Holofernes 'Kopf ist verkehrt herum. sein Gesicht krümmt sich vor Qualen. Judith treibt ihr Knie in seinen Brustkorb, während er wild kämpft und seine Faust gegen das Brustbein ihrer Magd drückt. Als Judith Holofernes 'Nacken schneidet, sprudelt Blut aus seinem Hals und rinnt auf die weißen Leinenbetttücher.
Fast 400 Jahre später erschreckt dieses Bild selbst verblasste Bürger der modernen Welt - ein Gemälde des Schlüsselmomentes in der Geschichte von Judith, der jüdischen Witwe, die die Stadt Bethulia vor dem Angriff auf Assyrer rettet, indem sie ihren Befehlshaber ermordet. Für die italienischen Kunstschützer des frühen 17. Jahrhunderts mit ihrem Hang zu dramatischen, ja gewalttätigen Bildern verstärkten das Geschlecht und die Bekanntheit des Künstlers nur die Wirkung des Gemäldes. Artemisia Gentileschi, die von einem Skandal heimgesucht und von einer Gesellschaft behindert wurde, die erwartete, dass Frauen entweder Nonnen oder Ehefrauen sein würden, wurde dennoch zur versiertesten Malerin ihrer Zeit. Laut der Inschrift auf dem Stich des Künstlers Jerome David war sie „ein Wunder in der Malerei, leichter beneidet als nachgeahmt.“
In diesen Tagen, nach Jahrhunderten der Vernachlässigung, ist Artemisia überall. Die New York Times nannte sie "It-Girl" in dieser Staffel. Im Januar erschien ein beliebter neuer Roman, The Passion of Artemisia von Susan Vreeland, und im darauffolgenden Monat wurde Lapis Blue Blood Red, ein Stück über sie, veröffentlicht -Bahn. (Mehrere wissenschaftliche Bücher, ein Werkverzeichnis und zwei weitere Romane wurden ebenfalls über sie verfasst, und eines ihrer Werke war sogar in der Handlung der Masterpiece Theatre - Reihe Painted Lady mit Helen Mirren zu sehen. 1997 war sie Gegenstand eines Der französische Film Artemisia .) Am wichtigsten ist, dass eine Ausstellung ihrer Werke - und der ihres einstmals gefeierten Vaters Orazio - im New Yorker Metropolitan Museum of Art ihren Ruf als dynamische und originelle Künstlerin nachhaltig gefestigt hat. eine der wenigen Malerinnen ihrer Zeit, die mutig genug war, sich mit historischen und allegorischen Themen auseinanderzusetzen.
„Orazio und Artemisia Gentileschi: Maler von Vater und Tochter im barocken Italien“ zeigt 51 Gemälde von Orazio und 35 von Artemisia. Diese erste Retrospektive der Werke von Vater und Tochter, die bis zum 12. Mai auf der Met zu sehen ist, bevor sie in das Saint LouisArt Museum (14. Juni bis 15. September) wechselt, zeigt ihre unterschiedlichen Reaktionen auf barocke Einflüsse.
Obwohl bei Artemisia die Anerkennung längst überfällig ist, hatte die willensstarke Selbstvermittlerin in ihrem eigenen Leben beachtliche Erfolge. Als Malerin für Herzöge, Fürsten, Kardinäle und Könige war sie die erste Frau, die in die angesehene Accademia del Disegno aufgenommen wurde. "Ich habe mich von allen Königen und Herrschern Europas geehrt gesehen, denen ich meine Werke nicht nur mit tollen Geschenken, sondern auch mit den beliebtesten Briefen, die ich bei mir habe, geschickt habe", schrieb sie an ihre Freundin, die Astronomin Galileo 1635. Ihre künstlerischen Leistungen mussten sich jedoch mit einem realen Ereignis messen. Im Alter von 17 Jahren wurde sie von einem Kollegen ihres Vaters vergewaltigt. Der darauffolgende Prozess und die 300-seitige Abschrift davon haben die Einschätzung des Künstlers in der Geschichte geprägt.
Orazio Gentileschi war einer der ersten Maler, der auf eine neue Ästhetik reagierte, die 1600, im 7. Sommer von Artemisia, in Rom aufkam. Die Enthüllung eines einzigen Auftrags - Caravaggios zwei Werke über das Leben des Heiligen Matthäus - führte Schlüsselelemente eines neuen Kanons ein, der schließlich Barock genannt wurde. Bis zu diesem Sommer hatte Orazio sich selbst, seine Frau und vier Kinder durch die Ausführung langweiliger Aufträge für verschiedene Altarbilder und Kapellen in Rom ernährt. Doch der 37-jährige Orazio war von Caravaggios Vision überwältigt und begeisterte sich für die dramatischen Erzählungen des jüngeren Künstlers, die dynamischen Licht- und Schattenspiele, die energischen Kompositionen und Nahaufnahmen der Realität wie ein Pferderumpf oder eine verwesende Leiche. Caravaggio skandalisierte die Kunstwelt, indem er unidealisiert direkt nach lebenden Models malte, von denen einige Gerüchten zufolge Prostituierte waren; Rivalen behaupteten sogar, er habe den Körper einer ertrunkenen Frau als Vorbild für seine versteifte, barfüßige Mutter Christi auf ihrem Sterbebett benutzt.
Orazio freundete sich mit Caravaggio an und machte mit ihm die Runde der billigen Tavernen. Aber vielleicht wegen der Hitzigkeit des jüngeren Mannes und Orazios "wildem Temperament", wie es ein Zeitgenosse beschrieb, war die Freundschaft nur von kurzer Dauer. Caravaggios Einfluss war jedoch nicht. Für Orazios prächtige Madonna mit Kind (1609) entwarf er als Vorbild eine Nachbarin aus der damaligen Pfarrei Santa Maria del Popolo und ihr Kind. Seine naturalistische Darstellung der Madonna, ohne Heiligenschein oder Schmuck, spiegelt Caravaggios Einfluss wider und deutet auf eine weichere Seite von Orazios Charakter hin.
Artemisia war 1605 12 Jahre alt, das Jahr, in dem ihre Mutter, Prudentia Montoni, bei der Geburt starb. Orazio hatte zunächst keine künstlerischen Ambitionen für seine einzige Tochter - er stellte sich stattdessen ein Leben als Nonne für sie vor. Aber Artemisias Ehrgeiz und Talent setzten sich bald durch. Als sie 15 Jahre alt war, hatte sie unter Anleitung ihres Vaters begonnen, sich Caravaggios Methoden anzueignen. Für ihr frühestes bekanntes Gemälde, Susanna and the Elders (1610), verwendete sie wahrscheinlich ein lebendes Modell, das sich möglicherweise selbst in einem Spiegel widerspiegelte. Artemisia zeichnete eine Szene aus der biblischen Geschichte von Susanna nach, in der zwei Älteste sich nach einer jungen Matrone sehnen, und stellte eine üppige nackte Frau dar, die durch die Annäherung von zwei verschwörerischen Lechern in eine Verteidigungshaltung gebracht wurde. Die Arbeit würde sich als zu prophetisch erweisen.
Obwohl Orazio seine Tochter, wie es unter den angesehenen Römern üblich war, in seinem Haus unterhielt, fungierte das Gentileschi-Domizil auch als sein Atelier mit seinem ständigen Verkehr von Models, Kollegen und Gönnern. Die Nähe zu Männern schürte Gerüchte, die den Ruf des jungen Artemisia trübten. Am 6. Mai 1611 verwandelte sich der Klatsch in eine echte Verletzung. Orazio, der die Aufsicht über seine 17-jährige Tochter einem Freund seiner Familie anvertraut hatte, war nicht zu Hause, als sein Geschäftspartner und Malerkollege Agostino Tassi das Haus betrat und Artemisia vergewaltigte.
Vergewaltigung galt damals eher als Verbrechen gegen die Ehre einer Familie als als Verstoß gegen eine Frau. Erst als der verheiratete Tassi sein Versprechen, Artemisia zu heiraten, ablehnte, erhob Orazio Anklage gegen ihn. In der darauffolgenden achtmonatigen Gerichtsverhandlung sagte Artemisia aus, dass sie malte, als Tassi in den Raum kam und rief: „Nicht so viel malen, nicht so viel malen.“ Dann nahm er die Palette und die Pinsel von ihren Händen und warf sie auf den Boden . Sie kämpfte und kratzte vergeblich und griff ihn schließlich mit einem Messer an. Um ihre Wahrhaftigkeit zu überprüfen, führten die Behörden einen primitiven Lügendetektortest durch - in Form von Folter mit Daumenschrauben, wie es damals üblich war. Als die Schnüre um ihre Finger gespannt waren, soll sie zu Tassi geschrien haben: "Das ist der Ring, den du mir gibst, und das sind deine Versprechen."
Sie muss die Prüfung bestanden haben; Tassi wurde verurteilt und zu einer fünfjährigen Verbannung aus Rom verurteilt (eine Strafe, die anscheinend nie vollstreckt wurde). Um Artemisia von Rom und dem damit verbundenen Skandal zu befreien, ließ Orazio sie einen kleinen Florentiner Maler namens Pierantonio Stiattesi heiraten. Kurz nach der Hochzeit reiste das Brautpaar nach Florenz, wo Orazio von der Großherzogin der Toskana um die Schirmherrschaft für seine Tochter gebeten hatte. "[Sie] ist so geschickt geworden, dass ich es wagen kann zu sagen, dass sie heute keine Gleichaltrige hat", hatte er der Herzogin gerühmt. "In der Tat hat sie Werke geschaffen, die ein Maß an Verständnis zeigen, das vielleicht selbst die wichtigsten Meister des Berufs nicht erlangt haben."
Artemisias Arbeit in Florenz, wo sie ihren Sinn für Farbe in Selbstporträts und Gemälden wie der schillernden Bekehrung der Magdalena perfektionierte, war der erste Schritt auf ihrem Weg zu künstlerischem Renommee. Als sie 1620 oder 1621, noch Ende 20, Florenz verließ, hatte sie mindestens sieben Werke für den einflussreichen Großherzog Cosimo II de 'Medici und seine Familie gemalt. Aber als sie ihm schrieb, "Probleme zu Hause und mit meiner Familie" - der Verlust von drei Kindern und die offensichtliche Untreue und die verschwenderischen Ausgaben ihres Mannes - hatten ihren Tribut gefordert.
Begierig auf einen Neuanfang zog sie nach Rom und bezog mit ihrem Ehemann und ihrer Tochter Prudentia (dem einzigen ihrer vier Kinder, das überlebte) ein Haus an der Via del Corso. Finanzielle Not und die Eifersucht ihres Mannes untergruben jedoch weiterhin ihre Ehe. Als Pierantonio eines Nachts im Jahr 1622 vor seiner Haustür eine Gruppe Spanier vorfand, die seine Frau zum Ständchen brachten, schlug er ihnen angeblich ins Gesicht. Er ging später auf Artemisia und Prudentia (die auch ein Künstler werden würde).
Der alleinerziehenden Mutter fiel es schwer, Aufträge zu erhalten (der römische Geschmack hatte sich geändert, als Artemisia in Florenz war). In der Hoffnung auf eine neue Schirmherrschaft zog sie 1627 nach Venedig, wo sie von Philipp IV. Von Spanien den Auftrag erhielt, ein Begleitstück zu Peter Paul Rubens und Anthony van Dycks Entdeckung des Achilles zu malen. Zwei Jahre später floh Artemisia vor der Pest von 1630 (die ein Drittel der venezianischen Bevölkerung auslöschte) nach Neapel, dann unter spanischer Herrschaft. Dort vollendete sie das erste Altarbild ihrer Karriere und einen öffentlichen Auftrag für eine große Kirche - Ehrungen, die ihr vielleicht aufgrund ihres Geschlechts entgangen waren. Im Laufe der Jahre beschwerte sich Artemisia immer wieder über die Fallstricke des Wettbewerbs auf einem ausschließlich männlichen Gebiet. "Sie haben Mitleid mit mir, weil der Name einer Frau Zweifel aufkommen lässt, bis ihre Arbeit zu sehen ist", schrieb sie an ihren letzten großen Gönner, Don Antonio Ruffo. "Wenn ich ein Mann wäre", erklärte sie, "kann ich mir nicht vorstellen, dass es so ausgefallen wäre."
Orazio war in Rom geblieben, als Artemisia nach Florenz gereist war, und hatte sich den Ruf als einer der besten Maler der Stadt erarbeitet, Aufträge für wichtige Altarbilder erhalten und das Patronat der wohlhabenden Familie Savelli erhalten. Auf Einladung des genuesischen Adligen Giovan Antonio Sauli zog er 1621 nach Genua, wo er die bedeutendste Phase seiner Karriere begann und eine Reihe sinnlicher Kompositionen für Sauli malte : eine Büßerin Magdalena, eine Danaë und das vielgestaltige Lot und Seine Töchter . Hier malte er auch seine meisterhafte Annunciatio n. "Das sind atemberaubende Kunstwerke", sagt Judith Mann, Kuratorin für frühe europäische Kunst im Saint LouisArt Museum und Mitbegründerin der aktuellen Ausstellung. "Sie lassen dich nach Luft schnappen, wenn du in den Raum gehst."
In Orazios Verkündigung erhellt eine Darstellung des Engels Gabriel, der vor der Jungfrau Maria kniet, ein opulenter roter Vorhang, frische weiße Bettwäsche und der zarte goldene Schal der Jungfrau Maria das Licht. Orazios formale Anordnung der Figuren verleiht dem Gemälde eine feierliche Andacht. Das Gemälde deutet auf die stilistische Divergenz zwischen Vater und Tochter hin, nachdem sie Rom verlassen hatten. Orazio hat das Drama, das er von Caravaggio gelernt hat, mit seinem eigenen Gespür für Verfeinerung gemildert. Seine eher formalen Kompositionen betonen eher Farbe und eine genaue Wiedergabe von Oberfläche und Textur als dramatische Gesten. Artemisia schuf ein Gefühl der Unmittelbarkeit und verwendete verräterische Details - wie das elegante Armband, das Judiths mörderischen Arm umkreist - als Kontrapunkt zu ihren grafischen Darstellungen, wodurch das Drama noch verstärkt wurde.
In Artemisias um 1625-1627 erschien Judith und ihre Magd, eine weniger grausige Version des Todes von Holofernes, die oft als Fallstudie des Hochbarocks zitiert wurde, als Judith und ihre Dienerin innehielten und ein Geräusch vor Holofernes 'Zelt zu hören schienen. Das schattige Innere wird von einer einzigen Kerze theatralisch beleuchtet. Judiths Hand schirmt ihr Gesicht vor dem Glühen ab und lenkt die Aufmerksamkeit auf Holofernes 'weggeworfenen Eisenhandschuh. Das Auge des Betrachters wandert zu dem Gegenstand in den Händen der Magd: Holofernes 'abgetrennter Kopf.
„Gemälde von dem, was man nicht sehen kann, was man nicht hören kann, sind reich an Kunst aus dem 17. Jahrhundert“, sagt Keith Christiansen, Kurator für italienische Gemälde an der Met und Mitaussteller der Ausstellung. In einem Gemälde mit demselben Thema, das 20 Jahre zuvor entstanden war, schlug Orazio eine andere Richtung ein. In seiner Version sehen die Frauen auch hinter der Bühne aus, aber ihre Körpersprache ist stilisierter. Die Falten ihrer Kleider stimmen überein, ebenso wie ihre Profile, als wären die beiden Attentäter in einem Tanz. "Artemisia nimmt oft den George Lucas-Weg und strebt nach einem theatralischen Effekt", sagt Christiansen. „Sie möchte, dass du gründlich abgestoßen wirst. Orazio teilt diesen psychologischen Moment auf formelle Weise mit und macht selbst den hässlichen Kopf schön. Er bevorzugt Stoff; Sie bevorzugt Blut. Er ist der weiche Schuh für ihren Stiletto. “
Angesichts des frühen Traumas von Artemisia sehen viele moderne Betrachter Werke wie Judith und ihr Dienstmädchen und insbesondere Judith Slaying Holofernes als Rachemalerei . Wissenschaftler sind sich jedoch nicht einig über die Bedeutung der Vergewaltigung in ihrer Arbeit. Wohlhabende Gönner mit einer Vorliebe für Gewalt und Erotik haben möglicherweise ebenso viel mit ihrem Thema zu tun wie schmerzhafte Erinnerungen (und Judith war auch bei männlichen Künstlern ein beliebtes Thema). Wie Mann bemerkt, sind in weniger als einem Viertel der bekannten Gemälde von Artemisia rachsüchtige Frauen zu sehen. "Wir geben Artemisia nicht fällig, wenn wir sie in diesem Trott sehen", sagt Mann. "Wir vermissen wahrscheinlich viel, weil wir dies erwarten." Leider fehlen auch die meisten Gemälde, auf denen ihr Ruf als Porträtistin beruht. Nur das Porträt eines Gonfaloniere und einige Selbstporträts wie La Pittura sind erhalten. In Selbstporträt als Lautenspielerin, wahrscheinlich gemalt, während Artemisia in Florenz war, porträtiert sich die Künstlerin mit ihrem eleganten florentinischen Kleid als Musikerin.
Als Orazio in die 60er Jahre eintrat, ermutigte ihn sein Erfolg in Genua, seine Fähigkeiten bei Marie de 'Medici, der französischen Königin und Mitglied der angesehensten Familie in der Toskana, zu vermarkten. Auf ihren Wunsch zog er 1624 nach Paris, wo er Gemälde für ihr Palais du Luxembourg fertigte. Orazios Verbindung zur Königinmutter zahlte andere Dividenden. Nicht lange nachdem ihre Tochter Henrietta Maria Karl I. von England geheiratet hatte, wurde Orazio vom Herzog von Buckingham, den er bei der Hochzeit getroffen hatte, angeworben, um an den Hof des englischen Königs zu kommen.
Der 62-jährige Orazio wurde in geräumigen Londoner Vierteln aufgestellt, mit großzügigen Lebenshaltungskosten ausgestattet und zum Abendessen mit Königen eingeladen. Als einziger italienischer Maler und einer der wenigen katholischen Künstler in London fand er seinen Weg in den Kreis der katholischen Königin Henrietta Maria. Bald ließ sie ihn an dem umfangreichsten Projekt seiner Karriere arbeiten - der Decke ihres Hauses in Greenwich -, einer Darstellung allegorischer Figuren auf neun Leinwänden.
1638 oder 1639 zog Artemisia, nachdem sie eine vierjährige Vorladung Karls I. und eine Bitte ihres Vaters umgangen hatte, schließlich selbst nach London. Ihre Versuche, die Arbeit vor starken Verbindungen in Italien zu sichern, waren gescheitert, und trotz der unangenehmen Aussicht, für einen protestantischen König zu arbeiten, und der Strapazen der Reise brauchte sie dringend Geld.
Einzelheiten über ein Wiedersehen mit ihrem Vater - es wären mindestens 17 Jahre vergangen, seit sie sich gesehen hatten - gehen verloren. Im Februar 1639 starb Orazio im Alter von 75 Jahren nach 13 Dienstjahren am Hof Karls I., der ihn mit einer verschwenderischen Beerdigung ehrte.
Artemisia blieb zwei Jahre in London, bis sie durch Zusicherungen ihrer Arbeit um 1641 nach Neapel zurückkehrte, wo sie bis zu ihrem Tod 1652 oder '53 lebte und für Don Antonio Ruffo Werke wie Galatea und Diana in ihrem Bad produzierte . Als er ihr weniger als den vereinbarten Preis für die Diana anbot, war Artemisia erzürnt: „Ich denke, Ihre berühmteste Lordschaft wird bei mir keinen Verlust erleiden“, schrieb sie 1649, „und dass Sie den Geist von Cäsar finden werden in dieser Seele einer Frau. "
1653, kurz nach Artemisias Tod, veröffentlichten zwei bekannte Dichter, Pietro Michiele und Gianfrancesco Loredan, die ihr einst Liebesbriefe geschrieben hatten, gemeinsam ein Gedicht in ihrer Stimme: „ Beim Malen der Porträts dieses einen und dieses, / ich habe unendlich viel Verdienst in der Welt erworben. / Als ich die Hörner [des Hahnrei] schnitzte, die ich meinem Ehemann gab, / gab ich den Pinsel auf und griff nach dem Meißel. "
Obgleich die Gefühle eines abgelehnten Bewerbers vielleicht zutreffend sind, fassen die Zeilen das historische Dilemma von Artemisia zusammen: Jahrhunderte lang wurde ihr Talent von den Gerüchten und Skandalen überschattet, die ihr persönliches Leben umgaben. Jetzt bekommt sie die Anerkennung, die sie verdient hat. "Die Werke", erklärte sie einmal, "werden für sich selbst sprechen."
