Flughäfen sind stressige Orte. Deshalb fliege ich, wann immer möglich, mit roten Augen. Es ist einfach etwas Romantisches, auf einem fast leeren Flughafen zu sitzen und aus dreißig Meter hohen Fenstern zu starren, während Sie darauf warten, in eine neue Stadt zu reisen. Oder sitzen Sie besser an der Flughafenbar, trinken Sie überteuerte Cocktails und flüstern Sie einem völlig Fremden Ihre dunkelsten Geheimnisse zu, in der Gewissheit, dass Sie sie nie wieder sehen werden. Die stille Ruhe eines Flughafens mitten in der Nacht steht in deutlichem Gegensatz zur Tageszeit, in der das Wunder des menschlichen Fliegens wahrscheinlich durch schrecklichen Service, lange Warteschlangen, unaufhörliche Verspätungen, Menschenmengen in der Nähe von Steckdosen und den Lärm von Tausenden von Menschen getrübt wird passagiere, die laut durch das terminal rennen.
In diesem anathematischen Umfeld schuf der Musiker Brian Eno 1978 das wegweisende Album Ambient 1: Music for Airports . Enos Projekt begann, als er an einem schönen Sonntagmorgen auf einen Flug auf einem Flughafen in Köln wartete. „Das Licht war schön, alles war schön“, erinnert sich Eno, „nur dass sie schreckliche Musik spielten. Und ich dachte, es ist etwas völlig Falsches, dass die Leute nicht über die Musik nachdenken, die in Situationen wie diesen vorkommt. Sie geben Hunderte Millionen Pfund für die Architektur aus, für alles. Außer der Musik. “Mit der Umsetzung begann Eno eine künstlerische Mission, Klangumgebungen für öffentliche Räume zu entwerfen. Als er sich setzte, um die Partitur zu komponieren, stellte sich Eno den leeren Flughafen vor, den ich so anziehend finde: „Ich hatte diesen idealen Flughafen vor Augen, an dem es spät in der Nacht ist; Sie sitzen da und es gibt nicht viele Leute um Sie herum: Sie sehen nur Flugzeuge durch die Rauchfenster abheben. "
Internationaler Flughafen von Los Angeles bei Nacht (Bild: Wikimedia Commons)
Musik für Flughäfen beginnt mit dem Antippen einzelner Klaviertasten über einer nicht identifizierbaren, warmen Klangstruktur - oder vielleicht ist es nur statisch. Die Noten beginnen sich zu überlappen, kräftigere Töne beginnen in Ihren Ohren zu widerhallen. Dann für einen Moment die Stille, bevor das Klavier wieder anspringt, begleitet von dem sanften Klang eines Space Cello oder der Resonanz eines Kristallweinglases. Die Noten beginnen sich zu wiederholen. Dann überlappen. Dann Schweigen. Rufen Sie jetzt den flüsternden Roboterchor auf.
Es quält und tröstet zugleich. Das Auf und Ab der minimalistischen Komposition ist langsam und absichtlich; Schallwellen am Strand. Eno prägte den Begriff „Ambient“, um diese atmosphärische Klanglandschaft zu beschreiben und sie von den abgespeckten, dünnen Popsongs zu unterscheiden, die von Muzak entwickelt wurden - die sicherlich ihren eigenen Charme haben, wenngleich sie entschieden weniger beruhigend sind. Dabei schuf er nicht nur ein Album, sondern ein ganzes Musikgenre. Eno geht in den Liner Notes auf die Art der Ambient-Musik ein. Ambient 1: Musik für Flughäfen :
„Während die verschiedenen Anbieter von Dosenmusik von der Grundlage der Regularisierung von Umgebungen ausgehen, indem sie ihre akustischen und atmosphärischen Eigenheiten überdecken, soll Ambient Music diese verstärken. Während konventionelle Hintergrundmusik erzeugt wird, indem jegliches Gefühl von Zweifel und Unsicherheit (und somit jegliches echte Interesse) von der Musik genommen wird, behält Ambient Music diese Eigenschaften bei. Und während sie beabsichtigen, die Umgebung durch Anregung aufzuhellen (was angeblich die Langeweile bei Routineaufgaben lindert und die natürlichen Höhen und Tiefen der Körperrhythmen ausgleicht), soll Ambient Music Ruhe und Raum zum Nachdenken schaffen .
Umgebungsmusik muss in der Lage sein, viele Hörstärken zu erreichen, ohne eine bestimmte zu erzwingen. Es muss ebenso ignorant wie interessant sein. “
Es muss ebenso ignorant wie interessant sein. Kein kleiner Auftrag. Die Menge an Kreativität und Gedanken, die in das Design von Music for Airports flossen, ist inspirierend. Ambient-Musik konnte weder Takt noch Rhythmus wahrnehmen. Konversationen konnten nicht gestört werden, daher musste sie höher oder niedriger sein als die Tonhöhe der menschlichen Stimme. Es musste über einen längeren Zeitraum gespielt werden, wobei auch regelmäßige Unterbrechungen und Durchsagen möglich waren. All diese Anforderungen wurden berücksichtigt, als Eno sein Album aus Bandschleifen und hochverarbeiteten Tonausschnitten konstruierte, die aus einer improvisierten Aufnahmesitzung stammen.
Brian Enos grafische Notation für Music for Airports, veröffentlicht auf der Rückseite des Albums
Goethe beschrieb Architektur berühmt als „gefrorene Musik“. Man schaudert, wenn man an eine echte physische Manifestation von kakophonem Flughafenlärm denkt: Dosenstimmen, die über eine Gegensprechanlage murmeln, das unaufhörliche Klicken der Absätze auf Fliesenböden, Wecker, Hörner, das Dröhnen von Fernsehnachrichten in Dosen Segmente, das allgemeine Summen von Menschen und Technologie, das in diesen seltsamen Kleinstädten der Ankunft und Abfahrt existiert. Vielleicht sind Flughäfen tatsächlich die physische Manifestation dieses Lärms: verwirrende Strukturen aus Metall und Glas, die gleichzeitig vertraut und einzigartig sind und deren weite Korridore selbst zu Zielen werden. In diesem räumlichen weißen Rauschen ist Musik für Flughäfen ein phänomenologischer Balsam; eine verflüssigte Gegenarchitektur.
