Der Künstler Jeffrey Gibson, ein Halb-Cherokee-Mitglied der Mississippi-Band der Choctaw-Indianer, verfolgt einen multidisziplinären Ansatz: Er ist Maler, Bildhauer, Fotograf und Performer. Sein Oeuvre ist ein kunstvolles Mashup, das sein Publikum herausfordert, kulturelle und politische Annahmen in Frage zu stellen. Für sein Material verarbeitet er sein indianisches Erbe, seine jugendliche Erforschung der Subkultur von Nachtclubs und seine weltweite Ausbildung in Korea, Deutschland, England und anderen Ländern, in denen er aufgewachsen ist. Man kann sagen, dass sein künstlerischer Schwerpunkt eine kollaborative Annäherung von marginalisierten Identitäten, Nonkonformisten und gesellschaftlichen Außenseitern ist.

Gibson schwingt besonders in diesem Moment mit. Sein Kunstwerk ist sowohl in der Geschichte des Landes der kulturellen Auslöschung als auch in seinem gegenwärtigen Klima der spaltenden Politik verankert.

„Mit zunehmender Politisierung haben die Menschen begonnen, mehr Politizität in die Arbeit zu projizieren“, erklärt Gibson, dessen bekanntestes Kunstwerk eine Reihe von wiederverwendeten Boxsäcken von Everlast ist, die mit Stickereien, bunten Glasperlen, fluoreszierenden Nylons und Metallschellen verziert sind und mit Pop-Songtexten beschriftet. "Und dann antworte ich fast zurück", sagt er. "Weil ich das Gespräch genieße."

Ob geometrische Malereien aus Acryl und Graphit auf Rohleder oder schillernde, gemusterte Wandteppiche, inspiriert von traditionellen Quilts und einer einheimischen handwerklichen Erzählung, Gibsons medienübergreifende Einrichtung spiegelt ein tiefes Verständnis der formalen Abstraktion wider. Zu seinen Einflüssen zählen amerikanische und europäische Modernisten wie Sol Lewitt, Josef Albers und Bridget Riley. Seine Arbeiten umfassen Materialien wie Ziegenfell und Hirschleder sowie in jüngerer Zeit das Handwerk der algonquianischen Birken- und Stachelschweinfedern, das Stämme lange vor der Ankunft europäischer Siedler praktizierten.

Fragen der Kolonialisierung - sowohl innerhalb als auch außerhalb von Museen - kommen Gibson nie in den Sinn. In seiner amerikanischen Geschichte von 2015 , einem mehrfarbigen Wandbehang, hat er den Text aufgenommen: "Die amerikanische Geschichte ist länger, größer, schöner und schrecklicher als alles, was jemals jemand darüber gesagt hat."

Der 47-jährige Gibson wurde in Colorado Springs als Sohn eines Ingenieurs des US-Verteidigungsministeriums geboren und zieht in seiner Kindheit alle zwei bis drei Jahre nach North Carolina, New Jersey, Deutschland und Korea. Gibson studierte Malerei am Art Institute of Chicago und am Royal College of Art in London. Aber er zitiert die Punk- und Rave-Kultur der Clubszene, die er als Teenager und 20-Jähriger aufnahm, als ebenso einflussreich für sein künstlerisches Können wie für seine formelle Ausbildung. „Wenn wir auf die Musik zurückblicken, die in den späten Achtzigern und Neunzigern gespielt wurde, war das, zu dem wir feierlich tanzten, oft ein Hilferuf, in dem in einigen Texten ausdrücklich über HIV gesprochen wurde“, erklärt Gibson. „Aber mir wurde klar, dass es einen Grund gab, warum diese Musik zu mir sprach. Es hat mich als jungen, seltsamen, nicht weißen Mann angesprochen. “

Demian DinéYazhi, Nr. 3 von Jeffrey Gibson, 2019 (Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta und Roberts Projects) Demian DinéYazhi, Nr. 4 von Jeffrey Gibson, 2019 (Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta und Roberts Projects) Emily Johnson, Nr. 1 von Jeffrey Gibson, 2019 (Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta und Roberts Projects) Emily Johnson, Nr. 4 von Jeffrey Gibson, 2019 (Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta und Roberts Projects) Jackson Polys, Nr. 1 von Jeffrey Gibson, 2019 (Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta und Roberts Projects) Laura Ortman, Nr. 1 von Jeffrey Gibson, 2019 (Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta und Roberts Projects) Regan de Loggans, Nr. 1 von Jeffrey Gibson, 2019 (Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta und Roberts Projects) Roxy Romero, Nr. 2 von Jeffrey Gibbons, 2019 (Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta und Roberts Projects) Roxy Romero, Nr. 3 von Jeffrey Gibson, 2019 (Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta und Roberts Projects)

Diese Woche bringt Gibson diesen Diskurs in die Smithsonian National Portrait Gallery in Washington, DC, mit seiner Multimedia-Choreografie mit dem Titel „To Name An Other“. Die Aufführung zeigt Trommeln und 50 Teilnehmer, die sich als indigene indianische LGBTQ ausweisen oder als farbige Menschen, die in Gibsons kunstvollen handgefertigten Kleidungsstücken gekleidet sind.

Es ist die neueste Iteration der Reihe „Identify“ des Museums. „Wir eröffnen, was ein Porträt sein kann“, sagt die Kuratorin für Malerei und Skulptur, Dorothy Moss, sowie die Direktorin von Identify.

Gibson ist gut geeignet, um der zehnte in Auftrag gegebene „Identify“ -Künstler zu sein, zusammen mit anderen wie dem berühmten James Luna, Martha McDonald, JJ McCracken, María Magdalena Campos-Pons und Wilmer Wilson. Ziel des Projekts ist es, Lücken in der frühen Sammlung des Museums zu beleuchten und die vermissten Personen anzuerkennen, sagt Moss. Während Museen in den USA mit langjährigen institutionellen Ungleichgewichten konfrontiert sind, konfrontiert „Identify“ die Abwesenheit von Rassen in der Kunst und der amerikanischen Geschichte durch die Linse der Performance.

"Ich hoffe wirklich, dass Gibsons Arbeit denjenigen eine Stimme gibt, die sich in diesem politischen Moment still fühlten", erklärt Moss die 50 freiwilligen Darsteller sowie den Text, den Gibson in die Aufführung einfließen lässt. Gibsons farbenfrohe Kleidung für jeden der Teilnehmer wird mit digital gedruckten Slogans kombiniert, wie zum Beispiel: „Sie kämpfen für sauberes Wasser.“ „Kraftvoll, weil sie anders sind.“ „Ihre Stimmen zählen.“ „Sie sprechen ihre Sprache.“ „Sie identifizieren sich As She "und" Ihre dunkle Haut bringt Licht. "

Die strategische Verwendung von Text ist ein Kennzeichen von Gibsons Ästhetik und erinnert an die Arbeiten von Jenny Holzer und dem HIV-AIDS-Aktivisten David McDiarmid.

„Er lässt Menschen sichtbar werden, die sich in unserem gegenwärtigen Klima ungehört und verletzlich gefühlt haben“, sagt Moss.

Gibsons Verwendung einheimischer Perlenarbeiten, von Quilts inspirierter Handwerkskunst und Protestslogans wird anerkannt, um die zeitgenössische Kunst und den sozialen Dialog voranzutreiben. Aber seine Kreation seines ersten schillernden Boxsacks, des Everlast 2011, war eine zutiefst persönliche Erfahrung. Gibson erinnert sich, ein amorphes Gefühl der Frustration - er fragte sich, ob er überhaupt Künstler werden wollte - während der vom Arzt empfohlenen Therapie. „Am Ende der ersten Sitzung gab es viele Themen im Zusammenhang mit Klassizismus, Rassismus und Homophobie, die für die Kunstwelt sehr spezifisch waren und die eindeutig die Wurzel meiner Frustrationen waren“, sagt er. "Die Zusammenarbeit mit diesem Therapeuten führte zu einem physischen Trainer und dann zum Boxen, um meinen Geist und meinen Körper wieder zusammenzubringen und zu versuchen, die Dinge zu vereinen, die sich für mich sehr unzusammenhängend anfühlten."

Für die diesjährige Whitney-Biennale hat Gibson Keep on Moving (2019) aufgehängt, ein gestepptes Wandbild mit der Aufschrift „Vielen Dank für den Platz, den Sie einnehmen. Wisse, dass du geliebt wirst. Mach weiter so. Hör nicht auf. "

Die Besucher werden mit der prominenten Platzierung des Kunstwerks konfrontiert, da sie 5 bis 20 Minuten warten, um ihre Eintrittskarten zu kaufen. "Es geht darum zu sagen, was meiner Meinung nach gesagt werden muss und was das Richtige ist", sagt Gibson. "Ich glaube, es wäre unverantwortlich für mich gewesen, mit einer so großen Plattform wie dieser einige Dinge nicht auszudrücken."

Getreu Gibsons visuellem Lexikon nutzt der Künstler die Gelegenheit, um die Zuschauer zu befähigen. Laut Jane Panetta, Co-Kuratorin und Kunsthistorikerin der Whitney Biennale, ist Gibsons Text - eine kraftvolle Verschmelzung von Kunst und Sprache - ebenso ein Protest gegen zeitgenössische Ungerechtigkeit wie eine Erklärung der Stärke gegen Ungleichheit und Vorurteile. "Während er sich immer mit schwierigen Fragen über seine Eigenart auseinandersetzt und ein indigener Künstler ist", sagt Panetta, "hat er immer versucht zu fragen, wie ich mich mit diesen Problemen auseinandersetzen kann, aber über eine positive Stimme, eine produktive Stimme nachdenke."

In diesem Monat werden in New York City, sowohl im New Museum, wo Gibson im vergangenen Frühjahr als Artist-in-Residence tätig war, als auch im Whitney Museum of American Art Gibsons kleidungsähnliche Arbeiten ausgestellt. Für seine am 8. Juni im New Museum stattfindende Zugabepräsentation von „To Name An Other“ werden die Darsteller seine Textilien erneut durch Trommeln, Prozession und Bewegung beleben, um das Ende von Gibsons Residenz zu markieren. Nach Oswald de Andrades „Anthropophagic Manifesto“ aus dem Jahr 1928 betitelte Gibson die letzte Arbeit seines Residenzprogramms im New Museum, The Anthropophagic Effect, mit einem Essay darüber, wie Gemeinschaften „verschlingen“ sollten Oder die Kultur eines Kolonisators ausschlachten, um die Herrschaft abzulehnen. Die Arbeit umfasst vier seiner Kleidungsstücke neben Choctaw- und Cherokee-Kleidern sowie eine Reihe von Materialien aus Kunststoffperlen, Nylonbändern, Messingösen, getrockneten Birnenkürbissen und Körben.

Gibson erkundete während seiner Residenz im New Museum stets neue Geschichten der indigenen Handwerkskunst und begann beispielsweise mit dem Korbflechten am südöstlichen Fluss. "Jeffrey ist jemand, der sich wirklich dafür interessiert, wie unterschiedliche kulturelle Formen sich ständig berühren", sagt die Kuratorin des Neuen Museums, Sara O'Keeffe. "Ein großer Teil der Kleidungsstücke, die Jeffrey in den letzten Jahren hergestellt hat, besteht darin, an sie zu denken, die aktiviert und nicht einfach als Artefakte in Museen im ganzen Land gezeigt werden."

"Identifizieren: Performance Art als Porträt - Jeffrey Gibson: Einen anderen Namen geben" findet am 22. Mai 2019 um 17 Uhr in der Smithsonian National Portrait Gallery in Washington, DC, statt