Nicholas Bell, verantwortlicher Kurator der Renwick Gallery des Smithsonian American Art Museum, ist seit 2009 im Museum. Er kuratiert Ausstellungen zu Körben und Holz - Handwerk wie es traditionell gedacht ist - sowie zu zeitgenössischem Handwerk (die 2012 Ausstellung des Museums, "40 unter 40: Craft Futures"). Er betont die Wichtigkeit von Materialien und die Idee des „Machens“. Seine Leidenschaft für das Museum, seine Renovierung und Wiedereröffnung am 13. November und die Eröffnungsausstellung „Wonder“ wurden deutlich, als wir mit ihm sprachen .
Aus dieser Geschichte
Wunder
KaufenKönnen Sie uns zunächst erklären, warum Sie das beschwörende Wort „Wunder“ als Titel für die Eröffnungsausstellung der Renwick Gallery gewählt haben? Im Katalog sprechen Sie darüber, wie die Idee des Wunderns " jetzt immer schneller von Wissen gefolgt wird".
Viele von uns halten das „Staunen“ für etwas kindlich. Welches ist eine Schande. Es ist sehr wertvoll, mit Dingen in Kontakt zu kommen, die Sie nicht verstehen - mit Dingen, die außergewöhnlich sind und die außerhalb unseres Alltags liegen.
In der New York Times schrieb der Kunstkritiker Holland Cotter kürzlich über Museen als "leistungsstarke Maschinen zur Bearbeitung der Geschichte"? Gilt das für den Renwick?
Wir eröffnen dieses Gebäude zum dritten Mal in drei verschiedenen Jahrhunderten als Kunstmuseum. Als Kultur und Gesellschaft treffen wir Entscheidungen - wir können andere Prioritäten in den Vordergrund stellen. Obwohl das Gebäude als Kunstmuseum in Auftrag gegeben wurde, wurde es als militärisches Versorgungszentrum in Betrieb genommen, bevor es jemals als Museum genutzt wurde. Dies soll uns daran erinnern, dass wir als Volk Entscheidungen treffen. Manchmal entscheiden wir uns gegen die Künste, und manchmal entscheiden wir uns für sie. Die in Stein gemeißelten Worte über der Tür des Renwick sind „der Kunst gewidmet“.
In gewisser Weise handelt die „Wonder“ -Show von dem Gebäude als einem wichtigen Ort, um etwas zu erleben. Was am wichtigsten zu sein scheint, ist das Staunen. Wir brauchen öffentliche Orte, an denen wir uns öffnen können, um uns zu wundern.
Sie schreiben, Ihr Ziel sei es gewesen, eine "immersive Halle der Wunder" zu schaffen. "Immersiv" ist derzeit ein Schlüsselbegriff - in Filmen wird 3D immer beliebter, und im Theater reicht es einem Publikum nicht aus, einfach nur zu sitzen und zu beobachten Action auf einer Bühne. Und „Hall of Wonders“ spricht von der Show oder dem Karneval, Orten, die ein klares Gebot für unsere Aufmerksamkeit sind.
Es ist ironisch - so viel Aufmerksamkeit richtet sich auf einen so kleinen Raum in unserem Leben. Wir sind eine bildschirmgebundene Kultur. Ich habe drei Kinder unter fünf Jahren. Sie haben mir sehr bewusst gemacht, wie wichtig es ist, auf Ihre unmittelbare Umgebung zu achten. Kleine Kinder haben große Augen. Keine Filter. Sie wollen über alles Bescheid wissen. Sie haben mir neu beigebracht, wie man aufpasst. Das Museum kann das für uns tun wie ein Kind.
Einer der Gründe, warum ich die neun Künstler in dieser Ausstellung hervorgehoben habe, ist, dass sie Dinge herstellen, die sehr groß sind. Ihre Arbeit macht Sie sehr selbstbewusst. Wenn wir in ein Museum gehen und kleine Dinge auf Sockeln sehen - Ton und Glas, viele Gefäße -, ist das alles wunderbar, aber es macht Sie nicht unbedingt auf Ihre Umgebung aufmerksam. Aber wenn Sie in eine Galerie gehen und einen 13 Fuß hohen Turm mit Karteikarten sehen, wie Sie es bei Tara Donovans Arbeit tun, schrumpfen Sie fast in Bezug. Du denkst ziemlich genau darüber nach, wo du bist.
So wichtig und kritisch Bemühungen wie die Digitalisierung auch sind, es gibt keinen wirklichen Ersatz dafür, das Kunstwerk persönlich zu erleben. Ich freue mich sehr, wenn ich sehe, wie Besucher in die einzelnen Galerien gehen. Sie wiegen sich buchstäblich auf den Fersen - die Augen weiteten sich, die Kiefer fielen herunter. Die Begegnung mit diesen Kunstwerken hat ein physiologisches Element.
Deshalb müssen wir öffentliche Räume haben, in die wir gehen können. Deshalb muss dieses Gebäude hier sein.
Kommentieren die Künstler, die Sie ausgewählt haben, die ständige Sammlung von Renwick?
Tun sie. Es ist nicht unbedingt offenkundig. Einer der Gründe, warum ich diese neun ausgewählt habe, ist, dass sie außerordentlich leidenschaftlich daran interessiert sind , Dinge zu machen. Sie haben ein gesteigertes Gespür dafür, Dinge zu machen. Das Material ist so viel größer als du. Es steht über dir. Diese Arbeiten bringen Sie dazu, über Materialien in Ihrem Leben und in Ihrer Welt nachzudenken. Sie bekräftigen die Bedeutung des Stoffes - es ist wertvoll, darüber nachzudenken, wie Objekte in unserer Welt entstehen.
Wie würden Sie zeitgenössische Kunst und zeitgenössisches Handwerk definieren? Inwiefern unterscheiden sie sich und inwiefern ähneln sie sich?
Ich interessiere mich nicht sehr für die Division, ich bin misstrauisch, mich auf die Division zu konzentrieren. Ich neige immer dazu, die Linien zu verwischen, anstatt sie zu unterscheiden. Was wirklich zählt, sind die Menschen, die Dinge machen, die daran interessiert sind, sich auszudrücken. Es interessiert mich nicht unbedingt, wie sich die Leute nennen. Ich denke nicht, dass diese Labels sehr viel Wert haben.
Die DIY-Bewegung hat in letzter Zeit eine Menge Fantasien auf sich gezogen. Es scheint einen neuen Respekt zu geben, Dinge mit beiden Händen zu tun - Beizen, Einmachen, Gären. Und außerhalb der Küche, in der Tech-Welt, sind die „Maker-Bewegung“ und die „Maker-Spaces“ gerade sehr wichtig. Der Katalog „Wonder“ diskutiert die Bedeutung von Materialien im Handwerk. Könnten Sie ein bisschen darüber sprechen?
Das Interesse an Geschick, Prozess und Arbeit wird in unserer Zukunft als Museum weiterbestehen. Es ist sehr wertvoll, die Welt als Ganzes durch die Linse des Handwerks zu betrachten. Bei allen Künstlern der Eröffnungsausstellung handelt es sich im Wesentlichen um zeitgenössische Künstler, die sich sehr für die Herstellung und die Materialien begeistern. Das verbindet sie mit der Geschichte des Handwerks.
Gibt es bei den Künstlern dieser Show besondere Interessen in Bezug auf die Umwelt und die Natur?
Ja! Wie diese Ausstellung entstand: Ich lud alle diese Künstler ein, das Gebäude zu besichtigen, wenn es leer war. Wir waren ausgezogen, es war abgenutzt, die Renovierung hatte noch nicht begonnen. Ich hatte es noch nie so gesehen, und es war ein echter Luxus, es so zu sehen. Die Künstler schlugen vor, was sie tun wollten. Ich bat sie, sich die Architektur anzuschauen und über das Thema Wunder nachzudenken. Ich habe ihnen keine anderen Kriterien gegeben. Ich habe diese Künstler ausgewählt, weil sie alle sensibel für den Raum sind, weil ihre Arbeit Sie auf Ihre eigene Präsenz aufmerksam macht.
Was mich fasziniert, ist, dass einige von ihnen als Anlaufstelle in die Natur gingen, ganz ohne Druck von mir: Maya Lin, die mit der Idee des Chesapeake arbeitet. John Grade, Bäume. Patrick Daugherty, bleibt dran. Jennifer Angus, Käfer. Wenn Sie durch diese Galerien gehen, ist die Sensibilität der Außenwelt sehr groß. Es bekräftigt die Idee, dass Museen ein Ort sind, an dem Sie über die Außenwelt nachdenken können. Wenn Leute ins Museum und zu dieser Show kommen, sind sie überwältigt und erstaunt. Dies hilft Ihnen, mit neuen Augen zu sehen und die Welt um Sie herum auf eine andere Art und Weise zu betrachten.
Ich stelle fest, dass es bei einer der Veranstaltungen zur Wiedereröffnung des Museums Craft Beer gibt! Ist das nur ein Wortspiel - Craft Beer in einem Handwerksmuseum?
Das gesamte Phänomen des Craft-Brewing ist tatsächlich eines der sichtbarsten Beispiele für die Herstellung von Kunstfertigkeiten. Jedes Mal, wenn Sie einen Sechserpack Bier von einer kleinen Brauerei kaufen, unterstützen Sie Menschen, die leidenschaftlich gerne etwas machen.
Die Renwick Gallery, in der das Smithsonian American Art Museum für Kunsthandwerk und dekorative Kunst untergebracht ist, wird am Freitag, den 13. November nach einer zweijährigen Renovierung im Wert von 30 Millionen US-Dollar wiedereröffnet. Die Eröffnungsausstellung „Wonder“ zeigt Installationen von neun zeitgenössischen Künstlern im Galeriemaßstab.
