In einer fortlaufenden Reihe wird ATM Ihnen gelegentlich Beiträge von Gastbloggern der Smithsonian Institution bringen: von Historikern, Forschern und Wissenschaftlern, die die Sammlungen und Archive der Museen und Forschungseinrichtungen pflegen. Michael Pahn, Archivar des National Museum of the American Indian und Musiker, überlegt heute, wie ein Instrument entweder das raue, ausdrucksstarke Twang der Geige oder das reine, anhaltende Vibrato einer Geige liefert.
Ich spiele alte Country-Musik. Ich finde es lustig, sozial und sehr demokratisch. Ich habe Konzerte mit einer Streichorchester vor einer Menge von Fremden gespielt, aber genauso gerne spiele ich spontan auf Partys mit Freunden. Menschen aller Könnensstufen kommen zusammen, und die Anzahl der Musiker kann immer größer werden. Es gibt Hunderte, wahrscheinlich Tausende von Melodien; und solange jemand die melodie kennt, kann irgendwann jeder mitspielen.
Es gibt jedoch eine Sache, die die Stimmung schneller brechen kann als ein Texas-Quickstep - wenn jemand auftaucht, der Geige spielt.
Was ist der Unterschied zwischen Geige und Geige? Ken Slowik, Kurator für Musikinstrumente im National Museum of American History, sagt dazu: „Sie sind wie eineiige Zwillinge, nur einer hat seine Haare grün gefärbt.“ Mit anderen Worten, sie sind buchstäblich dasselbe Instrument, aber abhängig von der Veranstaltungsort, einer klingt perfekt und der andere völlig falsch.
Viele würden argumentieren, dass es um Technik oder Stil geht, aber ich würde sagen, dass der Unterschied darin besteht, wie Emotionen vermittelt werden. In meine Beobachtungen investieren Geiger unglaublich viel Zeit und Mühe, um raffinierte Ausdruckstechniken zu perfektionieren. Von der Art und Weise, wie sie den Bogen über die Saiten ziehen, bis zum tiefen Vibrato mit anhaltenden Tönen dreht sich alles um Klarheit und Reinheit des Tons. Dies sind genau die Eigenschaften, die in der alten Musik so falsch klingen. Geiger sind viel roher und weniger raffiniert. Natürlich sind dies sowohl gleichermaßen gültige als auch schöne Arten, Musik zu spielen. Sie sind jedoch unterschiedlich, und dieser Unterschied spiegelt sich zwangsläufig in den Instrumenten selbst wider.
Zwei erstaunliche Instrumente, die beide in den Sammlungen des National Museum of American History aufbewahrt werden, veranschaulichen diese Vielfalt. Eines davon ist eine kunstvolle Stradivarius-Geige, eines der schönsten und unbezahlbarsten Instrumente, die je gebaut wurden. Die andere ist eine alte, kaputte Geige, die eine gute Reinigung verträgt.
Ole Bornemann Bull, der norwegische Virtuose. (National Portrait Gallery, Smithsonian Instiution; Sammlung Meserve) Die Stradivarius-Geige „Ole Bull“ ist ein Meisterwerk der Handwerkskunst, das von einem der angesehensten Instrumentenbauer in Europa gefertigt wurde. Antonio Stradivaris Instrumente waren von Anfang an hoch geschätzt und fanden schnell Eingang in die Hände von Königen und Reichen. Es ist nicht einfach so, dass Stradivari vorbildliche Geigen gebaut hat - er und seine Vorgänger haben die Geige geschaffen und zu dem Instrument weiterentwickelt, an das wir heute denken. Sie haben ein kleines Saiteninstrument geschaffen, das ausdrucksstärker und nuancierter ist als jedes andere zuvor, und die Komponisten haben es angenommen. Stradivari war Teil eines Ökosystems von Instrumentenbauern, Komponisten und Musikern, die durch die Schirmherrschaft der Kirche und des Königshauses die Musik in der Barockzeit in hohe Kunst verwandelten.
Andere haben eloquent darüber geschrieben, was Stradivarius-Instrumente auszeichnet. Besonders außergewöhnlich ist die „Ole Bull“ -Violine, eines von nur 11 von Stradivari gebauten, hochdekorierten Instrumenten, von denen bekannt ist, dass sie noch existieren. Es ist Teil des von der Smithsonian Chamber Music Society gespielten Axelrod-Quartetts mit Stradivarius-Orgeln und wird nach der gängigen Praxis, Stradivarius-Instrumente unter dem Namen eines bedeutenden früheren Besitzers zu bezeichnen, als „Ole Bull“ bezeichnet.
Ole Borneman Bull (1810-1880) war ein norwegischer Geigenvirtuose, der in den 1840er und 1850er Jahren fünfmal durch die USA tourte. Als einer der ersten internationalen Stars Norwegens war Bull einer von vielen europäischen Musikern, die die USA bereisten und dem amerikanischen Publikum klassische und romantische Musik näherbrachten. Er liebte Amerika, und Amerika liebte ihn, und er trat vor ausverkauftem Publikum auf und verdiente sich im ganzen Land begeisterte Kritiken. Bull war ein faszinierender Charakter, ein schamloser Selbstdarsteller und Patriot, der für die Unabhängigkeit Norwegens von Schweden eintrat und die kurzlebige (und gescheiterte) norwegische Siedlung Oleana in Pennsylvania gründete. Bull war auch ein begeisterter Geigensammler und besaß neben dem Stradivarius eine außergewöhnliche und reich verzierte Gasparo da Salo-Geige aus dem Jahr 1562. Interessanterweise gingen feine Geigen wie so viele andere Dinge in Mode und waren es erst zu Bulls Zeiten Stradivaris Instrumente wurden mehr beachtet als die von anderen Meistern wie Nicolò Amati oder Bartolomeo Giuseppe Guarneri.
Nach ihrer Entwicklung im barocken Italien durch Stradivari und andere verbreitete sich die Geige schnell in ganz Europa und wurde zu einem beliebten Volksinstrument. Es kam mit europäischen Siedlern nach Nordamerika und im Laufe der Zeit entwickelte sich eine neue Volksmusik, die hauptsächlich auf schottischen irischen Melodien mit einer hohen Dosis afroamerikanischer Synkopen basierte. Diese Geigen- und Streichmusik wurde zum Soundtrack des Lebens der Menschen im ländlichen Amerika, insbesondere vor dem Aufkommen des Phonographen und des Rundfunks.
Tommy Jarrell wurde in eine Musikerfamilie hineingeboren und hatte ein besonders tiefes Gedächtnis für Melodien. Er wuchs in der Nähe von Round Peak, North Carolina, auf, wo Fiddles und Banjos jeden Tanz, jede Party, jede Cornshucking- und Viehauktion spielten. Jarrell lernte, wie es praktisch jeder andere Geiger und Banjo-Spieler tat - nach Gehör, am Knie älterer Musiker. Musik begleitete jedes gesellige Beisammensein, und Jarrell spielte die ganze Zeit.
Jarrells Fiedel ist ebenso hübsch wie unscheinbar. Es wurde von einem unbekannten Gitarrenbauer in Mittenwald in den 1880er Jahren hergestellt und zu dem Zeitpunkt, als es in die USA importiert wurde, für etwa 6 USD verkauft. Es ist ein Instrument, das gut genug ist, und es war zweifellos ansprechend, als es verkauft wurde. Irgendwo auf dem Weg wurde es mit billigen Inlays im Rücken verziert, wahrscheinlich mit dem gleichen Geist, der Stradivari motivierte, den „Ole Bull“ zu verzieren - etwas Besonderes zu machen. Was diese Geige jedoch wirklich besonders macht, ist ihr Besitzer. Es spielte Hunderte von Melodien tausende Male, wurde von Zehntausenden von Zuhörern gehört und bot eine Verbindung zwischen dem ländlichen und städtischen Publikum traditioneller amerikanischer Musik. Es war mit Kolophonium von Jarrells Bogen bedeckt und entwickelte eine Patina aus jahrelangen Partys, Tänzen und Festivals.
Nach seiner 40-jährigen Karriere als Straßenbenutzer für das Verkehrsministerium von North Carolina in den 1960er Jahren begann Jarrell, mehr Tänze und Festivals zu spielen, und setzte die Tradition fort, alte Melodien und Techniken mit jüngeren Musikern zu teilen. Viele dieser Musiker waren urbane Folk-Revivalisten, die Jarrells Haus mit Aufnahmegeräten versorgten, deren kommerzielle Veröffentlichungen seine Musik einem völlig neuen Publikum zugänglich machten. Er war mit seiner Zeit, seinem Talent und seinen Melodien großzügig und wurde als einer der Ersten mit einem National Heritage Fellowship ausgezeichnet. Zu Jarrells zahlreichen Verbindungen zum Smithsonian gehören Auftritte bei mehreren Festivals of American Folklife. Seine Aufnahmen sind bei Smithsonian Folkways Records erhältlich.
Natürlich nehmen Geiger und Geiger kleine Änderungen an ihren Instrumenten vor, die ihren Geschmack und die Musik widerspiegeln, die sie spielen. Geiger spielen oft mehr als eine Saite gleichzeitig und erzeugen dröhnende Harmonien. Tommy Jarrell hat die Brücke seiner Geige geschliffen, wo die Saiten über dem Körper des Instruments liegen, so dass es einfacher ist, zwei Saiten gleichzeitig zu biegen. Er steckte eine getrocknete Klapperschlangenrassel in seine Geige, die beim Spielen vibrierte, und installierte Stimmgeräte wie die einer Gitarre, die es Jarrell leichter machten, sein Instrument neu zu stimmen. Nicht einmal Stradivaris Instrumente sind unberührt geblieben. Nahezu jede von ihm und anderen Barockmeistern gefertigte Geige wurde modifiziert, um stilistischen Veränderungen Rechnung zu tragen. Die bedeutendsten Veränderungen betrafen die Länge und den Winkel des Halses, teilweise um die Verlagerung vom Darm der Vergangenheit auf die Metallsaiten zu berücksichtigen, die Geiger heute verwenden.
Ole Bull war ein Virtuose, und ich halte seinen Stradivarius für ein Werkzeug von unglaublicher Handwerkskunst, mit dem er Musik als hohe Kunst schuf. Auf der anderen Seite lässt mich Tommy Jarrells Fiedel an den sozialen Kontext denken, in dem er Musik spielte - als einen freudigen Teil des Alltagslebens für Menschen, die oft Probleme hatten. Ich fühle mich so glücklich, Musik aus beiden Kontexten erleben zu können, und ich schätze, wie diese beiden Instrumente widerspiegeln, wie Musik für verschiedene Menschen so viele verschiedene Dinge bedeuten kann. Und ich kann nicht anders, als darüber nachzudenken, wie sich jeder Mann mit seinem Instrument identifiziert haben muss. Ich kann mir ein Treffen zwischen Ole Bull und Tommy Jarrell vorstellen, bei dem sie die Violinen des anderen bewundern, tauschen, ihre jeweilige Musik spielen und vielleicht ein wenig zusammenzucken, bevor sie zurückwechseln. Obwohl jeder zweifellos in der Lage gewesen wäre, das Instrument des anderen zu spielen, bezweifle ich, dass sich beide richtig angefühlt hätten.
