Die schwarze Scheune in George Aults Gemälde January Full Moon ist eine einfache Struktur, die durch einfache Linien verbunden ist. Seine eckigen Knochen verleihen ihm eine gebieterische Präsenz. Die Scheune steht im Mittelpunkt, ihre Wände sind mit Mondschnee bewachsen und ihre Spitze zeigt auf einen tiefblauen Himmel. Es ist mutig und bullig, und wie Alexander Nemerov, Professor für Kunstgeschichte an der Yale University, sagt, eine Scheune mit dem Kapital „B“, die Scheune aller Scheunen.
George Ault, ein wenig bekannter amerikanischer Künstler, hatte die Fähigkeit, in seinem Gemälde bestimmte Orte in Woodstock, New York, zu besetzen, wo er von 1937 bis zu seinem Tod 1948 lebte, und sie universell erscheinen zu lassen. Nemerov sagt, dass Orte wie Rick's Barn, die Ault mit seiner Frau Louise und Russell's Corners, einer einsamen Kreuzung etwas außerhalb der Stadt, unternommen hat, um dem Künstler eine „mystische Kraft“ zu verleihen. Er fixierte sie - in den 1940er Jahren malte er fünf Mal Russell's Corners, zu verschiedenen Jahreszeiten und Tageszeiten -, als ob sie eine universelle Wahrheit enthielten, die enthüllt werden würde, wenn er und die Betrachter seiner Bilder lange genug über sie meditierten.
Nachdem Ault seine Szenen sorgfältig studiert hatte, zog er sich in ein ordentliches Atelier zurück, um zu malen. Wie sein Selbstporträt The Artist at Work aus dem Jahr 1946 zeigt, arbeitete er mit dem Ellbogen seines Malarms in der Tasse seiner anderen Hand, die auf seinen gekreuzten Beinen balancierte. Er war methodisch und akribisch und wurde oft als Teil der Präzisionsbewegung nach dem Ersten Weltkrieg angesehen. Mit festgehaltener Hand konnte er sicher sein, dass jedes Flugzeug, jede Klappe und jedes Telefonkabel genau so war. "Es gibt immer das Gefühl, zu formen, zu ordnen, zu strukturieren, als ob sein Leben davon abhängen würde", sagt Nemerov.
Wenn Sie Aults turbulentes Leben in Betracht ziehen, war es vielleicht so. Nach dem Besuch der University College School, der Slade School of Fine Art und der St. John's Wood Art School in London im frühen 20. Jahrhundert kehrte der gebürtige Cleveland in die USA zurück, wo er eine Reihe persönlicher Tragödien erlebte. 1915 beging einer seiner Brüder Selbstmord. 1920 starb seine Mutter in einer Nervenheilanstalt. Und 1929 starb sein Vater. Der Börsencrash versetzte seiner Familie einen schweren Schlag, und seine beiden anderen Brüder kamen bald darauf ums Leben. Der Künstler trauerte um seine Verluste und verließ Manhattan mit Louise, die er 1941 heiratete, nach Woodstock, wo er bis Dezember 1948 lebte, als auch er Selbstmord beging und in einem Bach in der Nähe seines Hauses ertrank. Wie Louise einmal sagte, war Aults Kunst der Versuch, aus dem Chaos Ordnung zu machen.
Ault erhielt zu Lebzeiten nicht viel Anerkennung, unter anderem wegen seiner Zurückgezogenheit und feindlichen Haltung gegenüber potenziellen Käufern. Aber Louise arbeitete unermüdlich, um die Arbeit ihres Mannes nach seinem Tod zu fördern. Von Aults Gemälden von Woodstock aus den 1940er Jahren schrieb sie einmal: "Ich glaubte, er sei über sich hinausgegangen."
Nemerov, Gastkurator der Ausstellung „Um eine Welt zu schaffen: George Ault und Amerika der 1940er Jahre“ im Smithsonian American Art Museum, stimmt dem zu. Er sieht Ault in klaren und ruhigen Szenen einen verzweifelten Versuch, das durcheinandergebrachte Chaos nicht nur in seinem persönlichen Leben, sondern auch auf der ganzen Welt am Rande des Zweiten Weltkriegs zu kontrollieren. An der Galeriewand am Eingang der Ausstellung steht die Aussage: „Wenn die Welt unsicher wäre, wäre zumindest die Neigung eines Scheunendaches eine sichere Sache.“
Schwarze Nacht bei Russell's Corners, George Ault, 1943. (Pennsylvania Academy of Fine Arts, Philadelphia, John Lambert Fund) 
Tageslicht bei Russell's Corners, George Ault, 1944. (Sammlung von Sam Simon. Bild © Christie's Images Limited 2002) 
Festus Yayple und seine Ochsen, George Ault, 1946. (Cleveland Museum of Art, Fond Hinman B. Hurlbut) 
Erinnerungen an die Küste Frankreichs, George Ault, 1944. (Manhattan Art Investments, LP. Foto von David Heald) 
Januar Vollmond, George Ault, 1941. (Rockhill Nelson Trust (im Austausch). Foto von Jamison Miller) 
Der Künstler bei der Arbeit, George Ault, 1946. (Whitney Museum of American Art, New York, Geschenk von Frau George Ault. Foto von Geoffrey Clements) 
Ault erhielt zu Lebzeiten nicht viel Anerkennung, unter anderem wegen seiner Zurückgezogenheit und feindlichen Haltung gegenüber potenziellen Käufern. Seine Frau Louise arbeitete unermüdlich, um die Arbeit ihres Mannes nach seinem Tod im Jahr 1948 zu fördern. (Archives of American Art) 
Alexander Nemerov, Gastkurator der Ausstellung "Um eine Welt zu erschaffen: George Ault und die 1940er Jahre Amerikas" im Smithsonian American Art Museum, sieht Ault darin, klare und ruhige Szenen gemalt zu haben, in dem verzweifelten Versuch, das durcheinandergebrachte Chaos nicht nur in Amerika zu kontrollieren sein persönliches Leben aber auch in der ganzen Welt. (Bruce Guthrie) Für die Ausstellung, die erste große Retrospektive von Aults Werk seit mehr als 20 Jahren, wählte Nemerow, ehemaliger Doktorand und wissenschaftlicher Mitarbeiter des Museums, fast 20 Gemälde von Ault sowie von seinen Zeitgenossen, darunter Edward Hopper, aus. Andrew Wyeth und Charles Sheeler. Zusammen bieten die Bilder einen viel fragileren und brütenderen Blick auf die 1940er Jahre als andere kulturelle Ikonen des Jahrzehnts, wie beispielsweise J. Howard Millers Poster We Can Do It! (besser bekannt als Rosie the Riveter), Alfred Eisenstaedts Foto VJ Day am Times Square und Bing Crosbys Aufnahme von „Accentuate the Positive“. Aults Gemälde sind ruhig und zurückhaltend - eine Straße, die sich über einen grasbewachsenen Hügel erhebt, ein weißes Bauernhaus im Schatten von drohende graue Wolken und ein unfruchtbarer Blick auf die Catskills im November. "Es ist fast so, als würden auf seinen Gemälden neun von zehn Menschen daran vorbeigehen", sagt Nemerow. "Aber natürlich zählen sie alles auf diese zehnte Person, um sie zu bemerken." Für diese zehnte Person, argumentiert Nemerov, sind Aults Werke trotz des Mangels an menschlichen Figuren und Erzählungen emotional. Nemerov nennt den Wasserfall in Aults Bach in den Bergen beispielsweise "eine Form des Weinens ohne Weinen" und fügt hinzu, dass "Emotion - Malen aus dem Herzen - für ihn eine neugierige und verdrängte Form annehmen muss, um real zu sein, um authentisch zu sein. "
Elizabeth Broun, Direktorin des Smithsonian American Art Museum, betont in ihrem Vorwort zu Nemerovs Ausstellungskatalog To Make a World: George Ault und 1940s America, wie Kunst ein Mittel ist, um zu verstehen, was einzelne Menschen in einer bestimmten Zeit dachten und fühlten Aults Fall in den 1940er Jahren. "Ihre spezifischen Gedanken und Gefühle starben mit ihnen", sagt sie, "aber diese Ausstellung und dieses Buch tauchen unter die Oberfläche von siebenundvierzig Gemälden, um die tieferen Strömungen darunter zu verstehen, und helfen uns dabei, einige längst vergessene Einsichten wiederzugewinnen."
In der Ausstellung sind alle fünf Gemälde von Ault von Russell's Corners zu sehen, darunter Bright Light bei Russell's Corners, das dritte in der Reihe, das Teil der ständigen Sammlung des American Art Museum ist. Vier der Szenen spielen nachts, und wenn sich alle in derselben Galerie befinden, kann der Betrachter sehen, wie der jeweils schwarze Himmel im Verlauf der Serie dominanter wird. Gebäude, Bäume und Telefonmasten werden in den ersten beiden Darstellungen von einer einzigen Straßenlaterne beleuchtet, während in der letzten Augustnacht in Russell's Corners, die Ault in seinem letzten Lebensjahr gemalt hat, die Dunkelheit bis auf zwei schattige Gesichter von Scheunen alle verzehrt und ein kleines Stück Straße, als würde Ault den engen Halt verlieren, den er einst auf der Welt hatte.
"Ich kann den Leuten nicht vorwerfen, dass dies eine übermäßig dunkle Show ist", sagt Nemerov. Vielleicht klammert sich der Kunsthistoriker deshalb an die wiederkehrende Straßenbeleuchtung in der Reihe Russell's Corners. "Dieses Licht steht für etwas, das sich mit Lieferung, Offenbarung und Vergnügen befasst", sagt er. Er schlägt vor, dass das Licht eine religiöse Konnotation haben könnte. Seine strahlenden Strahlen erinnern an das Licht in Sassettas Gemälde Die Reise der Könige aus dem 15. Jahrhundert, dessen Reproduktion Ault in seinem Atelier aufbewahrte. Da der Künstler jedoch kein religiöser Mann war, betrachtet Nemerow das Licht als Symbol für die Ekstase und Erheiterung eines künstlerischen Aktes, als Ausbruch der Kreativität. Schließlich kam aus Aults Aufruhr eines zutiefst Positiv heraus: ein beeindruckendes Kunstwerk. Passenderweise verwendete Louise ein Zitat des deutschen Philosophen Friedrich Nietzsche, um ihren Ehemann zu beschreiben. "Ohne Chaos kann kein tanzender Stern geboren werden."
Alexander Nemerov blickt zurück auf das Leben des Künstlers und wie früh das Unglück seine Interpretation der 1940er Jahre geprägt hat
