Am 2. Dezember 2016 ging eine Tanzparty in einem als Ghost Ship bekannten Lagerhaus in Oakland, Kalifornien, in Flammen auf und forderte mindestens 36 Todesopfer. Es war die tödlichste Brandkatastrophe in der Geschichte der Stadt.
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Bisher ist die Brandursache nicht bekannt. Die ersten Reaktionen der Presse waren jedoch in einer langen Liste von Darstellungen zu finden, in denen es darum ging, „Ihnen das zu sagen“. Das Layout von Ghost Ship wurde als Feuerfalle, Todesfalle und überfülltes „Labyrinth“ beschrieben. Die Gemeinde wurde als Verbindung, Kommune bezeichnet und mit anderen Bezeichnungen versehen, die weiter davon ausgehen, dass diese Katastrophe mit Sicherheit auf das Eintreten warten würde. Dass es unvermeidlich war.
Museen, insbesondere in der Bay Area, drückten ihr Mitgefühl für die Veranstaltung aus und einige Tage später öffnete das SFMOMA seine Türen kostenlos, damit die Betroffenen „nachdenken, trauern und heilen“ konnten.
Andere im Museumsbereich haben daran gearbeitet, die Kluft zwischen Institutionen und Basisräumen zu überbrücken. In den Tagen nach dem Zwischenfall mit dem Geisterschiff verwies Kimberly Drew, Managerin für soziale Medien im Metropolitan Museum of Art, ihre Kollegen auf ein Crowd-Sourcing-Dokument, das von der Kunstaktivistin Susan Surface erstellt wurde und Vorschläge für Community-Veranstaltungsorte enthielt risiken reduzieren. Lauren Zelaya, Kuratorin am Brooklyn Museum, wies darauf hin, dass das Museum seine Projekte absichtlich am Ersten Samstag unter der Sicherheit und Anleitung eines institutionellen Veranstaltungsortes testen möchte.
Aber während dies wichtige Gesten für jede größere Tragödie sind, sind Museen und Kunstinstitutionen von diesem Vorfall weitestgehend entfernt geblieben. Dies bestätigt die Annahme, dass Räume wie Ghost Ship für die formale Kunstwelt nur am Rande - und sogar irrelevant - sind.
In der Tat ist die Realität ganz im Gegenteil.
Warehouses und Do-It-Yourself-Unternehmen (DIY) entstanden zum ersten Mal in den 1960er Jahren, als die amerikanische Industrialisierung nachließ und große Fabriken leer, ungenutzt und erschwinglich blieben. Viertel, die heute als Zufluchtsorte für Museen, Theater und Galerien bekannt sind, wie das New Yorker SoHo, Downtown Los Angeles und San Franciscos Missionsviertel, waren ursprünglich Orte, an denen sich Künstler und ihre Gönner versammeln konnten. Im Gegensatz zu den prestigeträchtigen, stattlichen und vielleicht sogar antiquierten Umgebungen von Museen sind Baumärkte dafür verantwortlich, dass Ästhetiken wie unverputzte Ziegel- und Metallarmaturen zu beliebten Signifikanten des „kreativen Raums“ werden.
Einsatzkräfte stehen am Montag, dem 5. Dezember 2016, in Oakland, Kalifornien, vor der Baustelle eines Lagerfeuers, bei dem bis zu 36 Menschen ums Leben kamen. (Marcio Jose Sanchez / AP) In jüngster Zeit haben Museen einige ihrer Programme überarbeitet, um eine neue demografische Dimension zu erreichen, und sich aggressiv von den Räumen inspirieren lassen, die sie als Alternative geschaffen haben. Es kommt nicht selten vor, dass ein Museumsprogramm in Form einer Pop-up-Show, eines Kunstflohs oder einer Blockparty angeboten wird.
Die PS1 von Long Island City war 30 Jahre lang in dem Bewusstsein tätig, dass den Institutionen der Wille und die Infrastruktur fehlten, lokale und aufstrebende Künstler angemessen zu unterstützen, bis sie im Jahr 2000 vom Museum of Modern Art erworben und in MoMA PS1 umbenannt wurde. Das asiatisch-pazifisch-amerikanische Zentrum von Smithsonian hat kürzlich das Modell eines Kulturlabors vorgestellt. Dies ist sicherlich eine Anspielung darauf, wie Heimwerker- und Graswurzelräume auf einzigartige Weise kreativen Gemeinschaften dienen.
Museen und Baumärkte haben eine lange und komplexe Geschichte gemeinsam, und es ist für Museen von entscheidender Bedeutung, die jüngste Tragödie auf Ghost Ship nicht als unvermeidliches Versagen von Amateurkünstlern und Kuratoren zu interpretieren, sondern als Ausdruck der Zurückhaltung der Institutionen, Ressourcen und Informationen angemessen zu teilen mit ihren kreativen Kollegen. Einige Museumsprogramme sehen und fühlen sich heute vielleicht ähnlich wie die DIY-Räume an, die sie inspiriert haben, aber dies sollte als Chance gesehen werden.
Hier sind sechs Möglichkeiten, wie Museen, Galerien und Kulturinstitutionen ihr Wissen und ihre Ressourcen nutzen können, um DIY-Räume zu fördern:
Teilen Sie Sicherheits- und Zugänglichkeitsdokumente
Museen können helfen, indem sie Sicherheitsexpertise verleihen, Personal und Protokolle austauschen und anbieten, ihre Sicherheits- und Barrierefreiheitshandbücher und -verfahren als Vorlagen zu veröffentlichen. Einige Institutionen könnten dagegen argumentieren, ihre Dokumente zugänglich zu machen, da diese Dokumente, insbesondere für Außenstehende, lang und kompliziert sind. Es ist richtig, dass der Stapel an Sicherheitscodes, Lizenzen, Überprüfungen und Schulungen Vorrang vor Kreativität zu haben scheint. Eine minimale Anleitung durch grundlegende Terminologie, Akronyme und wichtige Punkte kann jedoch einen langen Weg gehen.
Die gefährliche Umgebung einiger DIY-Räume beruht normalerweise nicht auf der mangelnden Bereitschaft, Räume sicher zu machen, sondern auf mangelnder Kapazität oder mangelndem Bewusstsein. Während Kunstinstitutionen von Mitarbeitern profitieren, die kreatives und administratives Know-how in Einklang bringen, sind viele DIY-Projekte visionäre Unternehmungen, in denen die Produzenten lernen, wie sie gehen. Diese Trial-and-Error-Methode ist oft effektiv und harmlos, aber wir haben gelernt, dass die Konsequenzen auch schwerwiegend sein können.
Informieren Sie Heimwerker über bewährte Vorgehensweisen
Halten Sie Workshops ab und teilen Sie Methoden, um die öffentliche Sicherheit auch bei begrenzten Kapazitäten und Ressourcen zu gewährleisten.
Sogar Künstler mit einer formalen Kunstausbildung sind möglicherweise nicht mit den Standardverfahren für Flucht (Fluchtwege), Verbrennungsrate (Entflammbarkeit von Materialien) und ADA-Vorschriften (Zugänglichkeit) vertraut. Museen können Tutorials anbieten (ähnlich wie die weit verbreiteten Wikipedia-Editing-A-Thons und Grant-Seminare) oder Webinare oder kurze Videos mit Tipps posten.
Mit Machern zusammenarbeiten
Museen können diesen Gemeinschaften besser dienen, indem sie sich an die Künstler wenden und mit ihnen zusammenarbeiten. Menschen, die es sich zur Aufgabe gemacht haben, unabhängig von begrenzten Kenntnissen und Ressourcen Projekte zu erstellen, sind die Kraft von Basisprojekten. Sie sind es gewohnt zu lernen, indem sie Informationen teilen und andere beobachten.
Die Förderung in Form von Freiwilligenstellen, Vertragsarbeit und sogar Einstellungsmöglichkeiten kann sowohl Museen als auch die umliegende Kunstszene nur auf eine für beide Seiten vorteilhafte Weise stärken. Indem Museen Verbindungen zu diesen Produzenten aufbauen, profitieren sie von den Fähigkeiten - Anpassungsfähigkeit, kritisches Denken und lokale Reichweite -, die erfolgreiche DIY-Produktionen ermöglichen.
An Veranstaltungen teilnehmen
Museumsprofis können starke Stimmen des Engagements für Basisprogramme sein, aber es beginnt mit persönlicher Erfahrung. Viele der Annahmen über die Gefahren von Ereignissen wie bei Ghost Ship stammen von Menschen, die noch nie teilgenommen haben. Während die Berichterstattung in der Presse über die Tragödie mit dem Geisterschiff dazu führen könnte, dass eine Lagerpartei einem Minenfeld ähnelt, werden in den meisten Produktionen grundlegende Sicherheitsüberlegungen angestellt, auch wenn dies nicht durch ein offizielles Protokoll erfolgt.
Museumsexperten können bei der Beobachtung von Ereignissen Tipps geben und Fachwissen austauschen, das die Sicherheit und Zugänglichkeit an diesen Orten verbessert.
Bezahlen Sie Künstler
Über die sozialen Bedingungen, unter denen Künstler und Macher auf instabile Infrastrukturen zurückgreifen und Sicherheitsprotokolle ablehnen, ist viel zu sagen, aber ein Großteil davon lässt sich auf die wirtschaftliche Leistungsfähigkeit zurückführen. Wie die Fachleute in anderen Bereichen arbeiten auch die Künstler daran, ihre Ressourcen zu maximieren, auch wenn diese begrenzt sind.
Die meisten Museen haben ein gewisses Maß an lokaler Reichweite in ihren Missionen, aber oft werden lokale Künstler und Mitarbeiter gebeten, ihre Dienste kostenlos oder zu sehr niedrigen Preisen anzubieten. Künstler werden gebeten, bei der Zusammenarbeit mit kleinen gemeinnützigen Organisationen auf ihre Honorare zu verzichten oder diese abzuzinsen. Dies gilt auch für die Arbeit mit Institutionen mit großem Budget - unter der Annahme, dass die Künstler von einer immateriellen Entschädigung oder „Belichtung“ profitieren.
Die Bezahlung eines angemessenen Entgelts für Künstler ermöglicht es ihnen nicht nur, in immer teureren Städten zu leben und zu arbeiten, sondern auch, ihre Projekte kreativ und logistisch zu vergrößern. Museen sollten ihre Vergütungssätze für Künstler überdenken, mit der Erkenntnis, dass dies nicht nur zu den Grundbedürfnissen wie Miete und Essen beiträgt, sondern auch zu hochwertigen Veranstaltungsorten, Ausstellungsmaterial und Sicherheitsressourcen.
Ein guter Leitfaden für die Ermittlung angemessener Preise für Künstler basierend auf dem Jahresbudget einer Organisation ist der von WAGE (Working Artists for a Greater Economy) bereitgestellte Rechner.
Eine Brücke zu Kontakten und Ressourcen sein
Selbst wenn ein Museum nicht über die finanziellen Mittel verfügt, um Künstler zu bezahlen, unterhält es wahrscheinlich Beziehungen zu lokalen und nationalen Regierungsorganisationen, Unternehmenspartnern und Institutionen, die bestrebt sind, mit Künstlern zusammenzuarbeiten. In einigen Fällen bieten Kommunalverwaltungen wenig bekannte Zuschüsse, Steuervergünstigungen oder subventionierte Wohn- und Arbeitsräume an, um Unternehmenszonen für Künstler zu fördern. Da Künstler möglicherweise eher in Museen als in ihren Rathäusern nach Hilfe suchen, können Museen ihre Beziehungen nutzen, um bedürftigen Künstlern dabei zu helfen, vorhandene, aber nicht ausreichend genutzte Ressourcen zu finden.
Da die Elemente von DIY-Programmen weiterhin die Museumspraxis inspirieren, ist es wichtig, dass Museen bestehende und neu entstehende Projekte nicht mit der Haltung „Wir können von hier aus damit umgehen“ überfluten. Vielmehr kann eine offene Kommunikationslinie und ein gegenseitiger Austausch sicherstellen, dass die Graswurzeloperationen in immer herausfordernder werdenden städtischen Arenen gedeihen, während Museen Zugang zu der örtlichen Gönnergemeinschaft haben, für die sie eingerichtet wurden.
