Obwohl der 17. August, der National Thrift Shop Day, eine unbeschwerte Feier für eine akzeptable kommerzielle Gewohnheit sein soll, ist der Prozess, Second-Hand-Läden zum angesagten Ereignis zu machen, mit ungewöhnlichen Befürwortern verbunden. Wie ich kürzlich in meinem Buch From Goodwill to Grunge beschrieben habe, entstanden Secondhand-Läden im späten 19. Jahrhundert, als christlich geführte Organisationen neue Modelle der Philanthropie übernahmen (und das Image von Secondhand-Läden durch die Nennung ihrer Junk-Läden als „Secondhand-Läden“ wiederherstellten).
Heute gibt es in Amerika mehr als 25.000 Wiederverkaufsgeschäfte. Prominente rühmen sich oft ihrer Second-Hand-Partituren, während Musiker gebrauchte Waren in Liedern wie Fanny Brices 1923-Hit „Second-Hand Rose“ und Macklemore and Ryans 2013er Hit „Thrift Shop“ gelobt haben.
Doch in den letzten 100 Jahren haben bildende Künstler wahrscheinlich den größten Verdienst, dass das Einkaufen im kulturellen Milieu ein Sparsamkeitsfaktor ist.
Ruhm in der verworfenen
Vom fertigen Urinal des Bildhauers Marcel Duchamp aus dem Jahr 1917 bis hin zum „Papst des Mülls“ - die Popularisierung einer Müllästhetik durch den Filmregisseur John Waters - haben bildende Künstler lange nach gebrauchten Waren gesucht, um sich kreativ inspirieren zu lassen und sie gleichzeitig zur Kritik kapitalistischer Ideen zu nutzen.
Während des Ersten Weltkrieges begannen Avantgarde-Künstler, weggeworfene Gegenstände zu verwenden - gestohlen oder gesammelt oder auf Flohmärkten und Secondhand-Läden gekauft -, um sich gegen die zunehmende Kommerzialisierung von Kunst zu wehren. André Breton, Marcel Duchamp und Max Ernst gehörten zu den Ersten, die beiseite geworfene Gegenstände direkt in Kunstwerke verwandelten, die als "Readymades" oder "Fundstücke" bekannt sind, oder die Inspiration aus solchen Gütern in ihre Gemälde und Schriften einfließen ließen.
Gleichzeitig mit (und aus) der Anti-Kunst-Bewegung Dada, die die Logik und Ästhetik des Kapitalismus scharf ablehnte, würde die Bewegung, die diese Erhebung von gebrauchten Gegenständen umgibt, bald einen Namen haben: Surrealismus.
In seiner teilautobiografischen Arbeit „Nadja“ von 1928 beschreibt Breton, der „Vater des Surrealismus“, das Einkaufen aus zweiter Hand als eine transzendente Erfahrung. Abgeworfene Gegenstände, schrieb er, waren in der Lage, "Lichtblitze zu enthüllen, die Sie sehen, wirklich sehen lassen". Breton wurde in den 1940er Jahren von der französischen Regierung Vichy vertrieben und ließ sich in New York nieder, wo er andere Künstler und Schriftsteller inspirieren wollte indem wir sie zu Second-Hand-Läden und Flohmärkten in Lower Manhattan bringen.
Während Duchamps „Brunnen“ vielleicht das bekannteste skulpturale Kunstwerk ist, das aus einem gefundenen Objekt stammt, erscheint sein fertiges „Fahrradrad“ (1913) noch früher. In Man Rays „Gift“ (1921) war ein normales Bügeleisen mit einer Reihe Messingnägeln an der Oberfläche befestigt.
Während Männer den Surrealismus zu dominieren schienen, heben die jüngsten Quellen die Bedeutung der Baronin Elsa von Freytag-Loringhoven hervor, von der Wissenschaftler vermuten, dass sie Duchamp sein berühmtes Urinal geschenkt hat, um die Zusammenarbeit mit „Fountain“ zu ermöglichen. Die exzentrische und talentierte Baronin schuf "God" (1917), eine umgedrehte gusseiserne Metall-Klempnerfalle, in demselben Jahr zeigte Duchamp "Fountain".
Marcel Duchamps Arbeit 'Fountain' von 1917 (James Broad, CC BY-NC) Die Trash-Ästhetik
Der Surrealismus hatte in den 1920er und 1930er Jahren seinen größten Bekanntheitsgrad. Seine Grundsätze umfassen alles von der Poesie bis zur Mode. Dann, in den 1950er und 1960er Jahren, erlebte New York den Aufstieg einer avantgardistischen Trash-Ästhetik, die weggeworfene Waren und die Auferstehung vergangener Themen und Charaktere aus dem „goldenen Zeitalter“ des Hollywood-Films beinhaltete. Der Stil wurde als "Lager" bekannt.
In den frühen 1960er Jahren blühte in New York das Theater der Lächerlichen auf, ein unterirdisches, avantgardistisches Genre der Theaterproduktion. Ridiculous war weitgehend vom Surrealismus inspiriert und brach mit den vorherrschenden Tendenzen naturalistischen Handelns und realistischer Szenarien. Zu den herausragenden Elementen gehörten geschlechtsspezifische Parodien klassischer Themen und eine auffällige Stilisierung.
Das Genre stützte sich insbesondere auf gebrauchte Materialien für Kostüme und Sets. Der Schauspieler, Künstler, Fotograf und Underground-Filmemacher Jack Smith gilt als der „Vater des Stils“. Seine Arbeit schuf und verkörperte die lächerliche Sensibilität und er war fast besessen von gebrauchten Materialien. Wie Smith einmal sagte: "Kunst ist ein großer Gebrauchtwarenladen."
Er ist wahrscheinlich am bekanntesten für seinen sexuell anschaulichen Film „Flaming Creatures“ aus dem Jahr 1963. Mit einer erschütternden Zensur und Nahaufnahmen von schlaffen Penissen und wackelnden Brüsten wurde der Film zum Ground Zero in den Anti-Porno-Kämpfen. Seine surrealistischen Darstellungen von seltsamen sexuellen Interaktionen zwischen Männern, Frauen, Transvestiten und einem Zwitter gipfelten in einer Orgie mit Drogen.
Laut Smith wurde „Flaming Creatures“ nicht wegen seiner sexuellen Handlungen missbilligt, sondern wegen seiner Ästhetik der Unvollkommenheit, einschließlich der Verwendung alter Kleidung. Für Smith war die Wahl zerrissener, veralteter Kleidung eine stärkere Form der Subversion als das Fehlen von Kleidung.
Wie Susan Sontag in ihrer berühmten Einschätzung des Lagers betont, ist das Genre nicht nur eine leichte, spöttische Sensibilität. Es ist vielmehr eine Kritik dessen, was akzeptiert wird und was nicht. Smiths Arbeiten widerlegten die reflexive Angewohnheit der Künstler, nach Neuheit und Neuheit zu streben, und halfen, eine seltsame Ästhetik zu popularisieren, die in Bands wie The New York Dolls und Nirvana fortgesetzt wurde. Eine lange Liste von Künstlern zitiert Smith als Inspiration, von Andy Warhol und Patti Smith bis Lou Reed und David Lynch.
Verzauberter Aufstand
Im Jahr 1969 fanden Gegenstände aus Smiths riesigem Vorrat an gebrauchten Gegenständen, darunter Kleider aus den 1920er Jahren und viele Boas, ihren Weg in die Schränke einer psychedelischen Drag-Truppe aus San Francisco, den Cockettes. Die Gruppe erfreute sich eines Jahres wilder Beliebtheit - sie erzielte sogar eine mit Spannung erwartete New Yorker Show -, sowohl für ihre sparsamen Kostüme als auch für ihre skurrilen satirischen Produktionen. Der Begriff „Genderfuck“ bezeichnete die Ästhetik der Gruppe von bärtigen Männern, die verzaubert und angehaucht waren, ein Stil, den der berühmte Anführer der Cockettes, Hibiscus, verkörperte.
Standbilder von Hibiskus aus dem Dokumentarfilm 'The Cockettes' (2002) Die Cockettes trennten sich im nächsten Jahr wegen eines Streits über die Erhebung von Zulassungsgebühren, aber die Mitglieder beeinflussten weiterhin die amerikanische Kultur und den amerikanischen Stil. Ehemaliges Cockettes-Mitglied Sylvester würde ein Disco-Star und einer der ersten offen schwulen Top-Billing-Musiker. Ein späteres Cockettes-Mitglied, Divine, wurde John Waters 'gefeierte Muse, die in einer Reihe von „Trash-Filmen“ mitspielte, darunter „Hairspray“, das im Inland 8 Millionen US-Dollar einbrachte. Das hätte den Mainstream des lächerlichen Theaters beinahe gepackt. Bis dahin wurde eine seltsame Trash-Ästhetik, die sich auf gebrauchte Waren stützte, ein Symbol der Rebellion und ein Ausdruck der Kreativität für unzählige bürgerliche Kinder.
Sparsames Einkaufen ist heute für viele ein Hobby. Für manche ist es ein Mittel, um unterdrückerische Vorstellungen über Geschlecht und Sexualität zu stören. Und für andere ist Sparsamkeit eine Möglichkeit, den Mainstream-Kapitalismus wiederzuverwenden und zu recyceln, eine Möglichkeit, ihn subtil zu untergraben (obwohl einige Mammutsparsamkeitsketten mit kontroversen Arbeitspraktiken tendenziell den größten monetären Nutzen bringen). Anführend haben Künstler Second-Hand-Waren mit individueller Kreativität und kommerzieller Verachtung in Verbindung gebracht. Was mit den Surrealisten begann, setzt sich heute mit den Hipstern, Vintage-Liebhabern und Studenten fort, die die Outré-Optionen und das Kosteneinsparungspotential von weggeworfenen Waren feiern.
Dieser Artikel wurde ursprünglich auf The Conversation veröffentlicht.
Jennifer Le Zotte, Assistenzprofessorin für Materialkultur und Geschichte, Universität von North Carolina Wilmington
