„Robert Indiana wurde 1928 im gleichnamigen Bundesstaat geboren“, begann eine kurze biografische Beschreibung, die der Künstler 1962 für den Katalog seiner ersten Einzelausstellung in der Stable Gallery handschriftlich verfasst hatte: „Er studierte in Chicago und Edinburgh und kehrte von dort zurück ein reisestipendium, um (sic) malen an der new york waterfront zu leben. Hier in seiner ersten Einzelausstellung fasst er herausragende Ereignisse in einem amerikanischen Leben zusammen. “
Während der Künstler untrennbar mit seinem L O VE-Design und der Pop-Art-Bewegung verbunden sein würde, enthält Indianas breiteres Werk - angereichert mit Zahlen, Wörtern und Symbolen - autobiografische, literarische und historische Bezüge, um dem amerikanischen Traum scharfkantige Elegien zu verleihen .
Der 1928 in New Castle, Indiana, geborene Maler, Bildhauer und Dichter, der den Namen Indiana annahm - was er als „nom de brush“ bezeichnete -, starb am 19. Mai 2018 im Alter von 89 Jahren. Als Autorin und Gelehrte Barbaralee Diamonstein-Spielvogel bemerkte sie zunächst: "Der Mann, der die Liebe erfand."
L O VE in all seinen Iterationen - vom Künstler für Skulpturen ins Spanische und Hebräische übersetzt; nach einem Streit mit Ellsworth Kelly in ein nicht druckbares Wort aus vier Buchstaben gemalt; oder im Jahr 2008 als H O PE in einem als Spendenaktion für Barack Obamas erste Präsidentschaftskampagne gedruckten Druck umfunktioniert - ist oft eine Abkürzung für Indianas künstlerisches Schaffen. Virginia Mecklenburg, Chefkurator des Smithsonian American Art Museum, merkt an, dass Indiana zwar mit Pop-Künstlern wie James Rosenquist, Roy Lichtenstein und Andy Warhol in Verbindung gebracht wurde, aber anders war. „Sie haben unsere Wahrnehmung auf die Produkte unserer Konsumgesellschaft konzentriert. Bei L O VE ging es nicht um die Konsumkultur, sondern um die Emotionen, durch die wir unser Leben leben. “
Der Inder, der sein weithin imitiertes L O VE-Design nie urheberrechtlich geschützt hat, war für den Künstler, der eine große Sammlung von Nachahmungen angehäuft hat, eine Geißel. Die persönlicheren Enthüllungen in dem Werk lassen sich jedoch nicht so leicht plagiieren wie die grafischen Linien: In verschiedenen Interviews verweist Indiana darauf, dass L O VE eher von spirituellen als von erotischen Ursprüngen inspiriert ist, aber wie ein Großteil seiner Arbeit sein L O VE Gemälde von 1966 ist in Farbe und Autobiographie gesättigt.
Robert Indiana und ein Schüler der Skowhegan School of Painting and Sculpture, 1969 (Aufzeichnungen der Skowhegan School of Painting and Sculpture, 1946-2013. Archives of American Ar) 
Foto von Robert Indiana mit Decade Autoportrait 1969 (72 in.), Nicht vor 1972. (Mary Swift) 
Porträt von Robert Indiana in seinem Atelier, c. 1980er Jahre (Mary Swift, Fotografin. Mary Swift Arbeiten, circa 1970-2005. Archiv für amerikanische Kunst) 
Alan Groh und Robert Indiana (rechts) installieren eine Ausstellung in der Stable Gallery, 1964 (Nancy Astor, Fotografin. Stable Gallery Records, 1916-1999, Bulk, 1953-1970. Archives of American Art) Robert Indianas L O VE-Design ist zusammen mit anderen Kunstwerken in Sammlungen der Smithsonian Institution vertreten. Diese veranschaulichen und bieten einen Einblick in den gesamten Werdegang des Künstlers.
Zu den mündlichen Berichten des Smithsonian Archives of American Art gehören zahlreiche Interviews mit Künstlern, die über ihre Freundschaft mit Indiana und seinem Werk sprechen. Am aufschlussreichsten ist jedoch das Interview mit dem Künstler von 1963, das von Richard Brown Baker, einem Sammler zeitgenössischer Kunst, geführt wurde.
Indiana spricht ausführlich über seine unruhige Kindheit und frühe Bildung - erschwert durch die Tendenz seiner Mutter zum Fernweh, als die Familie mit 17 Jahren in 21 Häuser übersiedelte - sein Interesse an Poesie und Literatur und seine Zeit in Coenties Slip in Lower Manhattan unter einer Gemeinschaft von Künstlern, zu denen Ellsworth Kelly, Agnes Martin, Lenore Tawney und Jack Youngerman gehörten.
Eine Weihnachtskarte in der Zeitung Dorothy Miller, eine Kuratorin am Museum of Modern Art, bietet eine Vorschau auf L O VE in der frühen Konzeptphase. Als Kuratorin der Archive für Manuskripte beschreibt Mary Savig in ihrem Buch Handmade Holiday Cards von Künstlern des 20. Jahrhunderts:
Eine der ersten Wiederholungen von Robert Indianas am meisten geliebtem Thema, das LOVE-Motiv, war eine Karte, die 1965 von MoMA verkauft wurde. Für seine Weihnachtskarte von 1964 hatte Indiana Bleistiftabriebe mit dem Wort LOVE angefertigt, einschließlich seiner Signatur mit dem Schrägstrich O; Ein Empfänger seiner Karte war die MoMA-Kuratorin Dorothy Miller. Im folgenden Jahr gab das MoMA in Indiana eine farbenfrohe Variante des ursprünglichen Designs für seine Weihnachtskartenreihe in Auftrag.
Die an Dorothy C. Miller, 1964, gesendete Grußkarte von Robert Indiana (Aufsätze von Dorothy C. Miller, 1853-2013, Bulk 1920-1996. Archives of American Art) 1964, im selben Jahr, in dem Robert Indiana seine L O VE-Weihnachtskarte verschickte, arbeitete er mit Andy Warhol an einem Film namens Eat, in dem Indiana durch den Zauber der Filmbearbeitung 35 Minuten lang einen sich ständig auffüllenden Pilz isst. Für die Weltausstellung in New York war er einer von zehn Künstlern, die Phillip Johnson beauftragte, ein Kunstwerk für die gekrümmte Fassade des New York State Pavillion zu entwerfen. Indianas Kreation, ein 20 Fuß großes Zeichen aus fünf schwarzen Kreisen, die wie das Gesicht eines fünfseitigen Würfels angeordnet waren und Buchstaben enthielten, die EAT ausstrahlten, befand sich zwischen den Werken von Ellsworth Kelly und Robert Rauchenberg. Die Worte EAT, DIE, HUG und ERR wären Einbildungen, die Indiana immer wieder - Mecklenburg nennt sie „ikonische Befehle“ - mit EAT, dem letzten Wort, das seine Mutter zu ihm sagte, bevor sie starb, als eines der zutiefst autobiografischen .
Die Kunstkuratoren Joan Kron und Audrey Sabol aus Philadelphia haben das Design von Indianas Weltausstellung in eine Brosche umgewandelt, die Tiffany für ihre Genuine Electric Company hergestellt hat - eines von mehreren Geschäftsunternehmen, die die Frauen gemeinsam besaßen. Nachdem sie in der New York Times über ihre Projekte geschrieben hatten, erhielten sie viele Anfragen zu dem Stift, von denen einige in Krons Papieren im Archiv zu finden sind. Darunter befindet sich eine Notiz von Frau Daniel D. Krakauer aus Great Neck, Long Island, in der sie fragt, wo sie eine der EAT-Broschen bekommen kann, die sie auf der überraschenden 50. Geburtstagsfeier ihres Mannes tragen kann: „Ich kann mir keinen besseren Weg vorstellen Ankündigung, dass "Abendessen serviert wird" als durch "Aufleuchten". . . '”Der Brief nimmt eine listige Ironie an; Beamte der Weltausstellung mussten anordnen, dass Indianas Schild nach nur einem Tag abgeschaltet wurde, weil sich die Menge an dem Pavillon versammelte, der es für einen Ort des Essens hielt. Indiana schrieb: "An diesem ersten Tag hatten zu viele Menschen auf den Imperativ reagiert."
1974, nachdem das Smithsonian die Kunstsammlung des Finanziers und Philanthropen Joseph Hirshhorn erhalten und das Hirshhorn Museum und den Skulpturengarten als nationales Museum für zeitgenössische Kunst eröffnet hatten, beauftragten die Smithsonian Associates vier Plakate für den Eröffnungstag, darunter eines von Robert Indiana mit einem auffälliger blauer Stern und ein mutiges Grafikdesign.
Zum Zeitpunkt der Museumseröffnung befanden sich nur zwei frühe Indiana-Gemälde - The Eateria, 1962 und Beware-Danger American Dream # 4, 1963 - in der Hirshhorn-Sammlung. Beide, sagt Evelyn Hankins, die leitende Kuratorin des Hirshhorn, „sind Beispiele für die Verwendung der amerikanischen Umgangssprache wie Verkehrszeichen durch Robert Indiana, um beeindruckende Kunstwerke im Zentrum der Pop-Art zu schaffen.“
Indianas Eröffnungsplakat, sagt die Hirshhorn-Autorin Evelyn Hankins, „zeigt sehr anschaulich, warum Robert Indiana für die Pop-Art-Welt von zentraler Bedeutung ist - seine Verwendung von Hard-Edge-Grafiken, die manchmal feierlich sind und manchmal schwierige Fragen nach der dunklen Seite stellen des amerikanischen Traums. “(Hirshhorn) Indianas Eröffnungsplakat, sagt Hankins, "mit seinem grafisch auffälligen Stern und seiner eingeschränkten Farbpalette" passte nicht nur gut in die Sammlung und das Schaffen des Künstlers, sondern war "sehr repräsentativ dafür, warum Robert Indiana für die Pop-Art-Welt von zentraler Bedeutung ist". Seine Verwendung von Hard-Edge-Grafiken, die manchmal feierlich sind und manchmal schwierige Fragen zur dunklen Seite des amerikanischen Traums stellen. “In diesem Fall besonders feierlich.
Die Kunstkritikerin Lucy Lippard erklärte Indiana zu einem „ausgesprochenen Romantiker“ und stellte fest, dass der „Beitrag der Künstlerin die Verbindung von Poesie und geometrischer Klarheit durch die Einbeziehung der amerikanischen Literatur und Geschichte in eine nicht-objektive Kunst war.“
Seine romantischen Tendenzen zeigen sich in seinen Säulenskulpturen aus gefundenem Holz und Gegenständen, einschließlich jener, die in den Sammlungen des Smithsonian American Art Museum untergebracht sind. Laut Virginia Mecklenburg, die 1984 die Einzelausstellung des Künstlers „Wood Works: Constructions by Robert Indiana“ kuratierte, sind diese Stücke ein Hinweis auf seine Intelligenz und seinen Arbeitsprozess. „Er wollte Konzepte totemisieren. Er sah seine Skulpturen als Totems, wie die Stele, die in der Antike als Wegbereiter auf römischen Straßen diente. Indianas Skulpturen repräsentieren Präsenz, Kraft, Individualität sowie Wörter, Zeichen, Symbole, Wege, Emotionen und Orte. Es gab Absichten - diese Dinge waren in seinem Kopf. "
Robert Indiana's Five . (Smithsonian American Art Museum, Geschenk des Künstlers) Zur Zeit der Ausstellung 1984 schenkte Indiana sein Gemälde The Figure Five und das Museum kaufte seine Skulptur Five . Beides sind Riffs auf Charles Demuths Gemälde I Saw the Figure 5 in Gold - als Antwort auf William Carlos Williams 'Gedicht „The Great Figure“, das nach einer Begegnung mit einem Feuerwehrauto geschrieben wurde, das in einer regnerischen Nacht in Manhattan vorbeifliegt - und Eckpfeiler der Indiana Bestände des Museums.
Unter dem Regen und den Lichtern sah ich die Figur 5 in Gold auf einem roten Feuerwehrauto, das sich bewegte. . . .
„Bob gefiel die Idee, dass Skulptur und Malerei zusammen gehören“, erzählt Mecklenburg. "Demuth wurde von Williams 'Erfahrungsgedicht beeinflusst - Geschwindigkeit, Licht, das Geräusch des klirrenden Feuerwehrwagens - Bob fand einen anderen Weg, dies auszudrücken, der von dem Moment war."
Als sie gefragt wurde, wie es war, mit Indiana an der Ausstellung zu arbeiten, sagte Mecklenburg, Indiana sei schüchtern gewesen, habe ihr aber dennoch Zugang zu seinen persönlichen Zeitschriften gewährt, von denen Seiten im Katalog der Ausstellung abgedruckt sind. „Er war ziemlich erstaunlich. . . Er war ein Freund “, sagt sie. „Er hatte ein tiefes Gespür für die amerikanische Geschichte und nannte sich den Staat, in dem er aufgewachsen war - er war nicht Robert Massachusetts! Es war eine Behauptung von Mittelamerika, und das sagt etwas über das aus, was er schätzte. “
Er sagte Diamonstein: „Als ich ein Kind war, fuhr meine Mutter meinen Vater zur Arbeit nach Indianapolis, und ich sah praktisch jeden Tag meines jungen Lebens ein riesiges Phillips-66-Schild. So ist es das Rot und Grün dieses Zeichens gegen den blauen Hoosier Himmel. Das Blau in der Liebe ist cerulean. Deshalb ist meine Liebe eine Hommage an meinen Vater. “
Am Ende von Robert Indianas Interview mit der Oral History schlug Richard Brown Baker vor, dass der Künstler nicht „völlig aufschlussreich“ gewesen sei, aber Mecklenburg argumentiert, dass Indiana dem Betrachter, der bereit ist, seine Arbeit gründlich zu lesen, viel Zugang gewährt. Indiana, sagt sie, "war ein Mann, der die Welt durch seine Kunst geprägt hat."
Tatsächlich hat Indiana, der sich als Zeichenmaler sah, einmal behauptet: "Ich male die amerikanische Szene."
Wie er in der Erklärung der Künstler für die Stable Gallery klar dargelegt hat: „Meine Kunst ist ein disziplinierter Hochtauchgang - ein Hochsprung, gleichzeitig und vielfarbig, eine Erhöhung des verbalen Visuellen. . . mein Dialog. "
