Hören Sie gut zu, denn vor 100 Jahren, am 29. Mai 1913, explodierte der Schock des Neuen in einem Pariser Theater, als Diaghilevs Ballets Russes Strawinskys Frühlingsritus aufführte . Das Publikum im Theater des Champs-Elysees, das voller Bedeckungen und Bejeweled war, brach beim Volkstanz und bei der unstimmigen Musik, mit der sie konfrontiert waren, aus. Anstelle der Anmut und Tradition von Balletten wie Tschaikowskys Schwanensee löste die unzusammenhängende Choreografie und die heidnische russische Vertonung des Frühlings eine Schlägerei aus: Worüber stampfte der ganze Fuß? Wo war der Tutus der Tradition? Zur Überraschung und Bestürzung des Publikums war „Modernism“ gerade mit einem riesigen Beckencrash angekommen.
Serge Diaghilev und Igor Strawinsky beabsichtigten, diese Performance als Proklamation der Moderne zu nutzen - ein Spektakel, das die traditionellen Grenzen in Kunst, Musik und Tanz sprengen sollte, um etwas völlig Neues und Innovatives zu präsentieren. Die Idee des Tanzes als Spektakel hat mich fasziniert, als ich am 4. Oktober eine Ausstellung in der Portrait Gallery über Tanz in Amerika organisiert habe. Ohne Aufruhr zu schüren, hat das Spektakel eine entscheidende Rolle im Tanz gespielt, von Ziegfelds Follies bis Beyonces Bühnenshows; Das Publikum ist immer von Federn, Pailletten und schönen Bewegungen gefesselt. Wie die Komponisten-Texter Kander und Ebb in Chicagos Titelsong "Razzle Dazzle" geschrieben haben , "Give 'em a Act mit viel Blitz". Und die Reaktion wird leidenschaftlich sein.
Igor Strawinsky von Alvin Langdon Coburn. Silbergelatineabzug, 1921 (Foto mit freundlicher Genehmigung der National Portrait Gallery) Ich mag es geblendet zu werden. Und als eingefleischter Kulturforscher bin ich immer auf der Suche nach dem „Wow“ -Faktor - dem magischen Ding, das Ihre Augen zum Platzen bringt. In der darstellenden Kunst kann es ein atemberaubender Moment auf der Bühne oder auf der Leinwand sein, ein großartiger Sprung eines Tänzers in die Ozonschicht oder eine aufregende Stimme, die einen atemlos macht. Dies sind kristalline Momente, die Ihre Psyche für immer brandmarken.
In letzter Zeit hat mich ein paar außergewöhnliche Darbietungen beeindruckt - ein Konzert des Philadelphia Orchestra unter ihrem neuen, elektrisierenden Dirigenten Yannick Nézet-Séguin und eine Kennedy Center Gala-Darbietung von My Fair Lady, in der Jonathan Pryce und Laura Michelle Kelly Sie gemacht haben Ich glaube, sie haben zum ersten Mal die Rollen von Professor Higgins und Eliza geschaffen.
Aber ich war auch begeistert von einer Mega-Ausstellung, die gerade in der National Gallery of Art eröffnet wurde: „Diaghilev und die Ballets Russes, 1909-1929: Als Kunst mit Musik tanzte.“ Baz Luhrmann hat vielleicht viel Glamour und Kunst verwendet glitzert in seiner neuen 3-D-Version von The Great Gatsby, aber die Galerie hat Diaghilevs glitzernde Welt in einer üppigen Darstellung der realen Dinge geschaffen - der Kunst, Musik, Tanz und Kostüme, die vor einem Jahrhundert die „Suche nach dem Neuen“ ausdrückten . Diaghilev „wollte sich nie auf seinen Lorbeeren ausruhen“, erklärt die Ausstellungsko-Kuratorin Sarah Kennel. Er war immer innovativ und gestaltete neu. “
Michel Fokine von Clara Sipprell. Silbergelatineabzug, 1923, Nachlass von Phyllis Fenner (National Portrait Gallery) Die Ausstellung wurde 2010 erstmals in London in Zusammenarbeit mit der National Gallery of Art und dem Victoria and Albert Museum eröffnet. Die Ausstellung der Galerie ist eine Mischung aus dieser Ausstellung, die 80 Werke aus der V & A-Sammlung umfasst und etwa 50 neue Objekte hinzufügt. "Diaghilev" zeigt die erstaunlichen künstlerischen Partnerschaften des russischen Impresarios und beleuchtet Komponisten wie Strawinsky, Prokofiev und Satie sowie Künstler wie Bakst, Picasso und Matisse. Zwei bedeutende Diaghilev-Choreografen - Michel Fokine, der in den ersten Jahren mit ihm zusammengearbeitet hat, und George Balanchine, der am Ende von Diaghilevs Leben mit den Ballets Russes arbeitete, würde in die USA auswandern; Fokine gründete eine Ballettschule in New York, und Balanchine hatte einen ikonischen Einfluss auf den amerikanischen Tanz, sowohl am Broadway als auch im Ballett.
Pablo Picasso Kostüm für den chinesischen Beschwörer aus Parade 1917 (© Victoria und Albert Museum, London) Die fünf großen Ausstellungsbereiche sind chronologisch geordnet und erzählen die Geschichte von Diaghilevs Karriere: „Die ersten Staffeln“, „Vaslav Nijinsky - Tänzer und Choreograf“, „Die russische Avantgarde“, „Die internationale Avantgarde“ und „Moderne“. Neoklassizismus und Surrealismus. “Es gibt auch eine faszinierende audiovisuelle Komponente, die seltene Aufnahmen der Ballets Russes und Nijinsky, Rudolf Nureyevs, der am Nachmittag eines Fauns auftritt , und Michail Baryshnikov, der den verlorenen Sohn tanzt, enthält .
Vor dreißig Jahren hätte man diese fabelhafte Ausstellung als „Blockbuster“ bezeichnet. In der zeitgenössischen Museumssprache ist dieses Wort unangebracht: Blockbuster fielen irgendwann in das Fadenkreuz des kritischen Harrumphing, und die heutige Museumswelt befürwortet oft ein reduktionistisches Vertrauen graue Wände und graue Teppiche eher als extravagante Ansätze. Als jemand, der in der Blockbuster-Ära begann, finde ich, dass der Mangel an Blendung heute eine beunruhigende Bemerkung darüber ist, inwieweit sich Museen von einem öffentlichen Hunger nach Inspiration distanziert haben.
Henri Matisse Kostüm für einen Trauernden aus The Song of the Nightingale, 1920 Wollfilz und Samtoverall (V & A, London) Aber die Diaghilev-Ausstellung hat mich in dem Moment zum Lächeln gebracht, als ich in seine Umarmung trat: Vom Perlenkostüm von Boris Godunow Schaljapin im Jahr 1908 bis zum riesigen Bühnenvorhang von The Blue Train (1924) ist die Diaghilev-Show eine Erinnerung daran, was Ausstellungen sein können.
Mark Leithauser ist Chefdesigner und leitender Kurator der National Gallery of Art und hat hier eine enorme Welt des Wow geschaffen. Er war für die Gestaltung vieler der Wahrzeichen des Museums verantwortlich und sprach mit mir darüber, dass der Begriff „Blockbuster“ eigentlich nichts mit Größe zu tun hat: Es geht um ein Phänomen. Der erste Blockbuster, "King Tut", hatte nur 52 Objekte. Als es 1976 in der Galerie eröffnet wurde, standen die Leute stundenlang in der Schlange. Regisseur J. Carter Brown sagte, die Show sei wegen der "reinen visuellen Qualität" und des "atemberaubenden Alters" der Objekte sowie wegen des tollen Gefühls, auf Schatzsuche zu sein, sehr beliebt. Andererseits hatten „Treasure Houses of Britain“ im Jahr 1985 über tausend Objekte und halfen dabei, „Größe“ mit der populären Idee des Blockbusters in Verbindung zu bringen.
Leithauser ist der festen Überzeugung, dass eine Ausstellung im Geschichtenerzählen verwurzelt sein sollte. In „Treasure Houses“ ging es um 500 Jahre Sammeln in Großbritannien, aber auch um 500 Jahre architektonische Transformation im britischen Landhaus - eine Transformation, die an die in der Ausstellung geschaffenen architektonischen Szenen und Umgebungen erinnert.
Serge Diaghilev (© Victoria und Albert Museum, London) Für die Diaghilev-Show sagte Leithauser, das Design müsse so theatralisch sein wie die Geschichte - die Installation müsse ein theatralisches Erlebnis schaffen, das Diaghilevs Welt umfasse. Leithauser zufolge müssen Ausstellungen „das sein, was sie sind“.
Die Fähigkeit des Designers, die Bühne so brillant zu gestalten, ermöglicht es den Besuchern, Diaghilevs künstlerische Kollaborationen sowohl intellektuell als auch viszeral zu verstehen. Leithauser ist ein Schausteller, der das Spektakel schätzt: Daumen hoch für Blendung!
