RENOIRS UMSTRITTENER ZWEITER AKT

Im Oktober 1881 verließ Pierre-Auguste Renoir Paris, nicht lange nachdem er sein wohl bekanntestes und sicherlich eines der am meisten bewunderten Gemälde der letzten 150 Jahre, das freudige Mittagessen der Bootspartei, beendet hatte, um eine langjährige Reise nach Italien anzutreten. Stehender Ehrgeiz. Er war 40 und wurde bereits als Pionier des Impressionismus gefeiert, der Bewegung, die die französische akademische Malerei mit ihren gewagten Versuchen herausgefordert hatte, Licht in Freilandszenen einzufangen. Von einer führenden Galerie vertreten und von Kennern gesammelt, übernahm er die beneidenswerte Rolle eines angesehenen, wenn auch noch nicht gut bezahlten Bilderstürmers.

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Sein Ziel im Herbst war es, Venedig, Rom, Florenz und Neapel zu erreichen und die Gemälde von Raffael, Tizian und anderen Renaissance-Meistern zu betrachten. Er wurde nicht enttäuscht. In der Tat beeindruckte ihn ihre Virtuosität, und der berühmte Künstler kehrte in einem Zustand, der sich dem Schock näherte, nach Paris zurück. "Ich war mit dem Impressionismus so weit gegangen, wie ich konnte", erinnerte sich Renoir später, "und mir wurde klar, dass ich weder malen noch zeichnen konnte."

Die Reise, die die Augen öffnete, war der Anfang vom Ende des Renoirs, das die meisten von uns kennen und lieben. Er malte weiter, aber auf eine ganz andere Art - mehr im Studio als unter freiem Himmel, weniger vom Spiel des Lichts angezogen als von Themen wie Mythologie und weiblicher Form - und innerhalb eines Jahrzehnts trat Renoir in das ein, was er nennt späte Periode. Die kritische Meinung war ausgesprochen unfreundlich.

Bereits 1913 schrieb die amerikanische Impressionistin Mary Cassatt einer Freundin, dass Renoir abscheuliche Bilder „von enorm fetten roten Frauen mit sehr kleinen Köpfen“ malte. Erst 2007 beklagte die Kunstkritikerin der New York Times, Roberta Smith, „die Hektar der Neuzeit nudes “mit ihrer„ schwerfälligen Staginess “und dem hinzugefügten„ Kitsch der Aspersion “. Sowohl das Metropolitan Museum of Art als auch das Museum of Modern Art in New York City haben späte Renoirs entladen, um vermutlich bedeutendere zu beherbergen funktioniert. 1989 verkaufte MOMA Renoirs 1902 Reclining Nude, weil "es einfach nicht zu der Geschichte der modernen Kunst gehörte, die wir erzählen", sagte der Kurator für Malerei, Kirk Varnedoe, zu der Zeit.

„Das Spätwerk von Renoir ist größtenteils aus der Kunstgeschichte ausgeschrieben“, sagt Claudia Einecke, Kuratorin am Los Angeles County Museum of Art. „Renoir wurde als interessanter und wichtiger Künstler gesehen, als er mit den Impressionisten zusammen war. Dann hat er es irgendwie verloren und wurde ein Reaktionär und ein schlechter Maler - das war die übliche Weisheit. “

Wenn der reife Renoir als passé betrachtet wird, in Nostalgie versunken und von Kubismus und abstrakter Kunst überlagert, zielt eine neue Ausstellung darauf ab, ihm sein Verdienst zu erweisen. Nach seiner Eröffnung im vergangenen Herbst im Grand Palais in Paris wird "Renoir in the 20th Century" am 14. Februar im Los Angeles County Museum of Art und am 17. Juni im Philadelphia Museum of Art gezeigt Seit über 70 Jahren versammelt er Gemälde, Zeichnungen und Skulpturen aus Sammlungen in Europa, den USA und Japan. Darüber hinaus belegen Werke von Pablo Picasso, Henri Matisse, Aristide Maillol und Pierre Bonnard den oft übersehenen Einfluss von Renoir auf ihre Kunst.

Gezeigt werden Odalisken und Akte (einschließlich Reclining Nude, jetzt in einer Privatsammlung), mediterrane Landschaften und Städte, Gesellschaftsfiguren und junge Frauen, die sich die Haare kämmen, sticken oder Gitarre spielen. Nicht wenige lehnen sich an berühmte Werke von Rubens, Tizian und Velázquez an oder huldigen Ingres, Delacroix, Boucher und der klassischen griechischen Skulptur. „Renoir war fest davon überzeugt, in Museen zu gehen, um von anderen Künstlern zu lernen“, sagt Sylvie Patry, Kuratorin der Pariser Ausstellung. Sie umschreibt Renoir: "Man entwickelt den Wunsch, Künstler vor Gemälden zu werden, nicht draußen vor wunderschönen Landschaften."

Interessanterweise kauften einige Sammler, insbesondere der Philadelphia-Erfinder Albert Barnes, zahlreiche Leinwände, und bedeutende Künstler unterstützten Renoirs Bemühungen, obwohl sich die Expertenmeinung gegen seine späteren Werke wandte. „Renoir galt in seinem hohen Alter neben Cézanne für die jungen Avantgarde-Künstler als der größte und bedeutendste moderne Künstler“, sagt Einecke.

Nehmen Sie sein Gemälde Eurydike von 1895-1900. Ausgehend von einer klassischen Pose ist der sitzende Akt mit unverhältnismäßig großen Hüften und Oberschenkeln gegen eine diffus gemalte mediterrane Landschaft mit pastellgrünen und violetten Reflexen ausgestattet. „Nur diese freie Interpretation eines traditionellen Themas, dieses Freiheitsgefühl, hat Picasso in seinen Bann gezogen“, sagt Patry. Eurydike war eines von sieben Gemälden und Zeichnungen von Renoir, die Picasso gesammelt hatte. Der Kurator fügt hinzu, es sei eine wahrscheinliche Inspiration für seine Leinwand Seated Bather Drying Her Feet von 1921. (Trotz der Versuche von Picassos Händler Paul Rosenberg, sie vorzustellen, trafen sich die beiden Künstler nie.) Einecke erinnert sich daran, dass ihre Kunstgeschichtsprofessoren Eurydice und ähnlich monumentale Renoir-Akte als „pneumatische Mädchen mit Michelin-Reifen“ abgetan haben. Sie hofft, dass sich die heutigen Zuschauer mit ihnen identifizieren der klassische Modus, der solche Figuren als Symbole der Fruchtbarkeit betrachtete - und sie als Vorläufer der modernen Akte von Picasso und anderen betrachtete.

Renoirs späte Annäherung an die Tradition verdankte er auch der Niederlassung, nachdem er 1890 eines seiner Modelle, Aline Charigot, geheiratet hatte. Ihr erster Sohn, Pierre, war 1885 geboren worden. Jean folgte 1894 und Claude 1901. „Wichtiger als Theorien war meiner Meinung nach sein Wechsel vom Junggesellen zum verheirateten Mann“, schrieb Jean, der Filmregisseur, in seiner liebevollen Memoiren von 1962, Renoir, My Father .

Jean und Claude Renoir wurden als Modelle von Kindesbeinen an in Dienst gestellt. Für ein Gemälde von 1895 versuchte Gabrielle Renard - die Haushälterin der Familie und ein häufiges Vorbild - den einjährigen Jean als wildes Kind zu unterhalten, das mit Spielzeugtieren spielte. " Gabrielle und Jean zu malen war nicht gerade eine Sinecure", witzelte der Künstler. Claude - der für nicht weniger als 90 Werke saß - musste mit dem Versprechen eines elektrischen Zugs und einer Schachtel Ölfarben bestochen werden, bevor er eine verhasste Strumpfhose für den Clown tragen würde, den Gruß seines Vaters an Jean-Antoine Watteaus früh Meisterwerk Pierrot aus dem 18. Jahrhundert. (Jahre später malte Picasso seinen Sohn Paulo als Pierrot, obwohl diese Arbeit nicht in der aktuellen Ausstellung ist.)

Renoirs spätere Porträts machen kaum einen Versuch, die Persönlichkeit des Darstellers zu analysieren. Was ihn am meisten interessierte, war die Technik - insbesondere die von Rubens, dessen Fähigkeit mit Pigmenten er bewundert hatte. "Schauen Sie sich Rubens in München an", sagte er dem Kunstkritiker Walter Pach. "Es gibt eine prächtige Farbe von außerordentlichem Reichtum, obwohl die Farbe sehr dünn ist."

Renoir war auch weniger daran interessiert, die Realität darzustellen. "Wie schwierig ist es, genau den Punkt zu finden, an dem ein Gemälde aufhören muss, eine Nachahmung der Natur zu sein", sagte er spät in seinem Leben zu dem Maler Albert André, dem er als Mentor diente. Renoirs Porträt von Madame Josse Bernheim-Jeune und ihrem Sohn Henry aus dem Jahr 1910 zeigt eine ausdruckslose Mutter, die ihr ebenso ausdrucksloses Kind in der Hand hält. Als sie an Auguste Rodin appellierte, Renoir zu überreden, ihren Arm dünner aussehen zu lassen, riet der Bildhauer dem Maler stattdessen, nichts zu verändern. "Es ist der beste Arm, den du je gemacht hast", sagte Rodin zu ihm. Er ließ es in Ruhe.

Renoir, ein geselliger Mensch mit scharfem Sinn für Humor, führte mit seiner Frau einen lebhaften Haushalt im Pariser Stadtteil Montmartre. Claude Monet und die Dichter Stéphane Mallarmé und Arthur Rimbaud waren unter den Gästen des Abendessens.

Bei Renoir wurde 1897 rheumatoide Arthritis diagnostiziert. Er folgte der Empfehlung seines Arztes, sich im wärmeren Klima Südfrankreichs aufzuhalten. 1907 kaufte er die Farm Les Collettes in Cagnes-sur-Mer. Renoirs Krankheit würde langsam seine Hände und letztendlich seine Beine lähmen, aber die "Gefahr einer vollständigen Lähmung spornte ihn nur zu erneuter Aktivität an", erinnerte sich Jean Renoir. "Sogar als sein Körper in Verfall geriet", schrieb Matisse, "schien seine Seele stärker zu werden und sich mit einer strahlenderen Fähigkeit auszudrücken."

Im Jahr 1912, als Renoir im Rollstuhl saß, beauftragten Freunde einen Spezialisten aus Wien, ihm zu helfen, wieder zu gehen. Nach einem Monat oder so auf einer stärkenden Diät fühlte er sich stark genug, um ein paar Schritte zu versuchen. Der Arzt hob ihn in eine stehende Position und der Künstler schaffte es mit einer enormen Willensanstrengung, unsicher um seine Staffelei zu wackeln. "Ich gebe auf", sagte er. „Es braucht meine ganze Willenskraft und ich hätte keine mehr zum Malen. Wenn ich mich zwischen Gehen und Malen entscheiden muss, dann male ich lieber. “

Und so tat er es. 1913 kündigte er an, er nähere sich dem Ziel, das er sich vor 32 Jahren nach seiner Italienreise gesetzt hatte. „Ich fange an zu malen“, erklärte der 72-jährige Künstler. „Es hat mich über 50 Jahre gekostet, bis ich so weit gekommen bin, und es ist noch nicht fertig.“ Ein außergewöhnlicher dreiminütiger Stummfilm in der Ausstellung hält ihn 1915 bei der Arbeit fest. bandagierte Faust und Stöße auf die Leinwand. Er lehnt sich zurück, beugt ein Auge vor, um das Gemälde zu betrachten, greift es dann erneut an, bevor er den Pinsel auf seine Palette legt.

Es konnte keine leichte Zeit gewesen sein - seine beiden älteren Söhne waren zu Beginn des Ersten Weltkriegs verwundet worden, und seine Frau starb im Juni dieses Jahres. Während Millionen in den Schützengräben umkamen, baute Renoir in Cagnes einen Arcadia, der sich in zeitlose Themen flüchtete. "Seine Akte und seine Rosen erklärten den Männern dieses Jahrhunderts, die sich bereits tief in ihrer Aufgabe der Zerstörung befanden, die Stabilität des ewigen Gleichgewichts der Natur", erinnert sich Jean Renoir.

Auguste Renoir arbeitete bis zu seinem Tod am 3. Dezember 1919. Zu dieser Zeit enthielten seine Ateliers mehr als 700 Gemälde (insgesamt lebte er ungefähr 4.000). Um eine seiner letzten Arbeiten, The Bathers, von 1918 bis 1919 zu malen, hatte er die Leinwand auf vertikale Rollen legen lassen, die es ihm ermöglichten, während der Arbeit in Stufen sitzen zu bleiben. "Es ist ein verstörendes Gemälde", sagt Patry. Die beiden fleischigen Nymphen im Vordergrund sind „sehr schön und anmutig“, während die Hintergrundlandschaft „einem künstlichen Wandteppich ähnelt“.

Matisse salbte es als Renoirs Meisterwerk, "eines der schönsten Bilder, die je gemalt wurden". Bei einem seiner Besuche in Cagnes hatte er seinen Freund gefragt: Warum quälen Sie sich?

"Der Schmerz vergeht, Matisse", antwortete Renoir, "aber die Schönheit hält an."

Der langjährige Autor Richard Covington schreibt aus seiner Heimat in der Nähe von Paris über Kunst, Geschichte und Kultur.

Pierre-Auguste Renoir (1915) behandelte klassische Themen mit einem "Gefühl der Freiheit", sagt die Kuratorin Sylvie Patry. (Hulton Archive / Getty Images)

Picasso, ein Bewunderer, kaufte Renoirs Eurydike (1895-1900), die sein eigenes Werk beeinflusste. Aber ein Experte sagt, "das Spätwerk von Renoir wurde aus der Kunstgeschichte heraus geschrieben." (Musée Picasso, Paris / Bridgeman Art Library International)

Der weiße Pierrot, c. 1901-2, Renoir. (Das Detroit Institute of Arts, Nachlass von Robert H. Tannahill, Foto © 2009 Das Detroit Institute of Arts, USA / Nachlass von Robert H. Tannahill / Bridgeman Giraudon)

Eine Quelle der Inspiration war Renoirs Haus in Cagnes-sur-Mer im Süden Frankreichs ( The Farm at Les Collettes, 1914). (Nachlass von Charlotte Gina Abrams in Erinnerung an ihren Ehemann Lucien Abrams, 1961 / Metropolitan Museum of Art, New York)

Renoir bemühte sich, "genau den Punkt zu finden, an dem ein Gemälde aufhören muss, eine Nachahmung der Natur zu sein". Der Clown (1909) huldigte Watteau. (Musée de l'Orangerie, Paris, Foto © 2009 Musée de l'Orangerie, Paris / RMN, von Franck Raux)

Selbstbildnis mit weißem Hut, 1910, Renoir. (Privatsammlung mit freundlicher Genehmigung der Galerie Durand-Ruel, Paris, Foto mit freundlicher Genehmigung der Galerie Durand-Ruel, Paris / akg-images)

Renoirs Porträt von Madame Josse Bernheim-Jeune und Sohn (1910) gefiel Renoir, aber nicht ihr. (Musée d'Orsay, Paris / Giraudon / Bridgeman Art Library International)

"Ich werde nicht sterben, bevor ich nicht mein Bestes gegeben habe", sagte Renoir, als er " Die Badenden" (1918-1919) malte. Es war seine letzte große Arbeit. (Musée d'Orsay, Paris / Bridgeman Art Library International)