Wären Sie in diesem Jahr durch eine größere Stadt in den Niederlanden gereist, hätten Sie wahrscheinlich den durchdringenden Blick eines ziemlich verblüffenden Gesichts gesehen. Rembrandt van Rijn (1606-69), der Meister des niederländischen Goldenen Zeitalters, ist der wildhaarige Charakter mit den großen Augen, der Sie von Straßenschildern, Schaufenstern, Titelseiten von Zeitschriften und Pralinenschachteln aus begrüßte. Rembrandts unvergleichliche Kunst war schon immer ein wichtiges Verkaufsargument für den niederländischen Tourismus, aber sein Selbstporträt war 2006 überall zu sehen, weil die Holländer den 400. Geburtstag des berühmtesten Künstlers ihres Landes feierten. Tatsächlich löste Rembrandt 400, eine einjährige nationale Veranstaltung unter der Schirmherrschaft von Königin Beatrix, eine weltweite Feier aus, an der Museen und kulturelle Einrichtungen von Krakau bis Melbourne teilnahmen. Unter den teilnehmenden amerikanischen Institutionen befindet sich die National Gallery of Art in Washington, DC, wo "Strokes of Genius: Rembrandts Graphiken und Zeichnungen" bis zum 18. März 2007 zu sehen sein wird.
All diese Aufmerksamkeit spiegelt unsere anhaltende Faszination für einen Künstler wider, dessen Werke bis heute so bewegend und bedeutungsvoll sind wie vor vier Jahrhunderten. Rembrandt wird sowohl für seine Ausdruckstechnik als auch für seine Fähigkeit geschätzt, das emotionale Herz jeder Figur oder Geschichte einzufangen. Sein Thema reicht von der biblischen Vergangenheit bis zu den Menschen und Orten um ihn herum, aber das zentrale Motiv seiner Kunst - und ein Hauptgrund, warum sein Werk noch Jahrhunderte nach seinem Tod zu uns spricht - ist die menschliche Figur, die mit Sensibilität für beide dargestellt wird die Unvollkommenheiten der Oberflächenerscheinung und die Turbulenzen des Geistes im Inneren.
Es besteht kein Zweifel, dass Rembrandt die derzeitige Verwendung seines eigenen unverwechselbaren Gesichts als Marketinginstrument gebilligt hätte. Er malte, ätzte und zeichnete rund 70 Selbstporträts, mehr als jeder andere bekannte Künstler seiner Zeit. Indem er sein Gesicht zum Mittelpunkt seiner Kunst machte, engagierte er sich für ein einzigartiges persönliches Mittel der Selbstvermarktung. In Kostümen oder provokativen Posen spielte er Rollen, die von Bettlern und verlorenen Söhnen über Höflinge bis hin zu orientalischen Potentaten reichten. In Kleingedruckten seiner frühen Jahre überfiel er einen Spiegel und skizzierte die Ergebnisse, um sich selbst die Kunst der Darstellung von Emotionen beizubringen. Später zeichnete er in genau beobachteten Gemälden wie seinem Warzen-und-Alles -Selbstporträt von 1659 unerschütterlich die Spuren von Zeit und Erfahrung auf. Diese Werke fanden ihren Weg in Sammlungen in ganz Europa und trugen dazu bei, Rembrandt zum bekanntesten niederländischen Künstler des 17. Jahrhunderts zu machen.
Rembrandt van Rijn wurde am 15. Juli 1606 in Leiden als neuntes Kind des Müllers Harmen Gerritszoon van Rijn und seiner Frau Neeltgen van Zuytbrouck geboren. Die Familie betrieb eine Getreidemühle am Rhein, die an die Stadt grenzte. Sie waren wohlhabende Arbeiter, und von ihren Kindern würde erwartet, dass sie sich dem Mühlengeschäft anschließen, wie es einige von Rembrandts Geschwistern taten, oder einen Beruf ausüben. Rembrandt muss ein besonderes Versprechen gezeigt haben, denn seine Eltern haben ihn an der Lateinschule eingeschrieben, wo er in die klassischen Sprachen und die Literatur eingeführt wurde. Eine solche Ausbildung hätte zum Ministerium oder zum öffentlichen Dienst führen müssen, aber laut dem Leidener Historiker Jan Orlers aus dem 17. Jahrhundert war Rembrandt mehr am Kritzeln als am Studieren interessiert, und seine Eltern, die sich vielleicht dem Unvermeidlichen ergeben, ließen ihn bei einem örtlichen Maler ausbilden und dann schickte ihn für ein halbes Jahr bei einem Künstler in Amsterdam zu studieren.
Eine halbe Stunde Zugfahrt von Amsterdam entfernt (oder zu Rembrandts Zeiten einige Stunden zu Fuß, zu Pferd oder mit dem Boot) dominiert heute die 1575 gegründete Universität Leiden. Im 17. Jahrhundert verdankte die Stadt einen großen Teil ihres Wohlstands der Textilhandel. Das Stadtmuseum De Lakenhal befindet sich in einem ehemaligen Rathaus, in dem Gouverneure und Prüfer der Textilindustrie ihre Sitzungen abhielten. 2006 fanden dort mehrere große Ausstellungen statt, darunter eine Übersicht über Rembrandts Landschaften. Während einige der Bilder in dieser Ausstellung die Landschaft in der Nähe seines Hauses darstellen, sind andere reine Fantasie. In The Mill zum Beispiel thront eine imposante Windmühle auf einer schroffen Klippe, die sich deutlich vom flachen Gelände Hollands unterscheidet. Eine andere Ausstellung, "Rembrandts Mutter, Mythos oder Wirklichkeit", befasste sich mit zwei älteren Personen, die wiederholt in Rembrandts frühesten Werken zu sehen sind. Wissenschaftler des 19. Jahrhunderts, die das Leben des Künstlers romantisieren wollten, identifizierten sie schnell als Rembrandts Mutter und Vater, während angenommen wurde, dass Studien mit jüngeren Figuren seine Brüder und Schwestern repräsentierten. Obwohl moderne Gelehrte skeptischer sind (es gibt keine Dokumente, die diese Identifikationen belegen), ist es sinnvoll, dass Familienmitglieder die verfügbaren und erschwinglichsten Modelle für einen Künstler sind, der gerade erst anfängt.
Der charakteristische Stil der frühen Rembrandt-Schule, der auf präzisen Beobachtungen aus dem Leben in Kombination mit exotischen historischen Kostümen beruht, ist auf Werke wie Rembrandts Tobit und Anna (1626) zurückzuführen, für die seine Mutter und sein Vater möglicherweise Vorbilder waren. In solch kleinen, akribischen Gemälden erhaschen wir einen Blick auf den jungen Künstler, der sein Auge sorgfältig schult und gleichzeitig eine Faszination für das Alter entwickelt, die im Laufe seiner Karriere wieder auftauchen würde.
Als er Mitte 20 war, erlangte Rembrandt bereits internationale Aufmerksamkeit. Während die meisten seiner niederländischen Zeitgenossen ihre Werke vor Ort verkauften, wurden seine Gemälde und Drucke nicht nur in Holland, sondern auch in Italien, Frankreich und anderswo gesammelt. Um 1630 erhielt König Karl I. von England drei Gemälde von Rembrandt als Geschenk, darunter ein Selbstporträt und ein Gemälde, das vermutlich von der Mutter des Künstlers stammt. Auf der Suche nach mehr Möglichkeiten als seine Heimatstadt bieten könnte, zog Rembrandt Anfang der 1630er Jahre nach Amsterdam, einer Stadt mit etwa 125.000 Einwohnern und nach wie vor das kulturelle und kommerzielle Zentrum der Niederlande.
Rembrandts Holland war einzigartig in Europa: eine von Bürgern geführte Republik, keine Monarchie, mit einer boomenden Handelswirtschaft, in der harte Arbeit und unternehmerische Initiative mehr als ein Adelstitel waren. Es war ein Ort, an dem religiöse Vielfalt toleriert wurde und der städtische, bürgerliche Geschmack das kulturelle Leben beherrschte. Amsterdam war das Zentrum eines lebhaften Kunstmarktes, und sobald Rembrandt dort ankam, brachte eine Geschäftspartnerschaft mit Hendrick van Uylenburgh, einem bekannten Kunsthändler, dem Künstler einige seiner ersten Porträtaufträge ein - ein Fuß in die Tür zur Schirmherrschaft von Amsterdams reichsten Bürger.
Mit der Hilfe von van Uylenburgh wurde Rembrandt schnell zum gefragtesten Porträtisten in Amsterdam. Sein brillantes Porträt von Agatha Bas aus dem Jahr 1641 zeigt, warum. Die 30-jährige Agatha, die Tochter eines wohlhabenden Bürgermeisters und Ehefrau eines Investors von van Uylenburgh, betrachtet uns mit einem zurückhaltenden und dennoch selbstbewussten Blick. Ihre linke Hand ruht auf einem polierten Holzrahmen, während der elegante Fächer in ihrer rechten Hand davor fällt. Ist das ein Fensterrahmen oder der Rahmen des Bildes selbst? Diese Illusion schafft zusammen mit der direkten Pose, der lebensgroßen Skala und dem subtilen Lichtspiel hinter der Figur das Gefühl, einer anderen lebenden Seele gegenüberzustehen. Bei näherer Betrachtung lösen sich jedoch die naturgetreuen Details ihres gekräuselten Haares, des gestickten Oberteils, der funkelnden Juwelen und des spitzenbesetzten Kragens in Farbstriche und -striche auf, mit durchscheinenden Farbglasuren, die über dickem pastosen Material aufgetragen sind. Diese magische Kombination unterscheidet Rembrandt von der geschmeidigeren, polierteren Technik, die von vielen seiner Zeitgenossen bevorzugt wird.
Im Jahr 1634, als er 28 Jahre alt war, heiratete Rembrandt van Uylenburghs 21-jährige Cousine Saskia. Sie war auch ein häufiges Vorbild für die Künstlerin, die sie in malerischen Rollen wie Flora, der Göttin des Frühlings, besetzte. In einer intimen Silberstiftzeichnung von Saskia, die Rembrandt wenige Tage nach ihrer Verlobung angefertigt hat, trägt sie einen mit Blumen besetzten Sonnenhut und lächelt schüchtern. Während ihrer achtjährigen Ehe hatte das Paar vier Kinder, aber nur eines, Titus, würde die Kindheit überleben. Im Jahr 1642, weniger als ein Jahr nach Titus 'Geburt, starb Saskia im Alter von 29 Jahren an einer Krankheit oder an Komplikationen bei der Geburt. Ihr Testament sah vor, dass Rembrandt von ihrem Nachlass profitieren würde, sofern er nicht wieder heiratete. Er hatte eine Affäre mit Geertje Dircx, einer Krankenschwester, die zur Pflege des Jungen herangezogen wurde, und einige Jahre später lehnte er sie wegen einer jüngeren Frau ab, Hendrickje Stoffels, die als Dienstmädchen in den Haushalt eingetreten war. Dircx verklagte ihn wegen Versprechensbruchs und provozierte einen langen und erbitterten Rechtsstreit.
1654 wurde Stoffels vor die Ältesten ihrer Kirche gerufen und beschuldigt, "mit dem Maler Rembrandt in Hurerei zu leben", aber sie blieb trotz des Skandals bei ihm. Ihre Tochter Cornelia wurde später in diesem Jahr geboren. Sowohl Stoffels als auch Titus halfen bei Rembrandts Geschäft mit (Titus würde zu einem kleinen Künstler und dem Agenten seines Vaters heranwachsen), und der Junge war wahrscheinlich das Vorbild für mehrere eindrucksvolle Figurenstudien des Künstlers, darunter Titus an seinem Schreibtisch, die 1655 gemalt wurden. Mit ein paar schnellen Bewegungen fängt Rembrandt die Texturen von Stoff, Haar, Holz und Papier sowie die Träume eines Schülers ein, der lieber irgendwo anders als an seinem Schreibtisch wäre. Stoffels posierte auch: Ein sensibles Porträt von ihr im Alter von 34 Jahren befindet sich im New Yorker Metropolitan Museum of Art.
Fast 20 Jahre lang füllte Rembrandt sein geräumiges Haus in der Sint Anthonisbreestraat in Amsterdam mit Studenten, Kunden, die anriefen und Gemälde und Drucke zum Verkauf anboten. Er sammelte auch eine Sammlung von Gegenständen, darunter nicht nur Kunstwerke, sondern auch Papageienfedern aus Amazonien, venezianische Glaswaren, afrikanische Löwenfelle und andere exotische Schätze, von denen einige Motive für seine Gemälde lieferten. Nie ein guter Geldverwalter, konnte er die Hypothekenzahlungen nicht erfüllen und verlor das Haus, nachdem er 1656 bankrott ging. Der Bestand seiner damaligen Kunstsammlung zeigt, dass er sich für die Werke von Vorgängern wie Dürer und Tizian interessierte sowie flämische Zeitgenossen wie Rubens und Van Dyck. Das Rembrandt-Haus (Privathaus bis 1906, als es von der Stadt Amsterdam gekauft wurde) wurde 1911 als Museum eröffnet.
Im Jahr 1642 vollendete Rembrandt sein berühmtestes Gemälde, das riesige Gruppenporträt The Night Watch, auf dem eine Gruppe von bürgerlichen Gardisten abgebildet war, die ausmarschierten, um ihre Stadt zu verteidigen. (Das Gemälde ist seit seiner Installation im Jahr 1885 die Hauptattraktion des Amsterdamer Rijksmuseums.) Amsterdam im Jahr 1642 war in der Tat eine friedliche und prosperierende Stadt, und die Stadtwache diente eher als sozialer Club für ehrgeizige Bürger als als echte Militärtruppe . Rembrandts imaginäre Szene ist eine symbolische Inszenierung ihrer stolzen Bereitschaft zu dienen. Das Revolutionäre an diesem Gemälde ist, dass Rembrandt aus einer Reihe langweiliger Figuren eine lebendige Actionszene gemacht hat. Ein Zeitgenosse sagte, dass andere Gruppenporträts so flach aussehen wie Spielkarten. Im Laufe der Jahrhunderte wurde die Nachtwache auf einen engen Platz zugeschnitten, zusammengerollt und in einem Bunker verstaut, um sie vor den Nazis zu schützen. 1975 wurde sie mit einem Brotmesser aufgeschlitzt und 1975 von einem verstörten Museumsbesucher mit Säure besprüht 1990) und interpretiert auf Bierkrügen, auf T-Shirts und in Werken moderner Künstler. Dank Rembrandts mutiger Erfindung und der Darstellung des patriotischen Geistes, auf dem die Nation gegründet wurde, durch die Gardisten hat sie jedoch ihren Status als niederländische nationale Ikone nie verloren.
Für einige Liebhaber der niederländischen Kunst kämpft Rembrandt mit van Gogh um den Titel des Lieblingssohns. Aber dieses Jahr hat sogar das Amsterdamer Van Gogh Museum eine Blockbuster-Show von Rembrandt veranstaltet - "Rembrandt-Caravaggio". Der italienische Meister Caravaggio, der 1610 starb, als Rembrandt noch ein Kind war, ist am bekanntesten für seine Behandlung biblischer Themen mit einer rauen Wahrheit zur Natur, die durch dramatisches Licht aufgewertet wird. Sein revolutionärer Ansatz löste eine internationale Bewegung aus, die Rembrandt (der Holland nie verließ) durch niederländische Künstler erreichte, die nach Rom reisten. Die Show von 2006 verglich die Behandlungen der beiden Meister zu verschiedenen verwandten Themen, aber wir müssen nicht lange suchen, um Beweise für Rembrandts Interesse an Caravaggios Ideen zu finden, insbesondere für seine Vorstellung von biblischen Geschichten als emotionalen Dramen, die von Menschen aufgeführt werden, die uns immer noch als stören zutiefst menschlich.
Ein bewegendes Beispiel aus Rembrandts späteren Jahren ist sein 1656er Jacob Blessing the Sons of Joseph (oben rechts). Hier sehen wir den Patriarchen Jacob, der krank und fast blind ist, als er nach seinen beiden Enkeln strebt, um sie zu segnen. Jakob streckt seine rechte Hand nach dem jüngeren Bruder Ephraim aus, nicht nach dem älteren Menasse. Rembrandt folgt dem Text in Genesis, während er den Vater der Jungen, Joseph, darstellt, der sanft versucht, die Hand des Patriarchen zu bewegen. Aber der alte Mann ist unnachgiebig, sein Handeln prophetisch: Er weiß, dass der jüngere Sohn zur Größe bestimmt ist. Leise zuschauen ist die Mutter der Jungs, Asenath. Ihre Anwesenheit wird in der entsprechenden Passage nicht erwähnt, aber sie wird anderswo in der Genesis genannt, wie Rembrandt klar wusste. Indem die Künstlerin sie in das Bild einbezieht, betont sie, dass dies im Kern eine Familienkrise ist. (Möglicherweise hat er dieses Werk für eine niederländische Familie gemalt, wobei jedes Mitglied für einen biblischen Charakter steht.) Trotz der schicksalhaften Konsequenzen des Augenblicks spüren wir vor allem die tiefe Liebe und den Glauben, die drei Generationen in sich vereinen ein intimer Lichtkreis. Während das starke Schattenspiel Caravaggio etwas zu verdanken hat, ist die dicke, fast skulpturale Oberfläche der Farbe, die mit breiten und schnellen, aber immer noch wunderbar beschreibenden Strichen aufgetragen wird, Rembrandts einziger Beitrag zur Geschichte der Technik.
Für viele moderne Betrachter ist dies Rembrandt in Bestform, doch in seiner eigenen Zeit heben ihn seine rauen Lackoberflächen, die dramatische Beleuchtung und die nachdenklichen, bodenständigen Charaktere zunehmend von den vorherrschenden Trends ab. Gegen Ende seines Lebens erfüllte ein Hang zur idealen Schönheit Europa, und niederländische Kenner forderten elegante Figuren und Einstellungen, klares Licht und raffinierte Technik. Rembrandt wurde 1681 vom Dramatiker Andries Pels als "der erste Ketzer in der Geschichte der Kunst" bezeichnet, weil er sich weigerte, sich dieser Mode anzupassen. Für Pels und andere Befürworter des Klassizismus wirkte Rembrandts expressiver Umgang mit Farbe schlampig und unvollendet. Laut dem Biographen Arnold Houbraken aus dem 18. Jahrhundert behauptete Rembrandt jedoch, dass "ein Werk beendet ist, wenn der Meister seine Absicht darin erreicht hat". Ein weiteres Ziel für Kritiker war die Behandlung des Aktes. Während die Klassiker argumentierten, dass Künstler die coole Perfektion der griechischen Skulptur anstreben sollten, hielt Rembrandt die Falten und Strumpfbandspuren seiner Motive, die knorrigen Knie und die lockigen Haare gewissenhaft fest. Dafür wurde ihm vorgeworfen, die Regeln der Proportionen und der Anatomie nicht zu beherrschen.
Rembrandt war nicht weniger der Nonkonformist im Umgang mit Kunden. Die meisten Künstler begrüßten sie in ihren Ateliers, aber Rembrandt war schroff. Wenn ein potenzieller Käufer versuchen würde, ein Gemälde zu genau zu betrachten, würde Rembrandt ihn abschrecken und warnen, dass "der Geruch der Ölfarbe Sie krank machen wird", schreibt Houbraken. In einer notariellen Urkunde von 1654 beklagte sich ein portugiesischer Kaufmann namens Diego d'Andrada bei Rembrandt, dass das Porträt eines Mädchens, das er bestellt hatte, nicht so aussah wie sie. Er wollte, dass der Künstler es ändert oder seine Kaution zurückgibt. Rembrandt sagte dem Notar, dass er das Gemälde nicht anfassen werde, bis D'Andrada den Restbetrag bezahlt habe. Dann, sagte er, werde er es den Direktoren der Malergilde zur Beurteilung vorlegen und Änderungen nur vornehmen, wenn sie mit dem Auftraggeber einverstanden seien. Wenn D'Andrada immer noch nicht zufrieden wäre, würde Rembrandt das Gemälde behalten und es auf einer Auktion verkaufen. Die Rückgabe der Kaution wurde nicht erwähnt. Wie der Fall gelöst wurde, ist unbekannt, aber Rembrandts Haltung war ebenso riskant wie mutig. Es kostete ihn sicherlich einiges an Geschäft, aber auf lange Sicht verdankt seine anhaltende Wirkung viel seiner kreativen Unabhängigkeit, einem Kennzeichen des "modernen" Künstlers.
Als Rembrandt 1669 im Alter von 63 Jahren starb, verkaufte er Gemälde und Drucke an angesehene Sammler in ganz Europa, bildete Dutzende von Studenten aus, machte und verlor ein Vermögen und schuf einige der denkwürdigsten Werke des 17. Jahrhunderts. Während einige Betrachter seine kühne, unkonventionelle Herangehensweise an Leben und Kunst mehr als andere bewunderten, bleibt die fundamentale Authentizität seiner Reaktion auf den menschlichen Zustand unbestritten. In Rembrandts Augen, einer beredten Studie des Künstlers und seines Milieus, stellt der Kulturhistoriker Simon Schama fest, dass für Rembrandt "Unvollkommenheiten die Norm der Menschheit sind. Deshalb wird er im Laufe der Jahrhunderte immer mit denen sprechen, für die Kunst etwas sein könnte anders als die Suche nach idealen Formen. "
Stephanie Dickey unterrichtet Kunstgeschichte an der Queen's University in Kingston, Ontario, und ist Autorin von drei Büchern über Rembrandt.
