihren Angeboten vertraut: Ein blumenartiger Sonnenschirm aus Leder, Perlen und Metall, zuerst von Patricia Michaels Zweiter in Staffel 11 von "Project Runway"; oder siebgedruckte Baumwollkleider des Cherokee-Designers Lloyd „Kiva“ New - der erste einheimische Designer, der erfolgreich eine internationale High-End-Modemarke lanciert hat (Kiva, ein Hinweis auf eine einheimische religiöse Struktur des Südwestens).
Diese Arbeiten sind im Bereich „Pathbreakers“ der Show zusammengefasst - Designer, die auf Laufstegen von Modenschauen oder beim Ankleiden von Prominenten Erfolge erzielt haben (einschließlich Betty Ford und Lucille Ball, deren Kleider hier ausgestellt sind).
„Dieser Bereich ist ein Einstiegspunkt für die meisten Menschen mit Künstlern, die im Mainstream eine gewisse Bekanntheit erlangt hatten“, sagt Kathleen Ash-Milby, Associate Curator des Museums, die die Präsentation der Show in New York organisierte. Es ist eine von vier Kategorien, die Ash-Milby als „nicht starr“ hervorhebt, aber dazu beiträgt, einige der wichtigsten Durchgangslinien der einheimischen Mode zu vermitteln.
The Guardian - Bringer of Thunder, Lightning and Rain von Orlando Dugi (Diné [Navajo]) und Troy Sice (Zuni), Handtasche, 2013; Elchgeweih, Rochenleder, Papageienfedern, Rotluchsfell, Rubine, Muschel, Glasperlen und Sterlingsilber (Mit freundlicher Genehmigung der Künstler) 
Indianer entdeckten Columbus T-Shirt von Jared Yazzie (Diné [Navajo]) für OxDx, 2012, Baumwolle (Peabody Essex Museum, Salem, Massachusetts, Geschenk von Karen Kramer, Foto von Thosh Collins) 
Old Time Floral Elk Tooth von Bethany Yellowtail (Apsáalooke [Crow] und Northern Cheyenne) für B Yellowtail, Sammlung „Apsáalooke“, 2014, Spitze, Lederapplikation und Elchzähne (Peabody Essex Museum, Museumskauf, Foto von Thosh Collins) 
Korsett und Rock von Dallin Maybee (Northern Arapaho und Seneca) und Laura Sheppherd, 2010, Seide, Baumwolle und Stahl; Seiden-Shantung (Portland Art Museum, Kauf mit Mitteln eines anonymen Spenders, Foto von Valerie Santagto) 
Stiefel von Jamie Okuma (Luiseño und Shoshone-Bannock), 2013-14. Glasperlen an Stiefeln von Christian Louboutin (französisch). (Peabody Essex Museum, Auftrag mit Unterstützung von Katrina Carye, John Curuby, Karen Keane und Dan Elias, Cynthia Gardner, Merry Glosband und Steve und Ellen Hoffman © 2015 Peabody Essex Museum, Foto von Walter Silver) 
Armband von Mike Bird-Romero (Ohkay Owingeh [San Juan] und Taos Pueblos) und Eddie Begay (Diné [Navajo]), 2000–10, Sterlingsilber, stachelige Auster, Abalone-Muschel, Türkis, Jet und Onyx. (Mit freundlicher Genehmigung von Catherine B. Wygant, © 2015 Peabody Essex Museum, Foto von Walter Silver) 
Armband von Mike Bird-Romero (Ohkay Owingeh [San Juan] und Taos Pueblos) und Ray Adakai und Alice Shay (Diné), 2000–10, Sterlingsilber, stachelige Auster, Abalone-Muschel, Türkis, Jet und Onyx (mit freundlicher Genehmigung von Catherine B) Wygant (© 2015 Peabody Essex Museum, Foto von Walter Silver) 
Chilkat Tunika von Alano Edzerza (Tahltan), 2013 Baumwolle. (Peabody Essex Museum, Geschenk von Karen Kramer, © 2015 Peabody Essex Museum, Foto von Thosh Collins) 
Umhang und Kopfbedeckung des Boten (The Owl) aus der Mahotan- Kollektion von Margaret Roach Wheeler (Chickasaw) für Mahota Handwovens, 2014, Seidenwollgarn; Seidenwollgarn, Metall, Silber, Glasperlen und Pfauenfedern (Portland Art Museum, Kauf mit Mitteln eines anonymen Spenders, Foto von Greg Hall) 
Umhang und Kopfbedeckung des Boten (The Owl) aus der Mahotan- Kollektion von Margaret Roach Wheeler (Chickasaw) für Mahota Handwovens, 2014, Seidenwollgarn; Seidenwollgarn, Metall, Silber, Glasperlen und Pfauenfedern (Portland Art Museum, Kauf mit Mitteln eines anonymen Spenders, Foto von Greg Hall) 
Postmoderne Boa von David Gaussoin und Wayne Nez Gaussoin (Diné [Navajo]) und Picuris Pueblo, 2009, Edelstahl, Sterlingsilber, Emailfarbe und Federn (Peabody Essex Museum, Fotografie von David Gaussoin und das Museum für indische Kunst und Kultur, Modell : Tazbah Gaussoin) 
Stachelrochenbrustplatte, "Shokmalli" -Kollektion von Kristen Dorsey (Chickasaw), 2013-2014, Sterlingsilber, Stachelrochenleder, Larimar, Kupfer und Messing (mit freundlicher Genehmigung der Künstlerphotographie von Carly Street) 
Kleid, Umhang und Kopfbedeckung von Orlando Dugi (Diné [Navajo]), Kollektion „Desert Heat“, 2012, Seide, Organza, Federn, Perlen und 24 Karat Gold; Stachelschweinspulen und Federn; Federn, Perlen und Silber (© 2015 Peabody Essex Museum, Foto von Thosh Collins, Modell: Louisa Belian) "Revisitors" hebt Künstler hervor, die einheimische Traditionen, Materialien und Stile in ihre zeitgenössischen Arbeiten einbeziehen und "direkt von einheimischen Kulturen und Konventionen ausgehen", sagt Ash-Milby.
Dazu gehören das Spitzenkleid und das Elchzahnkleid, die von der Crow- und Northern Cheyenne-Designerin Bethany Yellowtail entworfen wurden. Der Designer ließ sich von perlenbesetzten Kleidungsstücken und anderen Familienerbstücken inspirieren, die eine Reihe von Elchzähnen entlang der Ärmel und der Brust sowie florale Applikationen aus Leder aufweisen. Hier befindet sich auch ein Regenschirm aus Hirschleder, der mit Bildern von Männern auf Pferden und anderen Handlungen verziert ist. Es stammt von Teri Greeves, einer Kiowa-Designerin aus Santa Fe, die sich auf die Tradition der Bildgeschichte in Plains bezieht.
„Ich war auf dem indischen Markt in Santa Fe und bemerkte immer wieder die Verbreitung der zeitgenössischen einheimischen Mode, und der indische Markt selbst verlagerte sich zu einer expansiveren Sichtweise der zeitgenössischen einheimischen Mode“, beschreibt Kramer, wie sich der Fokus der Show verbreiterte als sie Künstler suchte, um einzuschließen.
Native Fashion Now: Nordamerikanischer Indianerstil
Dieses Buch feiert das Design der amerikanischen Ureinwohner als eine wichtige Kraft in der Welt der zeitgenössischen Mode und zeigt wunderschöne, innovative und überraschende Looks von Künstlern der amerikanischen Ureinwohner. Die amerikanische Mainstream-Mode war schon immer vom Design der amerikanischen Ureinwohner beeinflusst, und das liegt daran, dass einheimische Künstler immer exquisite Kleidung, Schmuck und Accessoires selbst kreiert haben.
KaufenZusätzlich zu ihrer eigenen Suche nach Designern stützte sie sich auf eine Gruppe von Beratern, die die Aufstellung mitgestalteten und Verbindungen zu Designern herstellten, mit denen sie möglicherweise nicht so viel Erfahrung hatte. Unter ihrer Auswahl befanden sich Straßenkleidung, T-Shirts und sogar Skateboards von Künstlern aus den Gemeinden Apache, Navajo, Tlingit und Athabascan.
Diese Arbeiten sind Teil der Gruppe „Activators“, die Künstler auszeichnet, die durch ihre Entwürfe Identität und politische Ideen ausdrücken. Der dreiteilige Anzug von Tommy Joseph mit Adlermuster verweist auf seine Tlingit-Clangruppe und Winifred Nungaks Parka und Hut, der mit Fuchspelz gefüttert und in Pink gefärbt ist.
„Die Objekte begannen miteinander zu reden, und es wurde offensichtlich, wie die Show, wenn auch nicht chronologisch nach Thema, angeordnet werden konnte“, sagt Kramer. "Sie haben sich fast selbst sortiert."
"Provokateure" sind die explizitesten politischen und experimentellen. "Es ist fast wie diese Dringlichkeit für die Werke", sagt Kramer. „Wach auf. Das passiert. Wirklich, es steckt viel Energie und Aufregung dahinter. “
Auf einem Baumwollhemd von Carla Hemlock ist der Canandaigua-Vertrag von 1794 auf der Rückseite aufgenäht - ein Dokument, das die US-Regierung aufforderte, jährlich Waren an die Irokesen-Konföderation zu zahlen, und das bis heute gültig ist. Ein schwarzes Lackkleid der Crow-Künstlerin Wendy Red Star mit langen Rändern, die bis zum Boden reichen, ruft tropfendes Öl oder Blut hervor. Die Arbeit ist mehr eine Skulptur als ein praktisches Kleidungsstück und beleuchtet die Ausbeutung natürlicher Ressourcen in den Ureinwohnern.
„Es ist so auffällig, dass man wirklich die Tragbarkeit und die Art der Aussage, die man macht, in Frage stellt“, sagt Kramer. „Diese Ausstellung ist eine wirklich wichtige Gelegenheit für einheimische Designer und Künstler, selbst zu definieren, was einheimische Mode ist und was einheimische Kunst ist, anstatt einen Mainstream-Markt zu haben, der größtenteils von Einheimischen geprägt ist, die von Einheimischen inspiriertes Design und Stil verwenden Motive, um die allgemeinen Vorstellungen darüber, was einheimische Mode ist, zu nähren. “
"Native Fashion Now" ist bis zum 4. September 2017 im Nationalmuseum des Indianers in New York zu sehen. Das Museum befindet sich im Zollhaus von Alexander Hamilton US, One Bowling Green, New York, New York, 10004.
