Dieser Beitrag ist Teil unserer fortlaufenden Reihe, in der ATM gelegentlich Beiträge von Gastbloggern der Smithsonian Institution einlädt : von Historikern, Forschern und Wissenschaftlern, die die Sammlungen und Archive der Museen und Forschungseinrichtungen pflegen. Heute widmet sich Amy Henderson von der National Portrait Gallery dem Kino als Kunst. Sie schrieb uns zuletzt, dass David McCullough das Smithsonian besuchte.
Was ist mit dem „bewegten Bild“, das uns aufhält? Wenn jemand ein Video auf Ihrer Facebook-Pinnwand postet, klicken Sie sich dann nicht mit größerer Wahrscheinlichkeit durch als zu anderen Links? Warum schauen wir Filme auf unseren Handys? Warum gibt es eine Fußgängerzone am Times Square, in der Millionen von Menschen in Liegestühlen sitzen und Bilder betrachten, die in Surround-Sound zurückstrahlen? In Museen drängen sich die Besucher immer in den bewegten Bildergalerien. Warum stimuliert Video so den Geist?
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts, als der Film still und die Schauspieler anonym waren, strömten die Menschen in die Kinos, um Projektionen auf der Leinwand zu sehen. Nach dem Aufkommen von "Talkies" schufen die Hollywood-Studios ein Paralleluniversum von "überlebensgroßen" Stars. Frauen haben ihre Haare platinblond gebleicht, als Hommage an Jean Harlow in Red Dust, und Männer haben Martinis getrunken, als wären sie William Powell in The Thin Man. Wir wollten tragen, was Stars auf dem Bildschirm trugen: Mitten in der Depression verkaufte die Näherei Butterick 500.000 Muster des Puffärmelkleides, das Joan Crawford 1932 in Letty Lynton trug. Es wird sogar empfohlen, günstigere Materialien für die Kanalisation zu verwenden, um die Seide des Filmstars zu ersetzen. Die Entrückung scheint grenzenlos.
Ich bin fasziniert davon, wie Filme Kultur definieren. Das Amerika vor dem Film wird in verschiedenen Medien aufgezeichnet, aber nichts bewegt sich - alles, was wir aus dieser Zeit untersuchen müssen, ist statisch, wie zarte Schmetterlinge in einer Vitrine. Und in der Tat fällt es uns schwer, uns vorzustellen, wie sich diese Personen mit Standbildern bewegen, atmen, sprechen, gehen, singen und sogar nur ihren täglichen Routinen nachgehen. Wenn ich Besucher durch die Ausstellung „America's Presidents“ der Portrait Gallery führe, erinnere ich sie daran, dass wir nicht wirklich wissen, wie unsere Gründerväter aussahen, außer wie sie von verschiedenen Künstlern dargestellt wurden. und wir können nur raten, wie sie geklungen haben.
Der maltesische Falke des Kriminalromanautors Dashiell Hammett wurde 1931 für den Film adaptiert. (Mit freundlicher Genehmigung der National Portrait Gallery (c) 1937 Edward Biberman) Ich dachte darüber nach, wie viel Kraft der Film in letzter Zeit hat, als ich mich darauf vorbereitete, The Maltese Falcon in der Portrait Gallery vorzustellen. Dieser Film von 1941 war John Hustons Debüt als Regisseur und Humphrey Bogarts Übergang vom Typografie-Gangster zum Star. Es ist eine unverkennbare Depressions-Ära in ihren noirischen Schatten; Wie der gleichnamige Roman von Dashiell Hammett aus dem Jahr 1930 klammert sich der Film wie eine Wochenschau an; Privatdetektiv Sam Spade (Bogart), der dicke Mann (Sydney Greenstreet) und Joel Cairo (Peter Lorre) sind kühn gezeichnet und sprechen in einem Schnellfeuerdialog, der den Stakkato-Takt des Films verstärkt. Der eingefangene Moment der Geschichte lässt wenig Zeit für Nuancen oder Subtilität; Die Erzählung bewegt sich rücksichtslos und unerbittlich .
Dieser Stakkato-Beat ist ein Thema, das ich hervorhole, wenn ich Menschen durch die Ausstellung der Portrait Gallery der 1920er bis 1940er Jahre führe - Jahre, in denen das moderne Amerika aufkam. Zwischen 1890 und den 1920er Jahren waren 23 Millionen Einwanderer an den Ufern Amerikas angekommen. Die meisten stammten aus Süd- oder Osteuropa. Nur wenige sprachen Englisch. In dieser Zeit veränderte sich das Gesicht des Landes. Gleichzeitig verwandelte sich die pastorale Landschaft von Emerson und Thoreau in Stadtlandschaften: Die Volkszählung von 1920 zeigte, dass Amerika zum ersten Mal mehr urban als ländlich war. New York entwickelte sich zu einem riesigen Zentrum der Konsumkultur, einem Plakat- und Neonofen, der - in einer meiner Lieblingsphrasen - „eine atemberaubende Maschine der Begierde“ war. Es war eine Stadt, die Gershwins Rhythmen, Martha Grahams Choreografie, ihren Puls gab und Dashiell Hammetts hartgesottene Fiktion.
"Moving Pictures" waren eine perfekte Metapher für Amerikas sich schnell verändernde Stakkato-Kultur. In der Dynamik des New Yorker Straßenlebens auftauchend, gewannen Filme sofort als Pop-up-Unterhaltung Erfolg, als Unternehmer wie Adolph Zukor, Louis B. Mayer und William Fox in den Einwandererhäusern der Lower East Side Schaufensterbühnen errichteten. Die Sprache war kein Hindernis, so dass Stummfilme ein fertiges Publikum hatten.
Die Fähigkeit von Filmen, uns zu transportieren, ist eine der Hauptattraktionen dieses Mediums geblieben. Die Ironie ist, dass der Film zwar ein bemerkenswertes kulturelles Dokument ist, das die Zeit einfriert, uns aber auch aus dem Alltäglichen entfernt.
Allison Jessing, eine Programmkoordinatorin, die hier in der Portrait Gallery und im Smithsonian American Art Museum Filmreihen organisiert, sagte mir: „Film kann genauso subversiv, kraftvoll und emotional resonant sein wie Malerei, Skulptur oder jede andere traditionelle Kunstform.“ Sie ist der Ansicht, dass die Smithsonian-Theater als eigenständige Galerien betrachtet werden sollten, die „Meisterwerke so präsentieren, wie wir Kunstwerke ausstellen, die auf einem Sockel stehen oder an einer Wand hängen.“ Eine Möglichkeit, wie Jessing dies tut, besteht darin, sich den „Pop“ zu leihen -up Entertainment “-Technik der frühen Unternehmer des Films. Zu diesem Zweck haben die Museen im Kogod Courtyard eine aufblasbare 16-Fuß-Leinwand gekauft, auf der Filme projiziert werden können, und Allison wird die Leinwand für eine überlebensgroße Serie verwenden, die sie „Courtyard Cinema Classics“ nennt.
In Kürze werden Filme im Kogod Courtyard auf einem 16-Fuß-Popup-Bildschirm angezeigt. (Foto von Allison Jessing) Am 15. November wird der erste Teil der Serie vorgestellt - der A Connecticut Yankee von 1949 in King Arthurs Court, ein Zeitreisemusical mit Bing Crosby und Rhonda Fleming. Ich freue mich sehr, diesen Film vorstellen zu können, der (sehr grob) auf Mark Twains gleichnamigem Roman von 1889 basiert. Ich kann meine Boa tragen.
Filme in Museen zu zeigen, beweist einmal mehr, dass Sam Spade Recht hatte: Sie sind das Zeug, aus dem Träume gemacht sind.
