Nicht lange nachdem Japan in den 1850er Jahren offiziell beschlossen hatte, mit dem Westen zu handeln, kam auch die Fotografie zum Inselstaat. Beide signalisierten eine neue Ära der Moderne.
Das Bestreben, die Seele Japans zu verstehen und darzustellen, wie sie sich vom Imperialisten, Agraristen und Isolator zum Populisten, Globalisten und Städter entwickelte, ist das Thema zweier Ausstellungen, die jetzt in den Smithsonian's Freer und Sackler Galleries in Washington, DC gezeigt werden "Japan Modern: Fotografie aus der Sammlung Gloria Katz und Willard Huyck" und "Japan Modern: Drucke im Zeitalter der Fotografie" teilen viel, sagt Frank Feltens, Kurator der Print-Show.
Beide sind nicht chronologisch geordnet, sondern beide Gruppenbilder in gemeinsamen Themen - Stadt und Land dominieren. Die Fotoshow ist sehr dokumentarisch; viele sind in schwarz und weiß. Die Drucke, die aus geschnitzten Holzblöcken hergestellt wurden, sind mutig, visuell und farbenfroh. Aber, sagt Feltens, "zwischen den beiden Shows fängt man an, immer mehr Gemeinsamkeiten zu finden" - ein Interesse an Oberflächen, Winkeln, Fragmenten.
Die Künstler schauen „auf die Außenwelt, aber stellen sie sich einmal vor, durch die Linse und dann durch die Holzblöcke“, sagt Feltens.
Wie in der westlichen Welt warf die Fotografie einen großen Schatten. Holzschnitte gab es schon seit mindestens einem Jahrtausend, vor allem, um etwas über die Kultur zu vermitteln - Geschichten zu erzählen. Bis zum Ende des 19. Jahrhunderts war die Druckgrafik tot - ein Opfer der einfacheren, billigeren Fotografie.
Das erste bekannte Foto in Japan stammt aus dem Jahr 1848, sagt Feltens. Daguerrotypien waren in Japan - wie auch in Europa und Amerika - sehr beliebt, aber die Fotografie erlebte in den 1920er Jahren einen regelrechten Aufschwung, als tragbare Geräte wie die Westentaschenkamera von Kodak auf den Markt kamen, sagt Carol Huh, Kuratorin der Fotografieshow. Die Westentasche in der Größe einer modernen Kamera mit herausziehbarem Objektiv im Akkordeonstil wurde zwischen 1912 und 1926 hergestellt und erfreute sich in Japan großer Beliebtheit. So entstanden Kameraclubs und die Besu-Tan-Schule für Fotografien Stil.
Ermöglicht wurde die Fotoshow durch die teilweise Schenkung von rund 400 Fotos im Mai 2018, die von Gloria Katz und Willard Huyck, Japan-Fans und Drehbuchautoren, die vor allem für American Graffiti und Indiana Jones sowie den Temple of Doom bekannt sind, gesammelt wurden. Die Sammlung war größtenteils an den Wänden ihres Hauses in Brentwood, Kalifornien, ausgestellt. Huh wählte für die Ausstellung 80 Drucke von zwei Dutzend Künstlern aus, die sich auf diejenigen konzentrierten, die den Weg der japanischen Fotografie beeinflussten.
Simmon: A Private Landscape (# 1), von Hosoe Eikoh, 1971 (Freer | Sackler, Kauf und teilweises Geschenk von Gloria Katz und Willard Huyck) 
Seikan Ferryboat, aus der Serie Karasu (Ravens) von Fukase Masahis, 1976 (Freer | Sackler, Kauf und teilweises Geschenk von Gloria Katz und Willard Huyck) 
Yokosuka, Kanagawa, von Tomatsu Shomei, 1959 (Freer | Sackler, Kauf und teilweises Geschenk von Gloria Katz und Willard Huyck) 
Koen Dori, Shibuya, aus der Serie Karasu (Ravens), von Fukase Masahisa, 1982 (Freer | Sackler, Kauf und teilweises Geschenk von Gloria Katz und Willard Huyck) 
Gipfel des Takachiho-Vulkans, der Präfekturen Kagoshima und Miyazaki, von Hamaya Hiroshi, 1964 (Freer | Sackler, Kauf und teilweises Geschenk von Gloria Katz und Willard Huyck) 
Kamaitachi # 8, von Hosoe Eikoh, 1965 (Freer | Sackler, Kauf und teilweises Geschenk von Gloria Katz und Willard Huyck) 
Mann in einem traditionellen Minobashi-Regenmantel, Präfektur Niigata, von Hamaya Hiroshi, 1956 (Freer | Sackler, Kauf und teilweises Geschenk von Gloria Katz und Willard Huyck) 
Meine Frau auf den Dünen, von Ueda Shoji, ca. 1950 (Freer | Sackler, Ankauf und Teilgeschenk von Gloria Katz und Willard Huyck) 
Boku To Neko (Die Katze und ich), von Ueda Shoji, Ca. 1950 (Freer | Sackler, Ankauf und Teilgeschenk von Gloria Katz und Willard Huyck) 
Evening View, von Moriyama Daido, 1977 (Freer | Sackler, Kauf und teilweises Geschenk von Gloria Katz und Willard Huyck) Die erste Galerie - mit Drucken aus den 1920er und 1930er Jahren - zeigt, wie stark japanische Fotografen von europäischen Zeitgenossen, insbesondere von Weichzeichnern, beeinflusst wurden. „Wir haben eine Art Höhepunkt erreicht, als wir Fotografie als Ausdrucksmedium bejahten - als Kunstmedium und auch als Übergang zu einer moderneren Ästhetik“, sagt Huh. Frühe Fotos dokumentierten die Stadt und das Land - einen Kanal; Weizen weht im Wind. Der Übergang ist in Ishikawa Noborus Licht- und Schattenstudie Barn Roof aus den 1930er Jahren zu sehen, die ein Fragment einer Kuppel mit einem nebligen Hintergrund beleuchtet.
Ein Nachmittag auf dem Berg, ein Silbergelatineabzug von Shiotani Teiko aus dem Jahr 1931, könnte ein abstraktes Gemälde sein. Ein einsamer, winziger Skifahrer scheint sich den scharfkantigen grauen Abhang hochzukämpfen, der sich über das untere Viertel des Fotos zieht und es vom ebenso grauen Himmel trennt. Teiko schoss größtenteils in der Präfektur Tottori an Japans Westküste und schuf aus seinen riesigen Dünen und Bergen. "Die Landschaft wird eine Gelegenheit für diese Studien der Form", sagt Huh.
Teiko machte auch skurrile Drucke unnatürlich gebogener Objekte - ein Vorläufer des Surrealismus, der in der Arbeit seines Schülers Ueda Shoji so deutlich wurde. Shojis 1950er My Wife on the Dunes zeigt seinen im Kimono gekleideten Gatten, der von rechts in den Vordergrund starrt und an den Knien abgeschnitten ist. Zu ihrer Rechten stehen drei Männer in Geschäftsanzügen, die in verschiedene Richtungen blicken und hinter denen riesige Schatten auftauchen. Surreal zeigt es auch ein Japan, das mit seinem alten Erbe und seiner modernen Bildsprache zusammenlebt.
Viele der Fotos untersuchen dieses Zusammenspiel, insbesondere als Japan nach innen blickte und sich der Realität der Verwüstung des Zweiten Weltkriegs und dem Wiederaufbau und der Neugestaltung des Landes stellte.
Japan ist die einzige Nation, die jemals den Zorn einer Atombombe erlebt hat. Die Show berührt Nagasaki, wo die Amerikaner am 9. August 1945 um 11:02 Uhr eine Bombe auf die Stadt von 200.000 abgeworfen haben. Japan verbot das Fotografieren nach Nagasaki und Hiroshima, aber ungefähr 16 Jahre später - 1961 - das Der japanische Rat gegen Atom- und Wasserstoffbomben beauftragte Tomatsu Shomei, die Genesung der Stadt zu dokumentieren. „Es war zu der Zeit für viele Japaner nicht ungewöhnlich, dass sie nicht gesehen haben, was dort passiert ist“, sagt Huh. Das schloss Shomei ein. Er vertiefte sich in Nagasakis Stoff und fotografierte das aktuelle Leben, Bombenüberlebende und Objekte im heutigen Atombombenmuseum.
Eine davon auf einem einfachen Hintergrund: Eine Armbanduhr hielt um 11:02 Uhr an. Eine Flasche, die durch die Explosion verzerrt wurde, nimmt eine störend menschliche Form an. "Es sieht aus wie ein Kadaver", sagt Huh. Shomeis Buch 11:02 Nagasaki ist eine persönliche Abrechnung und ein Schlüsseldokument dieses schrecklichen Ereignisses.
Er war auch besessen von der Besetzung Japans durch die Amerikaner nach dem Krieg, die 1952 offiziell endete, und fotografierte diese. Die Auswirkungen waren jedoch von Dauer. Viele der Bilder zeigen die Neugier und Bestürzung der Fotografen gegenüber diesen Ausländern, die sich in ihre Nation eingefügt hatten. Die Show enthält einige Drucke aus Yamamura Gashos Serie von 1959 bis 1962 in Washington Heights, einem amerikanischen Wohngebiet in Tokio. In einer drückt sich eine Gruppe boshaft aussehender schwarz-weißer Kinder gegen einen Maschendrahtzaun. Gasho ist buchstäblich „außerhalb des Zauns und schaut sich diese seltsame Transplantation mitten in Tokio an“, sagt Huh.
Die Show endet mit der 2009 erschienenen Diorama Map of Tokyo, einer Collage des 36-jährigen Künstlers Nishino Sohei. Er wanderte durch Tokio, machte Straßenansichten und wiederholte ein ähnliches Projekt aus dem späten 19. Jahrhundert, bei dem die ersten gemessenen Karten Japans erstellt wurden. Sohei schnitt winzige Abzüge aus Kontaktbögen aus, legte sie nebeneinander ab und fotografierte sie dann erneut für den endgültigen Druck. "Der Akt der Zusammenstellung erinnert an diese Reise", sagt Huh.
Vor der Fotografie wäre diese Art von Tokio-Kartierung durch Holzdruck in geringerem Umfang entstanden. Die Drucker hatten jedoch Mühe, ihre Relevanz angesichts der zunehmenden Popularität der Fotografie zu beweisen. Bereits in den 1870er Jahren begannen sie, ihre Arbeitsweise zu verändern. Shinbashi Railway Station, ein heller, mehrfarbiger Druck von 1873, war ein Beispiel für den neuen Stil, der Backsteingebäude und einen Zug vor dem Bahnhof von Yokohama in den Schatten stellte.
Die Proportionen zwischen den Figuren und Gebäuden waren genau und es hat einen fotografischen Sinn für Perspektive, sagt Feltens. Aber die knalligen Farben waren "nachdrücklich unphotographisch" - ein Versuch, mit dem Medium zu konkurrieren, das damals auf Schwarz und Weiß beschränkt war.
Die Bemühungen scheiterten jedoch kläglich - und die Druckproduktion verlief reibungslos. In den 1920er Jahren versuchten zwei neue Bewegungen, Drucke wieder zum Leben zu erwecken. In der "New Print" -Schule glaubte ein Verlag, er könnte Westler - die idealisierte fotografische Ansichten aufnahmen, die ein Japan darstellten, das gleichzeitig perfekt modern und uralt war - mit Holzschnitten anlocken, die ähnliche sentimentale Porträts boten.
Shin-Ohashi aus dem Jahr 1926 versucht dies. Es ist eine Nachtszene, in der das Flackern eines Gaslichts vom Stahlgestell einer Eisenbahnbrücke reflektiert wird. Währenddessen zieht ein Mann mit traditionellem Strohhut eine Rikscha, während eine Frau in Kimono-Kleidung mit einem großen Sonnenschirm hinter ihm steht. Es war ein nackter Versuch, die Fotografie zu übertreffen (Bilder konnten nachts nicht aufgenommen werden) und Ausländer zufriedenzustellen. „Solche Drucke wurden bis heute nicht an Japaner verkauft“, sagt Feltens. Sie wurden auch als zu sammelnde Kunstwerke geschaffen - eine neue Richtung für Drucke.
In den 1930er Jahren begann sich die „kreative“ Bewegung zu entwickeln. Die japanischen Druckhersteller hatten die Idee, dass das Genie des Schöpfers sichtbar sein sollte, von der westlichen Kunst aufgegriffen. So fügten die Druckereien Unterschriften - oft in englischer Sprache - und Editionsnummern zu ihren Werken hinzu. Dies war nicht mehr die Produktion einer Armee von Schnitzern, die ihre Arbeit an eine Druckerei abgaben.
Die Drucker verwendeten immer noch Holzklötze, jedoch auf immer raffiniertere Weise. Die Farbe war ein wichtiges Merkmal. Und die Perspektive war immer noch sehr fotografisch.
Ito Shinsui ist 1938 Mt. Fuji vom Hakone Observatory ist ein Meisterwerk der fotografischen Perspektive und Haptik. Das einzige Merkmal ist die Auswahl an Blau-, Weiß- und Brauntönen.
Viele der 38 Drucke in der Ausstellung sind von beeindruckender Kunstfertigkeit - ein Punkt, auf den Feltens gehofft hatte. „Wir wollten die Breite von Farben und Schattierungen zeigen, und diese Explosion der Kreativität geschah gerade ab den 1930er-Jahren. „Diese Leute kannten in Bezug auf Kreativität keine Grenzen“, sagt Feltens.
Wie die Fotoshow zeigen die Drucke, dass die Künstler „einen analytischen Blick auf Japan hatten“, sagt Feltens. Im Gegensatz zu den Fotografen nahmen die Druckereien jedoch keine direkten oder indirekten politischen Kommentare oder Beobachtungen zum Zweiten Weltkrieg vor.
Aber es gibt eine Verbindung zu diesem Krieg, sagt Feltens. Viele Drucksammler - einschließlich Ken Hitch, der dem Freer | Sackler eine gute Anzahl der Drucke in der Show auslieh - lebten während der amerikanischen Besetzung in Japan.
Sowohl die Druckgrafiker als auch die Fotografen hatten Mühe, in Japan als bildende Kunst anerkannt zu werden, sagt Feltens. Ironischerweise seien Drucke, die durch die Fotografie fast ausgelöscht worden seien, die ersten gewesen, die als wahre Kunstform anerkannt worden seien, sagt er.
"Japan Modern: Fotografie aus der Sammlung von Gloria Katz und Willard Huyck", kuratiert von Carol Huh, und "Japan Modern: Drucke im Zeitalter der Fotografie", kuratiert von Frank Feltens, sind beide in den Smithsonian's Freer und Sackler Galleries in zu sehen Washington, DC bis 24. Januar 2019.
