Die Partitur für John Cages unbestimmte Komposition „Fontana Mix“ (Bild: BBC Radio 3)
Mit der Entwicklung der Musiknotation wurde die Musik von den zarten Bindungen mündlicher und akustischer Traditionen befreit. Durch eine standardisierte Grundstruktur konnte von Gregorianischem Gesang bis hin zu „Johnny B Goode“ alles relativ einfach erhalten und vermehrt werden. Ab den Jahren nach dem Zweiten Weltkrieg dachten jedoch einige progressivere Musiker und Komponisten, dass das Musikpersonal eher einschränkend als befreiend sein könnte, und experimentierten mit neuen, ausdrucksstärkeren Formen der grafischen Musiknotation.
Der amerikanische Komponist John Cage erforschte die Verwendungsmöglichkeit und Unbestimmtheit in seinen musikalischen Kompositionen mit dem Ziel, seine eigene Subjektivität aus seiner Musik, der Hand der Künstler, zu entfernen. Um seine unbestimmten „Kompositionen“ zu kommunizieren und den Begriff locker zu verwenden, entwickelte Cage ausgeklügelte Methoden der grafischen Notation mit einer Reihe von Transparenzen. Diese Methode verwendete er erstmals in der Partitur von 1958 für „Variations I“, die aus sechs transparenten Quadraten bestand - eines mit 27 Punkten für Klang und fünf mit fünf Linien für jeden zugewiesenen Musikwert. Die Zusammensetzung wurde durch Aufeinanderlegen der Quadrate in beliebiger Kombination erhalten. Cage hat diese Methode in den 1950er und 1960er Jahren weiterentwickelt und ausgebaut, wie im oberen Bild zu sehen ist, das die etwas aufwändigere Partitur für „Fontana Mix“ darstellt. Die Notation von Cage besteht aus vier Mehrkanal-Kassetten, zehn mit winzigen Buchstaben versehenen Transparentfolien Punkte, eine Folie mit einer geraden Linie und zehn Blatt Papier, auf denen farbige, kräuselige Linien gezeichnet wurden, und ein grafisch papierähnlicher „Stab“. Die Folien wurden verwendet, um Koordinaten abzuleiten, die dann verwendet wurden, um zu bestimmen, welches Band verwendet wurde sowie die Werte des Tons vom Band: Länge (in Zoll), Lautstärke, Klangfarbe und so weiter. Laut dem All Music Guide für klassische Musik beschrieb Cage die Partitur als "eine Kamera, mit der jeder fotografieren kann".
Die Partitur zu Steve Reichs „Pendelmusik“ (Bild: Steven Reich, Schriften zur Musik, 1965-2000)
Die Partitur für Steve Reichs „Pendulum Music“ (Steven Reich, Writings on Music, 1965-2000) Steve Reichs Partitur für „Pendulum Music“ ist eine einfache, schriftliche Anleitung, die beschreibt, wie das Stück inszeniert und aufgeführt wird. Die obige Aufnahme wurde von Sonic Youth für ihr 1999er Album SYR4: Goodbye 20th Century gemacht. Teile der handschriftlichen Partitur sind etwas schwierig zu lesen, daher hier eine Transkription:
„2, 3, 4 oder mehr Mikrofone sind an ihren Kabeln an der Decke aufgehängt, sodass sie alle im gleichen Abstand vom Boden hängen und sich mit einer Pendelbewegung frei bewegen können. Jedes Mikrofonkabel ist an einen Verstärker angeschlossen, der an einen Lautsprecher angeschlossen ist. Jedes Mikrofon hängt einige Zentimeter direkt über oder neben dem Lautsprecher.
Die Aufführung beginnt damit, dass die Darsteller jedes Mikrofon nehmen, es wie eine Schaukel zurückziehen und dann gemeinsam loslassen. Die Performer drehen dann jeden Verstärker vorsichtig so weit auf, bis eine Rückkopplung auftritt, wenn ein Mikrofon direkt über oder neben dem Lautsprecher schwingt. Somit wird eine Reihe von Rückkopplungsimpulsen angesteuert, die entweder alle im Einklang sind oder nicht, abhängig von den sich allmählich ändernden Phasenbeziehungen der verschiedenen Mikrofonpendel.
Die Darsteller setzen sich dann zusammen, um den Prozess zusammen mit dem Publikum zu verfolgen und anzuhören.
Das Stück ist zu Ende, wenn alle Mikrofone zur Ruhe gekommen sind und einen Dauerton zurückgeben, indem die Interpreten die Stromkabel der Verstärker herausziehen. “
Brian Enos grafische Notation für Music for Airports (Veröffentlicht auf der Rückseite des Albums) 1978 schuf der Musiker Brian Eno das wegweisende Album Ambient 1: Music for Airports . Eno prägte den Begriff „Ambient“, um diese atmosphärische Klanglandschaft zu beschreiben und sie von der von Muzak eingemachten „Aufzugsmusik“ zu unterscheiden. Dabei schuf er nicht nur ein Album, sondern ein ganzes Musikgenre. Eno wurde von Komponisten wie Cage und Reich inspiriert, hatte aber keine formale Musikausbildung. Auf die Frage, warum er nie das Lesen von Musik gelernt habe, antwortete Eno, der es vorzog, direkt auf Band zu komponieren:
„Es wäre nicht sehr nützlich für mich. Es gab ein oder zwei Gelegenheiten, in denen ich ohne mein Tonbandgerät feststeckte und eine Idee hatte, versuchte, sie mir einzuprägen, und da eine gute Idee fast immer auf ungewohnten Nuancen beruht, ist es daher automatisch schwer, mich daran zu erinnern. Bei diesen sehr seltenen Gelegenheiten dachte ich: ‚Gott, wenn ich das nur aufschreiben könnte. ' Aber in der Tat hat ziemlich viel von dem, was ich tue, mit Klangtextur zu tun, und das kann man sowieso nicht notieren ... Das liegt daran, dass die Notenschrift zu einer Zeit entstand, als die Klangtexturen begrenzt waren. Wenn Sie Violinen und Holzbläser als die Klangstruktur bestimmend bezeichneten, wenn ich Synthesizer und Gitarre sage, bedeutet das nichts - Sie sprechen von 28.000 Variablen. “
Anstelle der traditionellen Notation hat Eno die oben gezeigten Grafiken erstellt, die sich anscheinend mehr mit der Vermittlung eines visuellen Eindrucks der Musik befassen und nicht wirklich als Leitfaden für das tatsächliche Abspielen der Musik gedacht sind.
Eine Seite der Partitur zu Krzysztof Pendereckis „Polymorphia“ (Ex Tempore) Krzysztof Pendereckis „Polymorphia“ wurde 1961 vom Norddeutschen Rundfunk Hamburg in Auftrag gegeben. Wie der Name schon sagt, nimmt das Stück tatsächlich verschiedene Formen an und ändert sich dramatisch von Abschnitt zu Abschnitt. Mit „Polymorphia“ suchte Penderecki nach neuen klanglichen Möglichkeiten, und wenn diese Möglichkeiten „furchterregende Spukhausmusik“ beinhalten, hat er es absolut genagelt. Die Komposition ist für 48 Streichinstrumente gedacht und betont eher die Klangfarbe als die Tonhöhe und die Kollision von Klangerzeugungskörpern aus Metall, Holz oder Leder - was die Musikwissenschaftlerin Danuta Mirka als „Primärmaterialien“ des Komponisten bezeichnet. Die Notation wurde zum Teil durch Elektroenzephalogramme inspiriert - visuelle Messungen der Gehirnaktivität. Es vermeidet traditionelle Maßnahmen zugunsten einer Partitur, die in Abschnitte variabler Länge und in einigen Abschnitten in weitere vertikale Abschnitte unterteilt ist, um jede Sekunde zu markieren, wobei ein „Gesamtabstand“ die relative Tonhöhe jedes Instruments beschreibt.
Seite 183 der Partitur für Corenlius Cardews „Abhandlung“ (Spiral Cage) Die Abhandlung des englischen Komponisten Cornelius Cardew wurde von 1963-1967 geschrieben. Es besteht aus 193 Seiten grafischer Notation, in denen mehrdeutige Zahlen, Formen und Symbole verwendet werden, die vom Interpreten interpretiert werden sollen. Er schlägt vor, dass sich die Interpreten vor der Aufführung auf ihre eigenen Regeln einigen, gibt aber keine weiteren ausdrücklichen Anweisungen für die Interpretation des Stücks. Im Handbuch "Abhandlung" bietet Cardew zusätzliche, kryptische Ratschläge wie "Denken Sie daran, dass der Raum nicht buchstäblich der Zeit entspricht" und "Es gibt einen großen Unterschied zwischen: a) Machen Sie alles, was Sie wollen, und lesen Sie gleichzeitig die Notizen." und b) Lesen der Notizen und Versuch, sie in die Tat umzusetzen. Natürlich können Sie die Partitur auf zuvor gegebenem Material arbeiten lassen, aber Sie müssen sie aktiv arbeiten lassen. “Die einzige Konstante in„ Treatise “ist die dick gezeichnete„ Lebenslinie “in der Mitte der Partitur. Es hat keinen inneren Wert, wird aber häufig von Interpreten als Referenz für die Tonhöhe oder einen anderen musikalischen Wert verwendet. Letztendlich ist „Abhandlung“ Notation als Kunstform. Wie Carew sagt: „Die Notation ist wichtiger als der Klang. Nicht die Genauigkeit und der Erfolg, mit denen eine Notation einen Ton notiert; aber die Musikalität der Notation in ihrer Notation. "
Schachnotation überlagert ein Bild eines musikalischen Schachspiels zwischen Marcel Duchamp und John Cage (Parsons) Zum Schluss die halbe Notation. Ich zähle es nur zur Hälfte, weil es ein traditionelles Notationssystem verwendet, nur kein Musiknotationssystem. 1968 bestritt John Cage im Rahmen der Gemeinschaftsaufführung Reunion (pdf) ein Schachspiel gegen Marcel DuChamp, in dem auch elektronische Musik von David Behrman, Gordon Mumma, David Tudor und Lowell Cross zu hören war. Angesichts seines Interesses an Zufällen ist es keine Überraschung, dass Cage das Werk konzipiert hat, aber es wurde von den oben genannten Musikern komponiert. Das Board selbst wurde mit gekreuzten und versteckten Fotowiderständen, Kontaktmikrofonen und Anschlüssen an Klangerzeuger konstruiert. Während des Spiels aktivierte die Bewegung der Stücke Lichter und elektronische Musik und wandelte die Ausstellungsumgebung entsprechend der Bewegung der Stücke auf dem Brett um. Die Kunst des Schachs verwandelte sich in Musik und Licht, eine Art strategische Synästhesie. Das ist eine faszinierende Idee. Wie würde die sizilianische Verteidigung klingen? Oder ein Queen's Gambit?
Die obigen Beispiele stellen sowohl die Notation für experimentelle Musik als auch die experimentelle Notation für Musik dar. Aber sie sind nur einige der vielen Arten der grafischen und experimentellen Notation, die Künstler in den letzten 60 Jahren erforscht haben. Während einige Künstler Einschränkungen als inspirierend empfinden - selbst wenn diese Einschränkungen scheinbar so unbegrenzt sind wie die Notenschrift -, sind andere der Ansicht, dass Fortschritt nur durch die Zerstörung der akzeptierten Produktions- und Kommunikationsweisen erzielt werden kann. Und obwohl die Ergebnisse nicht immer erfreulich sind, sind sie unbestreitbar interessant und stellen eine aufrichtige Anstrengung dar, eine Kunstform in unerforschtes Gebiet zu drängen. Avantgarde im wahrsten Sinne des Wortes.
