Als der Smithsonian-Kurator Abraham Thomas realisierte, dass das Renwick Invitational 2018 unmittelbar nach den Zwischenwahlen eröffnet werden würde, wusste er, dass es bei der jurierten Ausstellung nicht nur um die Präsentation von Künstlern der mittleren Karriere und aufstrebenden Künstlern gehen sollte. Er war der Meinung, dass es etwas über die Zeit aussagen sollte - und die vier Künstler, die für „Disrupting Craft“ ausgewählt wurden und bis Mai 2019 zu sehen sind, geben große Aussagen darüber ab, wo wir stehen.
Thomas und die unabhängige Kuratorin Sarah Archer und Annie Carlano, eine leitende Kuratorin des Münzmuseums, wählten die Künstler zum großen Teil aufgrund ihres politischen Aktivismus und ihres Fokus auf das Engagement in der Gemeinschaft. Die Renwick Gallery, so Thomas, ist der perfekte Ort, um die Besucher zu ermutigen, sich mit einigen der großen Debatten des Augenblicks zu befassen.
Die Smithsonian-Museen „sind wichtige bürgerliche Räume, in denen wir eine sichere Umgebung schaffen sollten, in der wir unterschiedliche Gespräche führen können“, sagt Thomas. Er hofft, dass sich die Show mit dem Publikum über „die Fragen, die sie zur Einwanderung oder zur komplexen kulturellen Identität aufwirft“, auseinandersetzt.
Eine Masse entkörperter menschlicher Keramikköpfe, die in der ersten Galerie zufällig auf den Boden gestapelt wurden, liefert ein erschütterndes Beispiel. Der Betrachter sieht sich mit den kahlen Figuren konfrontiert, die alle eine etwas andere Physiognomie und die verschiedenen Schattierungen der menschlichen Haut aufweisen - braun und schwarz und gelegentlich weiß. Die Assemblage des Keramikers Sharif Bey mit dem Titel Assimilation? Zerstörung? geht es in erster Linie um Globalisierung und kulturelle Identität. Es ist auch ein Hinweis auf Beys Identität als Töpfer und Künstler der Farbe.
Eine Assemblage Assimilation? Zerstörung? Von der Keramikerin Sharif Bey geht es in erster Linie um Globalisierung und kulturelle Identität. Es ist auch ein Hinweis auf Beys Identität als Töpfer und Künstler der Farbe. (SAAM, Foto von Libby Weiler) Das Stück ist in keiner Ausstellung das Gleiche - die rund 1.000 Prise Topfköpfe werden in Mülleimern auf eine Galerie gebracht und „kurzerhand weggeworfen“, sagt Bey und zeigt ein Video des Prozesses. Die Köpfe brechen, knacken und schlagen in kleinere Scherben. Mit der Zeit werde das Stück, das er im Jahr 2000 für sein MFA-Diplomarbeitsprojekt geschaffen habe, Sand. Letztendlich Assimilation? Zerstörung? bedeutet, dass "du bist alles und du bist nichts gleichzeitig." Mit seinen sich verändernden kollektiven und individuellen Formen ist die Assemblage auch "eine Bemerkung darüber, was es bedeutet, eine vergängliche Person zu sein", sagt er.
Der 44-jährige Bey hatte seine eigenen Migrationen - aus einem Arbeiterviertel in Pittsburgh in die künstlerischen Gründerzentren dieser Stadt, besuchte Kurse im Carnegie Museum of Art und wurde für eine angesehene außerschulische Ausbildung bei der Manchester Craftsmen's Guild ausgewählt. Für ein Kind mit 11 Geschwistern in einer Industriestadt bedeutete dies einen neuen und vielleicht bislang nicht berücksichtigten Karriereweg. Derzeit ist er Doppelprofessor an der Hochschule für Künste und Erziehungswissenschaften der Universität von Syrakus. Er hat nie den Kontakt zu seiner ersten Liebe verloren - der Herstellung von Funktionstöpfen, von denen einige in der Renwick-Show enthalten sind.
Geschnitzte blaue Dose von Sharif Bey, 2007 (Sammlung des Künstlers) "Wir haben alle Geschichten als Macher", sagt Bey. "Meine Orientierung ist das Gefäß", sagt er und fügt hinzu, dass die Arbeit mit Ton, solange er sich erinnern kann, therapeutisch war. Er arbeitet oft in seinem Wohnzimmer, während er auf seine Kinder aufpasst - es hilft ihm, der Schuld zu entgehen, die er im Studio empfindet, was seiner Frau wie sein eigener kleiner Urlaub ist, sagt er mit einem Lachen.
Tanya Aguiñiga, 40, hat ihre Kunst auch benutzt, um ihre Geschichte zu untersuchen. Als in San Diego geborene Mexikanerin, die in Mexiko in unmittelbarer Nähe der US-Grenze aufgewachsen ist, ist sie eine entschuldigungslose und energische Aktivistin - eine Eigenschaft, die durch ihre Erfahrung in der Grenzkunstwerkstatt / Taller de Arte Fronterizo gefördert wurde, als Sie war eine 19-jährige Studentin. Nach ihrem MFA in Möbeldesign an der Rhode Island School of Design vermisste Aguiñiga ihre Heimat. Ein United States Artists Target Fellowship im Jahr 2010 gab ihr die Freiheit, von indigenen Handwerkern das Weben und Sticken zu lernen.
Border Quipu / Quipu Fronterizo von Tanya Aguiñiga, 2016 (Sammlung der Künstlerin) Ihr neuestes Stück, Quipu Fronterizo / Border Quipu, ist aus ihrem Projekt AMBOS - Art Made Between Opposite Sides - und einem Wortspiel entstanden. Ambos bedeutet auf Spanisch "wir beide" und ist eine künstlerische Zusammenarbeit entlang der Grenze. Quipu bezeichnet ein präkolumbianisches Andenorganisationssystem zur Aufzeichnung der Geschichte. Aguiñiga begann ihr Quipu im August 2016 an der San Ysidro-Kreuzung in Tijuana - nach den abfälligen Äußerungen des Präsidentschaftskandidaten Donald Trump über Mexikaner.
Sie und AMBOS-Teammitglieder zirkulierten unter den meisten Mexikanern, die darauf warteten, in die USA zu reisen, oder die in der Nähe lebten oder arbeiteten, und baten sie, zwei Stränge aus buntem, dehnbarem Rayon-Stoff zu nehmen, um Knoten zu knüpfen, um die Beziehung zwischen den beiden Ländern zu reflektieren und auf eine Postkarte zu antworten, die fragte: ¿Qué piensas cuando cruzas esta frontera? / Was denkst du, wenn du diese Grenze überschreitest?
Die Künstlerin hatte ihre eigenen Gefühle für die Grenze - die sie jeden Tag überquerte, um in San Diego, wo sie geboren wurde, zur Schule zu gehen, und wo ihre Großmutter sie überwachte, während ihre Eltern in der Stadt arbeiteten. Bei der Schaffung des Quipu sagte Aguiñiga: „Ich habe darüber nachgedacht, wie viele von uns täglich pendeln und wie stigmatisch das ist.“ Das Warten auf Überfahrten ist lang und die Mexikaner werden eingehend befragt, bevor sie in die USA einreisen dürfen Das ist eine wirklich seltsame Sache, bei der man das Gefühl hat, etwas falsch zu machen, obwohl das nicht der Fall ist “, sagt Aguiñiga.
Untitled (Driftless) von Tanya Aguiñiga, 2013 (Sammlung des Künstlers) "Ich wollte ein Bild davon bekommen, was die Leute fühlten, weil so viel Hass auf uns geworfen wurde", sagt Aguiñiga, der die Postkarten auf einer Website veröffentlichte. Die verknoteten Fäden wurden von den Pendlern abgeholt und auf einer Plakatwand am Grenzübergang ausgestellt. Die Ansammlung von Knoten - zu langen Strängen zusammengebunden - und Postkarten ist sowohl meditativ als auch bewegend. Eine Postkartenantwort kanalisierte Aguiñigas Gedanken: „Zwei unteilbare Länder, die für immer als 1 verbunden sind.“
Seitdem hat Aguiñiga das Quipu-Projekt an Grenzübergängen entlang der Grenze nachgebildet. „Die USA betrachten die Grenze größtenteils als einen wirklich getrennten Ort, schwarz und weiß, und das ist es nicht. Es ist, als würde eine Familie hin und her gehen “, sagt Aguiniga.
Stephanie Syjuco, 44, geboren auf den Philippinen, durchbohrt auch Wahrnehmungen über Kultur und „Typen“ und verwendet häufig digitale Technologien, um etwas frech zu kommentieren, wie Zuschauer computergenerierte Bilder als „echt“ ansehen. Die Universität von Kalifornien, Berkeley Der Assistenzprofessor für Bildhauerei ist kein traditioneller Handwerkskünstler, sondern wurde ausgewählt, sagt Kurator Thomas, weil "der Künstler das konzeptuelle Werkzeug des Handwerks nimmt und es verwendet, um diese Fragen der kulturellen Identität und Kulturgeschichte zu hinterfragen."
Frachtkulte: Kopfbündel von Stephanie Syjuco, 2016 (Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia) Syjuco macht sich lustig darüber, wie der Westen Ethnizität in Frachtkulten betrachtet und konsumiert : Kopfbündel und Frachtkulte: Java Bunny . In den beiden Schwarzweißfotografien ist Syjuco als Motiv mit einer Vielzahl von „ethnisch“ aussehenden gemusterten Stoffen und aufwendigem „Schmuck“ bekleidet. Die ethnischen Stoffe sind fiktiv - häufig digitalisierte Mimikry. Die Stoffe wurden im Einzelhandel gekauft und eines der „Armbänder“ um ihre Arme ist eine Kordel, die sie in einem Elektronikgeschäft gekauft hat. In Java Bunny steht Syjuco vor verschiedenen schwarz-weiß gemusterten Stoffen, aber ein "Gap" -Tag ist sichtbar. Die Künstlerin sagt, sie sei von einer grafischen Technik inspiriert worden, die im Ersten Weltkrieg auf Schlachtschiffen eingesetzt wurde, um feindliche Kanoniere zu verwirren.
"Sie sind eine Projektion dessen, wie fremde Kultur aussehen soll", sagt sie - genau wie ethnografische Bilder aus dem 19. Jahrhundert. Diese Bilder stellten oft "echte" Eingeborene dar, aber der Begriff "Eingeborene" ist nicht einfach. Die Idee der Authentizität "ist immer im Fluss", sagt Syjuco. Die Philippinen zum Beispiel sind eine Kreuzung ihrer Kolonisierer: Spanien, Japan und Amerika. „Ich sage nicht, dass alle Kultur erfunden ist. Es gibt nur eine Linse, durch die die Kultur gefiltert wird, sodass der Betrachter viel erzählt. “
Neutral Calibration Studies (Ornament + Crime) von Stephanie Syjuco, 2016 (Sammlung des Künstlers und Nion McEvoy. Foto von Libby Weiler) Der 35-jährige Dustin Farnsworth hat kürzlich begonnen, sich mit kulturellen Stereotypen zu befassen. Der Künstler verbrachte einige seiner frühen Karriere damit, die Auswirkungen des Niedergangs der Industrie und der Rezession auf seine Heimat Michigan zu untersuchen.
Er konstruierte massive architektonische Stücke, die auf skulpturierten, schaufensterpuppenartigen Köpfen junger Menschen schwebten. Der Effekt bestand darin, die schwerwiegenden Folgen des industriellen und zivilisatorischen Niedergangs für die kommenden Generationen anschaulich zu vermitteln. Einige davon sind in der Renwick-Show zu sehen.
Ein Künstleraufenthalt 2015 in Madison, Wisconsin, änderte jedoch seinen Fokus. Er traf bald nach der Erschießung des unbewaffneten 19-jährigen Afroamerikaners Tony Robinson durch die Polizei ein. Im Jahr 2016 tötete die Polizei Keith Lamont Scott, der ebenfalls ein Schwarzer war, als er sich in einer ähnlichen Künstlerresidenz in Charlotte, North Carolina, befand. Beide Schießereien fanden in den Gemeinden großen Anklang.
"Es fühlte sich so an, als wäre das viel wichtiger als die Dinge, die ich erfunden und geplant habe", sagt Farnsworth und trägt eine Trucker-Mütze mit dem Schriftzug "Dismantle White Supremacy" auf der Vorderseite.
Vorgebirge von Dustin Farnsworth, 2013 (Sammlung des Künstlers) Kurz nach diesen Residenzen gründete er WAKE . Mit seinen diagonalen schwarzen Streifen, die auf die US-Flagge verweisen, verfügt es über Dutzende von totenschädelartigen Masken aus Aqua-Resin, die in sich wiederholenden Reihen auf einem weißen Hintergrund angezeigt werden. Es war Farnsworths starke Reaktion auf den betäubenden Effekt mehrerer Schießereien in der Schule. WAKE, sagt er, erinnere sich an die vielfältigen Definitionen und Gebräuche des Wortes - es könne eine Mahnwache für die Toten sein oder aus dem Schlaf auferstehen; und der Ausdruck „aufgewacht“ ist ein Begriff, der in Kreisen der sozialen Gerechtigkeit verwendet wird und bedeutet, sich dessen bewusst zu sein.
Farnsworth hat mit dem Zeichenmaler Timothy Maddox zusammengearbeitet, um WAKE II zu schaffen, ein massives 9, 5 mal 26 Fuß großes Stück in der Renwick-Show. Die Totenkopfmasken kehren mit Hunderten auf einem farbigen Hintergrund überlappender Sloganeer-Transparente zurück: "Demontage der weißen Vorherrschaft", "Keine Gerechtigkeit, kein Frieden" und "Keine rassistische Polizei" unter ihnen. Die immense Größe des Stückes ist kein Zufall.
"Ich bin sehr an Gedenkstätten interessiert", sagt Farnsworth. WAKE II sollte auch in Ihrem Gesicht sein - eine Möglichkeit, den Topf über Polizeischießereien und soziale Gerechtigkeit zu rühren. "Viele von uns treten es unter den Teppich", sagt er.
Er bewegt sich jetzt von den Toten weg und auf die Erhebung der Lebenden zu. Der Wiederaufbau der Heiligen ist sein erster Versuch. Es ist sein David, der darauf abzielt, die Goliaths der konföderierten Denkmäler zu konfrontieren, sagt Farnsworth. Die heldenhafte bronzeähnliche Büste eines afroamerikanischen Jungen, der sich in den Himmel spiegelt, ist laut Farnsworth sein Versuch, Minderheitenjugendliche zu heiligen.
WAKE II von Dustin Farnsworth und Timothy Maddox (Sammlung des Künstlers) Die Reaktionen auf die Heiligen, als sie - vor allem in den Carolinas - stattfanden, seien bedrückend groß gewesen, sagt er. Diese Haltung "ist etwas, mit dem man sich auseinandersetzen muss, und ich finde immer noch den besten Weg, dies zu tun", sagt Farnsworth.
Thomas sagt, dass er und seine Kuratorenkollegen Farnsworth und die anderen drei Künstler zum großen Teil aufgrund ihrer Bereitschaft, sich mit etablierten Einstellungen und Konventionen auseinanderzusetzen, ausgewählt haben.
„Die hier vorgestellte Arbeit bietet uns Momente der Kontemplation über die sich schnell wandelnde Welt um uns herum und unterbricht den Status Quo, um uns zusammenzubringen, unsere Perspektiven zu ändern und uns in eine einfühlsamere, mitfühlendere Zukunft zu führen“, sagt er.
"Disrupting Craft: Renwick Invitational 2018", kuratiert von Abraham Thomas, Sarah Archer und Annie Carlano, ist bis zum 5. Mai 2019 in der Renwick Gallery des Smithsonian American Art Museum in der Pennsylvania Avenue in der 17th Street NW in Washington, DC zu sehen
