Der Kritiker Adam Gopnik wird am Mittwoch, den 10. Oktober, im Smithsonian American Art Museum sprechen. Foto mit freundlicher Genehmigung des Museums
Adam Gopnik ist Mitarbeiter des New Yorker . Als Essayist in der großen Tradition von EB White bringt Gopnik ein studiertes und dennoch enthusiastisches Auge für alles, vom Baseball über die Kunst bis zur Politik. Sein im Jahr 2000 veröffentlichtes Buch " Paris to the Moon" entstand aus seiner Zeit beim Schreiben für die "Paris Journals" von The New Yorker . Für seine Aufsätze gewann er drei National Magazine Awards und verfasste eine Reihe von Büchern, darunter " Through the Children's" Tor, Engel und Zeitalter: Ein kurzes Buch über Darwin, Lincoln und das moderne Leben und der Tisch steht an erster Stelle: Frankreich, Familie und die Bedeutung von Lebensmitteln .
Der 56-jährige Gopnik wurde in Philadelphia geboren und wuchs in Montreal auf. Er absolvierte die McGill University und schloss sein Studium am Institute of Fine Arts der New York University ab. 1990 kuratierte er die Ausstellung „High / Low“ im Museum of Modern Art.
Diesen Mittwoch wird er Vorlesungen im Rahmen der Clarice Smith Distinguished Lectures in American Art Series im Smithsonian American Art Museum halten. Wir sprachen telefonisch mit dem Schriftsteller aus seiner New Yorker Wohnung über amerikanische Kunst, seine Karriere als Schriftsteller und seine Pläne, wieder zur Schule zu gehen.
Der Vortrag für den Vortrag am Mittwoch trägt den Titel "Was macht amerikanische Kunst amerikanisch?".
Vor ein paar Jahren hielt ich eine Grundsatzrede, als das Smithsonian American Art Museum wiedereröffnet wurde, und versuchte dann, über die Schwierigkeiten zu sprechen, die Idee der amerikanischen Kunst zu verstehen. Mit anderen Worten, Sie können eine starke Position einnehmen. Mein kleiner Bruder Blake, der der Kunstkritiker von Newsweeks Daily Beast ist, besteht darauf, dass es ein enger und flacher Chauvinismus ist, über amerikanische Kunst mit besonderen Eigenschaften zu sprechen, das heißt, dass es eine Essenz gibt, die von John James Audubon über Winslow Homer bis Richard reicht Serra, wir täuschen uns. Kunst ist von Natur aus kosmopolitisch und international und der Versuch, sie in nationalen Begriffen zu sehen, verrät ihr Wesen.
Andererseits haben Sie sehr starke Argumente dafür, dass es in der bildenden Kunst spezifisch amerikanische Traditionen gibt. Sie erinnern sich vielleicht, dass Robert Hughes in American Visions einen solchen Fall gemacht hat. Ich möchte noch einmal fragen, wie können wir darüber nachdenken, wie sollten wir darüber nachdenken? Ist es sinnvoll, über amerikanische Kunst als Thema an sich zu sprechen?
Die andere Frage, die ich stellen möchte und die ich dieser Meditation hinzugefügt habe, seit ich das letzte Mal in Washington gesprochen habe, ist die Frage, Grenzen zu ziehen. Eine Besonderheit der Menschen, die sich lange Zeit mit amerikanischer Kunst befasst haben, ist, dass wir Dinge wie Möbel - denken Sie an Shaker-Stühle -, dekorative Künste und Karikaturen leichter in unser Verständnis der amerikanischen Kunst einbeziehen können. Wenn man sich die frühen Sammlungen amerikanischer Kunst in Museen ansieht, zum Beispiel im Metropolitan Museum hier in New York, sieht man, dass sie sehr leicht die Grenzen zwischen der schönen und der dekorativen Kunst und der angewandten Kunst auf eine Weise sprengen, die sie nicht taten gleichzeitig in Sammlungen europäischer Kunst. Das geschah ursprünglich als eine Art Geste der Verkleinerung. Man könnte die amerikanische Kunst als eine Art kleineren Verwandten betrachten, der immer noch ein Kadett war und auf dem Weg dorthin. Und so könnte man auf anthropologischer Basis eine Menge scheinbar irrelevantes Material einbinden. Wir haben uns anthropologisch betrachtet. Dies wirft jedoch noch weitere Fragen auf. Ist das bereichernd? Ist das immer legitim? Ist das ein Modell, das die Hallen der europäischen Kunst irgendwie infizieren darf? Das ist die neue Frage, die ich zusätzlich zu den Proben stellen werde, weil ich glaube, dass es nie abgestanden wird, die grundlegende Frage, was wir meinen, wenn wir über amerikanische Kunst sprechen.
Es ist schwer, nicht an Kunst zu denken, die nach diesen traditionellen nationalen Grundsätzen geteilt ist.
Das ist die natürliche Art, es zu sehen, und ich denke, das ist die richtige Art, es zu sehen. Ich denke, wir können über Kontinuitäten in der amerikanischen Kunst sprechen, so wie wir über echte Kontinuitäten in der französischen Kunst oder, Gott helfe uns, in der englischen Kunst sprechen können. Aber sie sind nicht selbstverständlich, sie sind nicht transparent.
Trompeterschwan, John James Audubon, 1838.
Was macht also die amerikanische Kunst aus?
Der Titel, den ich der letzten Vorlesung gab, bezog sich auf zwei Pole: „Die reichlich vorhandene Speisekammer und die leuchtende längliche Unschärfe.“ Einerseits haben Sie die reichlich vorhandene Speisekammer, Sie haben dieses Gefühl von Fülle. Es ist am besten in Audubons Arbeit veranschaulicht. Wenn Sie darüber nachdenken, was Audubon vorhatte, war es etwas völlig Neues. Er versuchte, ein Bild von jedem einzelnen Vogel und jedem einzelnen vierbeinigen Tier in Nordamerika zu machen. Er war total Allesfresser und demokratisch, es gab keine Sequenzierung, es gab keine: "Das sind die edlen Tiere und Vögel und das sind die niederen Tiere und Vögel." Es ist alles auf einmal. Dieses Gefühl der Einbeziehung, der Inspektion, des gesamten Inventars, das ist eine sehr amerikanische Idee. Auf offensichtliche Weise läuft es direkt von Audubon zu jemandem wie Andy Warhol, dem gleichen alles fressenden, demokratischen, Whitman-ähnlichen Appetit auf die Gesamtheit der Erfahrung ohne Hierarchie darin. Deshalb sind für Warhol Elvis und Marilyn die heiligen Figuren und nicht die heiligen Figuren, die heilige Figuren sind.
Und dagegen hast du, wie ich es nenne, die leuchtende, längliche Unschärfe. Das kommt von einem Evangelisten in den 1920er Jahren, der einmal sagte, als jemand fragte, wie Gott für Sie aussähe: „Wie eine leuchtende, längliche Unschärfe.“ Das ist das Gefühl, dass transzendente Erfahrung, spirituelle Erfahrung und religiöse Erfahrung verfügbar sind . WH Auden hat einmal gesagt, dass es die tiefste amerikanische Überzeugung ist, dass Sie das neue Jerusalem in 30 Minuten bauen können, wenn Sie das richtige Gimmick finden. Es ist dieses Gefühl, dass diese transzendente, mächtige, erhabene Erfahrung für das Bitten da ist. Sie finden das Licht in einer Landschaft aus dem 19. Jahrhundert und es reicht bis zu Mark Rothko und Barnett Newman und den erhabenen abstrakten Malern der 1940er und 50er Jahre. Sie denken, was sie dir zeigen, ist kein Schmerz, sondern ein Paradies oder eine Version davon. Das ist auch in der amerikanischen Kunst eine sehr starke Tradition.
Paris to the Moon, das in der New York Times als „bestes Buch über Frankreich der letzten Jahre“ bezeichnet wurde, beschreibt die fabelhaften und alltäglichen Realitäten des Lebens in Paris.
Ich habe gelesen, dass Sie gesagt haben, in Ihrer Arbeit geht es um die Sehnsucht nach Modernität in einer postmodernen Welt. Ich habe mich gefragt, wie Ihre Arbeit in diese Richtung der amerikanischen Kunst passt.
Habe ich das gesagt? Das ist ein bisschen voll von sich, nicht wahr? Ich denke, es ist wahr, ich entschuldige mich, wenn es pompös erscheint. Was ich damit gemeint habe, als ich es sagte und ich bin mir sicher, dass die Kunst und Zivilisation, die ich schätze und liebe, die der Moderne ist. Es ist die im Wesentlichen optimistische, vorausschauende und in gewisser Weise ironische, aber in gewisser Hinsicht selbstbewusste Welt von Paris und den Kubisten von 1910 oder Pollock und den abstrakten Expressionisten von 1947. Es ist nicht so, dass diese Welten ohne tiefe Mängel und ohne Sinn für Tragödie, aber sie glaubten an eine Zukunft für die Kunst. Sie glaubten an die Möglichkeit einer klaren Kommunikation. Sie glaubten an die Möglichkeit der Kreativität. Wir leben in einer postmodernen Zeit, in der diese Dinge selbst - Klarheit und Kreativität - alle in wesentliche Zweifel geraten. In diesem Sinne meinte ich das mit der Sehnsucht nach der Moderne in einer postmodernen Zeit.
In Bezug auf meine eigene Arbeit denke ich, dass eines der großen Privilegien, die ich beim Schreiben für The New Yorker hatte, aber es ist in gewissem Sinne auch eine Erweiterung der Art von Sensibilität, die ich zufällig habe, dass ich gerne viel mache verschiedene Arten von Dingen. Ich hasse diesen Sinn für Spezialisierung. Ich habe Appetit auf viele verschiedene Arten von Erfahrungen. Einer der Vorzüge eines Essayisten im Gegensatz zu einem Spezialisten oder Akademiker ist, dass man über viele verschiedene Dinge schreiben kann. Es ist also kein Zufall, dass der New Yorker als Institution in Amerika einzigartig ist. Es gibt keinen französischen New Yorker, es gibt keinen britischen New Yorker, weil er auf dem Gedanken beruht, dass man mit Autorität schreiben kann, ohne über Fachwissen über viele verschiedene Dinge zu verfügen. Diese Idee des Amateur-Enthusiasten ist Teil einer gewissen Art von allfressender amerikanischer Tradition.
Wie hat Ihnen das Studium der Kunstgeschichte weitergeholfen, all diese Themen zu untersuchen?
Ich bin gerade vor einer Woche auf eine sentimentale Reise nach Montreal zur McGill University zurückgekehrt, wo ich meine Grundausbildung in Kunstgeschichte gemacht habe, und es hat mir irgendwie das Herz gebrochen, weil sie keine Abteilung für Kunstgeschichte mehr haben. Es ist jetzt so etwas wie Kommunikation und visuelle Geschichte oder etwas sehr Postmodernes und Aktuelles. Ich denke, sie unterrichten immer noch Kunstgeschichte, aber sie unterrichten sie in diesem viel umfassenderen anthropologischen Kontext. Der springende Punkt ist, ich hatte diesen wunderbaren Mentor-Professor für Psychologie, mit dem ich angefangen habe. Ich war hin- und hergerissen, ob ich in die Kunstgeschichte gehen oder in der Psychologie bleiben sollte, und ich quälte mich mit der Selbstbedeutung, die Sie haben mit 22 hat er mich beruhigt und gesagt, hör zu, das ist keine wichtige entscheidung. Eine wichtige Entscheidung ist, ob Sie Kunstgeschichte, Psychologie oder Zahnmedizin studieren. Dies ist eine wichtige Entscheidung, da dies Ihr Leben sehr verändern wird, aber Entscheidungen, die wirklich schwierig erscheinen, sind nicht sehr schwierig, da Sie auf beiden Seiten etwas zu sagen haben. Ich wäre wahrscheinlich nicht anders gewesen, wenn ich mich eher der Psychologie als der Kunstgeschichte zugewandt hätte.
Ich denke, dass die Angewohnheit des Schauens und die Praxis des Beschreibens (die meiner Meinung nach in der Kunstgeschichte, wie sie jetzt praktiziert wird, leider verfallen ist), aber meiner Meinung nach liegt sie im Kern und ist das, was die ganze große Kunst ausmacht Historiker haben) Ich denke, das ist eine äußerst hilfreiche Grundlage für jeden, der Schriftsteller werden möchte. In der Tat würde ich weiter gehen und sogar sagen, dass es eine bessere Grundlage ist als kreatives Schreiben, weil man sich mit etwas so Kompliziertem, Vielseitigem und Nonverbalem wie einem großartigen Kunstwerk auseinandersetzt und versucht, eine Sprache zu finden Metapher, Hervorrufung, Kontext und historische Platzierung sind in gewisser Hinsicht die schwierigste Herausforderung, die ein Schriftsteller haben kann.
Ich stimme vollkommen zu, und nachdem ich es studiert hatte, war ich erfreut zu hören, dass Sie einen kunstgeschichtlichen Hintergrund hatten, obwohl ich weiß, dass Sie den Doktortitel nicht abgeschlossen haben. Programm an der New York University.
Ich habe es nicht getan, ich bin ABD (All-But-Dissertation) Ich schätze das Jahr ... Ich habe 1984 meine Mündliche Prüfung gemacht, also können Sie es herausfinden, aber jetzt sind es fast 30 Jahre. Ich werde es eines Tages tun. Ich bin der einzige von fünf Brüdern und Schwestern ohne Doktortitel. Eines Tages gehe ich zurück und hole es. Als ich in den 70er und 80er Jahren Kunstgeschichte studierte, war es immer noch eine altmodische Disziplin. Sie haben größtenteils im Archiv recherchiert und die meisten Professoren haben Ikonografie betrieben. Sie haben nur ein Rätsel gelöst, was der kleine Hund in der rechten Bildecke bedeutet. Jetzt ist es natürlich total revolutioniert und modernisiert worden, und ich denke, es macht Lust auf die alte archivierte, ikonografische Tradition, die schrecklich blöd wirkte, als ich ein Teil davon war.
Ich schreibe nicht mehr regelmäßig über die bildende Kunst, obwohl ich oft versuche, darüber zu schreiben, wenn mich etwas bewegt. Aber ich fühle immer noch, wenn Sie mir einen halb-sentimentalen Moment erlauben, dass es keinen so großen Aufregungsschub gibt wie den, in ein großes Museum zu gehen und sich bewusst zu sein, dass Sie in der Nähe von schönen Dingen sind.
