Hundert Jahre später ist der angespannte Realismus von Edgar Degas immer noch faszinierend

Im schmucklosen Raum eines Tanzstudios mit hohen Decken versammelt sich eine Schar junger Ballerinas im Training. In kaskadenförmigen weißen Tutus und bunten Schärpen sind die Mädchen unterschiedlich beschäftigt. Im Vordergrund schaut eine Tänzerin, die ihr Bein ausstreckt oder an ihrem Kleid herumspielt, auf eine sitzende Klassenkameradin, deren Füße auf eine Art und Weise schräg gespreizt sind, die auf der Bühne natürlich erscheint, in ihrem scheinbaren Freizeitzustand aber merkwürdig grotesk wirkt. Neben ihr auf der dunklen Holzbank ruhen ein halbes Dutzend unbenutzter Ballettschuhe.

Hinter dem sitzenden Mädchen in der Mitte des Bildes ragt der Rücken einer Tänzerin in die Luft, während sie sich bückt, um ihr eigenes Schuhwerk anzupassen. Weiter hinten üben zwei Schüler am Fenster die fünfte Position der Arme. Zumindest für den Moment sind sie nicht synchron. An der Rückwand konzentriert sich eine Reihe von vier Mädchen auf die Fußarbeit. Von oben steigen zwei weitere über eine schmale Treppe in die Szene hinab, von denen nur die Beine sichtbar sind. Es ist ein Moment des Chaos und der Dynamik, der die unvermeidliche Unvollkommenheit eines Tanzkurses in der Kindheit einfängt, der darauf abzielt, perfekte Tänzer zu produzieren.

Dieses Tableau, gemalt c. 1873 entstand der französische Künstler Edgar Degas, der diese Woche vor 100 Jahren verstarb. "The Dance Class" ist in der National Gallery of Art in Washington, DC, untergebracht und dient als unprätentiöse Erinnerung an das Pariser Genie.

"Das sind echte Frauen", sagt Kimberley Jones, die Kuratorin der National Gallery für französische Malerei des 19. Jahrhunderts. „Sie sind nicht nur die schöne Fantasie der Bühne. Degas erinnert Sie immer an die Realität unter dem Furnier des Glamours. “

Obwohl der junge Degas in einem konservativen Haus der oberen Mittelklasse aufgewachsen und mit den idealistischen Stilen der alten Meister bestens vertraut war - er verbrachte Stunden damit, berühmte Kunstwerke aus dem Louvre von Hand zu duplizieren -, war der Franzose immer von der Grausamkeit der Aktualität angezogen. "Er ist in erster Linie ein Realist", sagt Jones.

Degas 'Anziehung zum Ballett war nur natürlich; Seine in Amerika geborene Mutter war eine leidenschaftliche Opernsängerin, die ihrem kleinen Jungen vor ihrem frühen Tod die Liebe zur Oper einflößte. "Im 19. Jahrhundert war das Ballett Teil der Oper", bemerkt Jones. „Jede Oper hatte eine solche Tanzpause. Und ich glaube, er war fasziniert, als er diese Tänzer sah. “

Im Besonderen verweist Jones auf Degas Faszination für die Belastung, die die Körper der Tänzer mit sich bringt, die Strapazen ihres Trainings und ihrer Konditionierung und den Kampf, ihre Körper auf Showtime vorzubereiten. "Er zeigt Performances [in seinen Gemälden]", sagt Jones, "und sie sind sehr schön. Aber er streift auch viel von der Romantik davon ab. Er zeigt Sie hinter die Kulissen. “Degas befasse sich weit weniger mit Vorstellungen von klassischer Weiblichkeit als mit der rauen Athletik ausgebildeter Darsteller.

Dieses Thema überträgt sich auf Degas 'Pferdearbeit. Als Rennstrecken-Stammgast war er fasziniert von den sehnigen Körpern reinrassiger Rennpferde, die bereit waren, sofort in Aktion zu treten. "Zu sehen, wie diese fiesen Hengste zu diesen unglaublichen Athleten und zu diesen Kreaturen von Geschwindigkeit und Eleganz werden, hat immer Eindruck hinterlassen", sagt Jones.

Von den Kunstschiedsrichtern des berühmten französischen Salons früh abgelehnt, entschied sich Degas, sich bei den Mitgliedern der angehenden Impressionistenschule, den Traditionskollegen, die Kontakte und Ausstellungsfläche brauchten, einzumischen. Selbst unter den Impressionisten wurde Degas bald zu einem kontroversen Ausreißer.

"Es gibt eine gewisse Ironie, die wir immer von ihm als Impressionisten halten", bemerkt Jones. „Er hasste diesen Begriff. Degas, der sich sehr um realistische Details bemühte und unzählige Stunden damit verbrachte, jedes seiner Gemälde zu überarbeiten und erneut zu überarbeiten, wusste die mühelose Mühelosigkeit, die der Begriff „Impressionismus“ mit sich brachte, nicht zu schätzen Kunst war nicht „etwas Spontanes, Unvorsichtiges, Zusammengeworfenes“, sagt Jones. „Er war sehr akribisch und nachdenklich. Und das große Zitat, das er sagte, ist: "Keine Kunst ist weniger spontan als meine."

Bereits ein schwarzes Schaf in den Augen einiger Impressionisten zum Zeitpunkt ihrer Eröffnungsshow im Jahr 1874, machte Degas erst in den folgenden Jahren mehr Kontroversen. Degas war fest entschlossen, ein breites Spektrum an Talenten für sich zu gewinnen, und rekrutierte eine Reihe von Außenseitern, deren Arbeit er bewunderte, unabhängig davon, ob sie dem Ideal der Impressionisten entsprach oder nicht. Degas Umarmung mit anderen Realisten wie Jean-Louis Forain und Jean-Francois Raffaelli zog die Augenbrauen der impressionistischen Clique hoch - viele befürchteten, dass die künstlerische Identität der Bewegung bis zur Unkenntlichkeit verwässert würde.

Die Amerikanerin Mary Cassatt war eine der eingeladenen Personen, von denen Jones sagt, dass sie "sehr gut zur Gruppe insgesamt passen". Degas war Cassatt zum ersten Mal in ihrem Studio in Monmartre begegnet und stellte fest, dass er sofort von ihrer Arbeit angetan war. "Als er ihre Kunst zum ersten Mal sah", sagte Jones, "gab es jemanden, der sich so fühlt wie ich." Dieses erste Treffen im Jahr 1877 löste eine jahrzehntelange Freundschaft aus. Es war Degas, der Cassatt (sowie andere Impressionisten wie Camille Pissarro) das Handwerk der Druckgrafik näher brachte, das sie auf eine Weise beherrschen würde, wie er es nie getan hatte.

Degas war auch dafür verantwortlich, das Gemälde von Paul Gaugin auf die Kunstwelt aufmerksam zu machen. "Sie würden nicht an diese beiden zusammen denken", sagt Jones, "doch Degas erkannte, dass Gaugin dieses enorme Talent hatte, holte ihn ein und unterstützte ihn." Sie zitiert als Beweis für ihre Verbundenheit Gaugins liebevolle Anspielungen auf die Arbeit von Degas in seine eigenen Szenen. In Gaugins "Stillleben mit Pfingstrosen" zum Beispiel taucht eine Pastellkomposition von Degas auffällig im Hintergrund auf.

Während die Persönlichkeit von Degas aggressiv und konfrontativ sein könnte - besonders in seinen späteren Jahren, als sein Augenlicht nachließ -, ist nicht zu leugnen, dass er ein Talent für das Zusammenbringen bemerkenswerter Individuen und ein unerschütterliches Engagement für die Schaffung und das Feiern des Originals besaß, bahnbrechende Grafik über mehrere Medien hinweg.

Aufgrund seiner Besessenheit, sein eigenes Werk ständig weiterzuentwickeln, war Degas zu Lebzeiten nicht bereit, sich davon zu trennen. "Er hat verkauft, was er brauchte", sagt Jones, "und er hat nicht viel ausgestellt." Degas stieg erst nach seinem Tod in die Höhe, als die Leinwände, Skulpturen und anderen Kreationen, die sein Atelier verunreinigten, endlich zugänglich gemacht wurden Sammler.

Degas 'Besessenheit, nach einem immer schwer fassbaren, perfekten Produkt zu streben, sei tragisch, aber auch ein wesentlicher Bestandteil seiner Kunst. In Degas 'Renderings von Pferden, die auf Gras herumlungern, und Ballerinas, die für ihren Moment im Rampenlicht proben, erkennt Jones eine Fixierung auf das Potenzial - was könnte sein, was es am Rande des Geschehens ist? Wie seine Untertanen, sagt Jones, stellte sich Degas ständig in der Schwebe vor, immer ein Haar schüchtern vor Größe, immer einen Moment vom Wunder entfernt. "Ich glaube, er hat immer auf seine Kunst geachtet und gedacht, ich könnte das besser machen", sagt sie.

Im Leben von seinem unersättlichen Ehrgeiz gequält, wurde Degas im Tod ein Held für Künstler auf der ganzen Welt. Einer seiner größten Bewunderer war Pablo Picasso, der von den Avantgarde-Monotypien und anderen Materialien, die beim postmortalen Degas-Atelierverkauf enthüllt wurden, verblüfft war und der später ein begeisterter Sammler von Degas 'Werken wurde.

"Wenn ich einen Künstler auswählen könnte, der der wahre Erbe von Degas ist", sagt Jones, "dann wäre es Picasso." Ihrer Ansicht nach sind die beiden Innovatoren, obwohl stilistisch unterschiedlich, durch den Grad verbunden, in dem sie gelebt und ihre Kunst geatmet haben . Für sie sagt Jones: „Alles dreht sich ums Schaffen. Jedes Material ist eine Gelegenheit, etwas Neues zu produzieren, Grenzen herauszufordern und sich selbst zu testen. Und um etwas Außergewöhnliches zu schaffen. “

Im Laufe des 20. Jahrhunderts verfolgte Degas 'einzigartige Vision die Phantasie von Künstlern auf der ganzen Welt. "Er wird eine dieser Figuren wie Paul Cezanne und Van Gogh, der gerade da ist", sagt Jones, "und ist ein Eckpfeiler." Er spielt eine zentrale Rolle bei so vielen Künstlern, die nicht einmal darüber nachdenken. Er ist in ihrem Hinterhirn und beeinflusst sie. “

Heute geht Jones durch die Hallen des jahrhundertealten Prado-Museums in Madrid, Spanien, und findet ihre Perspektive unausweichlich durch die rätselhafte Arbeit des Franzosen gefärbt. Sie denkt über einen von Alexandre Cabanels prächtigen neoklassizistischen Akten nach und spürt, dass etwas Entscheidendes fehlt.

"Es ist alles so, als ob", sagt sie, "es ist alles sorgfältig orchestriert - es ist nicht real." Und es fühlt sich falsch an, auf eine Weise, die es ohne Degas als Bezugspunkt nicht gegeben hätte. “

Degas, sagt sie, habe sich nie damit zufrieden gegeben, eine einfache, angenehme Szene zu schaffen und weiterzumachen. Er wollte "sicherstellen, dass Sie herausgefordert wurden", so wie er es während des Kompositionsprozesses war. Jones hat jahrzehntelang über die Künstlerin gerätselt, fühlt sich aber immer noch so, als hätte sie nur „die Oberfläche zerkratzt“.

Künstler seines Kalibers „geben ihre Geheimnisse nicht auf“, sagt sie. „Je mehr Zeit ich damit verbringe, ihn anzusehen, desto weniger glaube ich, ihn wirklich zu kennen. Und das ist aufregend. “