Diese Briefe berühmter Künstler enthüllen die verlorene Intimität des Schreibens von Stift auf Papier

Handschriftliche Korrespondenz zählt seit jeher zu den intimsten und lebendigsten Formen menschlicher Kommunikation. Für den Briefschreiber ist ein ungefülltes Folio ein leeres Gefäß, ein Gefäß, das darauf wartet, von müßigen Beobachtungen, bissigem Klatsch, Liebesgeständnissen, politischen Spekulationen, seelensuchenden Überlegungen, warmem Dank oder allem, was sonst noch in den Sinn kommt, durchdrungen zu werden.

Durch das einfache Auffüllen einer Seite mit Wörtern, Satzzeichen und Bildern manifestiert der Autor eines Briefes, ob er sich dessen bewusst ist oder nicht, in der Welt einen wahrhaft originellen, eigenwilligen Ausdruck des Selbst - ein Kunstwerk. Nirgendwo ist dies so offensichtlich wie im Archiv für amerikanische Kunst der Smithsonian Institution, dessen Inventar sich größtenteils aus handgeschriebenen Botschaften und anderen Eintagsfliegen der Künstler zusammensetzt.

Diese Missiven, die sich mit Themen befassen, die so vielfältig sind wie die Persönlichkeiten ihrer Autoren, dienten als Inspiration für das kürzlich erschienene Buch Pen to Paper: Künstlerhandschriftliche Briefe, herausgegeben von der Kuratorin der Manuskripte Mary Savig.

Mit dem Ziel, wortgestreute Seiten mit farbfleckiger Leinwand und skulptierte, majuskule Figuren mit skulptierten Metallstatuen zu verbinden, offenbart Savig auch den Giganten der amerikanischen Kunstwelt eine ausgesprochen menschliche Seite. Man sieht, wie die in ihnen verborgene Kunst selbst die banalsten Facetten ihres Lebens durchdringt.

Pen to Paper: Künstlerbriefe aus dem Smithsonian Archives of American Art

Pen to Paper, eine Sammlung von Briefen von Künstlern des Smithsonian Archives of American Art, zeigt, wie das Schreiben von Briefen ein künstlerischer Akt sein kann, genau wie ein Künstler Stift auf Papier legt, um eine Linie in einer Zeichnung zu zeichnen.

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Das Buch verdankt seine Existenz der unverwechselbaren Handschrift des minimalistischen Malers Ad Reinhardt, dessen fließende, kalligraphische Phrasen betonte Linien und luftige Bögen nahtlos miteinander verbinden.

Savig erinnert sich an den Moment, als sie und ihre Kollegen, die sich zu einer Mitarbeiterversammlung versammelt hatten, feststellten, dass „fast jeder Reinhardts handgeschriebene Worte aus dem ganzen Raum identifizieren konnte“. Eine Glühbirne ging aus, die für die vielen Monate intensiver Erforschung und Verlobung brennen würde .

Karen Weiss, die Leiterin der Abteilung Digital Operations des Archivs, schlug als erste vor, dass eine angemessene Erforschung der Bedeutung der individuellen Handschrift von Künstlern einen konzertierten Forschungsaufwand erfordern würde. Savig begann, die Tiefen der Kunstszene dieses Landes zu erkunden und suchte nach Studenten und Gelehrten, Kuratoren und Historikern, Professoren und Praktikern, aufstrebenden Künstlern und alten Hasen, um die Schriften von Künstlern zu ergründen, an denen sie persönliches Interesse hatten.

Llyn Foulkes Brief an Darthea Speyer, ca. 1975 (Archiv für amerikanische Kunst) Llyn Foulkes schrieb an Darthea Speyer, die zwei Ausstellungen des Künstlers organisierte. 1975. (Archiv für amerikanische Kunst)

Eines der Ziele von Savig bei der Entwicklung von Pen to Paper war es, die Leser daran zu erinnern, dass "Kunstgeschichte ein aktives Feld ist, ein interdisziplinäres Feld und es viele verschiedene Wege gibt, sich der amerikanischen Kunst zu nähern."

Aus Savigs Sicht war es von wesentlicher Bedeutung, dass die unzähligen Mitwirkenden des Buches in ihren Kommentaren zu den zusammengestellten Briefen Spielraum hatten: „Ich wollte es ihnen überlassen“, erinnert sie sich, „damit sie zeigen konnten, was sie über das Thema wissen, anstatt versuchen, sie zu bitten, spezifisch über etwas zu schreiben, an dem sie möglicherweise nicht so interessiert sind. “

Die Ergebnisse dieser Bemühungen sind bemerkenswert. Alle paar Seiten von Pen to Paper werden den Lesern hochwertige Bilder der handgeschriebenen Briefe eines neuen Künstlers präsentiert, und sie werden mit der markigen Analyse eines neuen Kommentators konfrontiert, die nebenher gedruckt wird.

Diese Dekonstruktionen reichen von technisch anspruchsvollen bis zu ganzheitlich biografischen.

Entwurf eines Kondolenzschreibens Joseph Cornell an Marcel Duchamps Witwe, Teeny, 8. und 9. Oktober 1968 (Archives of American Art)

"Die große kurvenreiche Signatur 'Eero' [Saarinen] ähnelt den kühn geschwungenen Formen seiner Ingalls Rink in Yale, des TWA-Terminals am JFK-Flughafen und des Dulles-Flughafens", schrieb der Architekturhistoriker Jayne Merkel.

Und für Leslie Umberger, die Kuratorin für Volkskunst und autodidaktische Kunst bei Smithsonian, bleibt die Lesbarkeit „zunehmend auf der Strecke, da [Oma] Moses versucht, einen anspruchsvollen Zeitplan, eine große Menge an Familiennachrichten und einen begrenzten Raum auszuhandeln, in dem schreiben."

Viele der im Kompendium enthaltenen Briefe bieten Momentaufnahmen besonders ergreifender Momente im Leben ihrer Schriftsteller und verdeutlichen für die Leser, wie eine einfache handgeschriebene Botschaft, wie Savig es ausdrückte, „zum Überbleibsel einer Person und eines Ortes werden kann“.

Claes Oldenburgs Postkarte an die Kunsthistorikerin Ellen H. Johnson, 17. August 1974 (Archives of American Art)

Nehmen Sie zum Beispiel Lee Krasners transatlantisches Aerogramm für den langjährigen Freund und Liebhaber Jackson Pollock, dessen Leben bei einem Autounfall kurz nach Erhalt ihrer Nachricht verloren gehen würde. In dem Wissen, dass Pollock mit emotionalen Problemen und Alkohol zu kämpfen hatte, überhäufte Krasner ihren aufgeräumten Brief mit Humor und Heiterkeit und vertraute ihm an einem Punkt an, dass das Gemälde in Paris „unglaublich schlecht“ sei. Eingeschränkt durch ihr Medium fühlte sich Krasner bewegt, ihre Notiz mit zu beenden eine einfache, von Herzen kommende Frage, die in der unteren rechten Ecke eingeklemmt und von zwei übergroßen Klammern eingerahmt ist: „Wie geht es dir, Jackson?“

Sie würde niemals eine Antwort erhalten.

Der visionäre Künstler Howard Finster schrieb an einen Kurator über seine bevorstehende Ausstellung in Washington, DC (Archives of American Art)

Ebenso bewegend sind die Entwürfe des Beileidsschreibens des Multimediakünstlers Joseph Cornell von 1968 an die Witwe seines Mentors und Helden Marcel Duchamp. Der Text auf der Seite ist reich an hässlichen Überkreuzungen und wiederholten Versuchen, ihn neu zu formulieren. Er verdeutlicht die Schwere von Cornells Verlust, dem letzten und vielleicht schlimmsten in einer Reihe verheerender Todesfälle. "Als die Kuratorin Lynda Roscoe Hartigan am Donnerstag, dem 3. Oktober, die Nachricht erhielt, sagte sie:" Wirbel "haben [Cornell] daran gehindert, sein Haus zu verlassen, bis er am folgenden Mittwoch den Kondolenzbrief abschickte."

Während einige Texte die Schwierigkeiten einzelner Künstler bei der Navigation durch ihr Leben beleuchten, lenken andere die Aufmerksamkeit des Lesers auf weiterreichende globale Kämpfe. Zum Beispiel versucht die Superstar-Impressionistin Mary Cassatt in einer Notiz von 1922 an eine Bekannte am Carnegie Institute, die Behauptung von Edgar Degas, dass „keine Frau das Recht hat, so zu zeichnen“, zu verarbeiten, was durch Cassatts jetzt sofort erkennbares Öl hervorgerufen wird, Junge Frauen, die Frucht auswählen .

Ohne Verbeugung wies Cassatt den Franzosen kurz und bündig zurück und verwendete eine Kursivschrift, die die Kuratorin des Williams College, Nancy Mowll Mathews, als „kraftvoll“ bezeichnete - ungeachtet der Vision des Künstlers.

Lenore Tawney, eine bahnbrechende Faser- und Collagenkünstlerin, fertigte 1970 eine Postkarte in Handarbeit an. (Archives of American Art)

„Wenn [ Junge Frauen, die Obst pflücken ] den Test der Zeit bestanden hat und gut angezogen ist“, schrieb Cassatt, „könnte sein Platz in einem Museum der heutigen Generation zeigen, dass wir gearbeitet und unseren Beruf erlernt haben, was keine schlechte Sache ist. Bis zum heutigen Tag ist der amerikanische Pionier ein Vorbild für aufstrebende Künstler auf der ganzen Welt - sowohl für Frauen als auch für Männer.

Genauso persönlich setzte sich der afroamerikanische Künstler Jacob Lawrence mit dem Medium der Pistole mit dem Gespenst des rassistischen Hasses in seiner Heimat auseinander. Lawrence diente in der Küstenwache der Vereinigten Staaten und war in St. Augustine, Florida, stationiert. "Im Norden", schrieb er 1944, "hört man viel von Demokratie und den vier Freiheiten, aber hier unten merkt man, dass es nur einen sehr kleinen Prozentsatz von Menschen gibt, die versuchen, Demokratie zu praktizieren."

In einer prägnanten Befragung von Lawrences Handschrift macht die Kunstgeschichtsprofessorin der Boston University, Patricia Hills, auf sein aufblühendes Kapital I aufmerksam, das sich „in seine Initialen JL zu verwandeln scheint“ Die Ära war eine gewaltige Herausforderung für Lawrence und seine afroamerikanischen Zeitgenossen. Ihre Entschlossenheit angesichts unglaublicher Widrigkeiten spiegelt sich in Lawrences selbstbewussten, aber gelegentlich stockenden Federzügen sowie in seinen beredten Worten wider.

Ein ausgelassener Grant Wood schreibt 1930 darüber, wie eine Jury nicht ein, sondern zwei seiner Gemälde, darunter die amerikanische Gotik, angenommen hat . (Archive der amerikanischen Kunst)

Für Savig war es für die Integrität des Pen-to-Paper- Projekts von entscheidender Bedeutung, verschiedene Perspektiven wie die von Cassatt und Lawrence einzubeziehen. Waren Fragen der Rasse, des Geschlechts und der Sexualität für die profilierten Künstler konsequent genug, um sich in ihrer privaten Korrespondenz mit ihnen auseinanderzusetzen, so war es laut Savig „für viele Autoren wichtig, sie auch zu berühren“.

Pen to Paper ist also in vielerlei Hinsicht ein Beweis für die Widerstandsfähigkeit des kreativen Geistes des Künstlers in einer rauen und erdrückenden Welt. An manchen Stellen wird der Leser jedoch mit ungezügelter Erheiterung konfrontiert - mit der Andeutung eines Lichts am Ende des Tunnels.

Nehmen Sie den allerletzten Brief der Sammlung, den der amerikanische Gothic- Schöpfer Grant Wood, ein bescheidener Iowan, der 1930 plötzlich und unwiderruflich ins nationale Rampenlicht gerückt ist, freudig gekritzelt hat. Als Wood erfuhr, dass zwei seiner Leinwände, die bisher von niemandem außerhalb seines Heimatstaates gesehen wurden, bei einer prestigeträchtigen Ausstellung des Chicago Art Institute Platz an der Wand bekamen, konnte er seine Begeisterung kaum fassen. Die Stanford-Kunstexpertin Wanda M. Corn sagt: „Wood ist so überschwänglich, dass er auf eine Begrüßung verzichtet. 'Hurra!' ruft er in großen Rotstiftbuchstaben aus, die von einem handgezeichneten Rahmen umgeben sind. “Woods ansteckende Freude ergänzt perfekt den düstereren Ton einiger Schriften seiner Zeitgenossen und verleiht ihrem Yang ein Yin.

In der Summe ist Pen to Paper, alphabetisch dargestellt, ein AZ-Band im wahrsten Sinne des Wortes. Das Buch ist eine lebendige Pastiche, eine All-inclusive-Wundertüte, die uns daran erinnert, dass es sich bei den diskutierten Künstlern auch um Menschen handelt - „wie im People-Magazin!“, Schwärmt Savig. Letztendlich sind diese großen Innovatoren im Grunde genommen genau wie wir, und wir können in unseren eigenen Momenten der Not gerne auf ihre Beispiele zurückgreifen.