Vergessen Sie spektakuläre Blattfarben und kühlere Temperaturen: Mit der Fashion Week im September beginnt die Herbstsaison. Wie neue Saisons in Musik, Theater, Tanz und Kunst signalisiert die Fashion Week einen Neuanfang. Was ist neu und wunderbar? Wie sollen wir uns diesmal erfinden? Zurückhaltend und untertrieben? Auffällig aber schick? Unentschieden?
Mode ist nicht nur ein Lieblingssport für Jagdhunde, sondern auch ein heißes Thema in der heutigen Kulturwelt. Project Runway hat Legionen von Fans. Mode taucht aber auch in der Museumswelt als Resonanzthema auf. Solche Ausstellungen mit hohem Bekanntheitsgrad wie „Aware: Art Fashion Identity“ an der Royal Academy of Arts in London im Jahr 2010 und die Show „American Women: Fashioning a National Identity“ des Costume Institute im Jahr 2010 sowie „Alexander McQueen: Savage“ im Jahr 2011 Beauty “haben die Mode in zeitgenössischen Identitätsforschungen in den Mittelpunkt gerückt.
Die erste Fashion Week wurde 1943 uraufgeführt, als die Idee der Werbemacherin Eleanor Lambert geboren wurde. Der Medienbegeisterte Lambert, zu dessen Kunden Jackson Pollock und Isamu Noguchi gehörten, war an der Gründung des Museum of Modern Art beteiligt. Ihre größte Leidenschaft galt jedoch der Mode. 1940 schuf sie die „International Best Dressed List“ (die sie jahrzehntelang kuratieren würde) und mitten im Zweiten Weltkrieg entschied sie, dass es an der Zeit war, Paris zu entthronen und mit der Einführung der Fashion Week den Vorrang der amerikanischen Mode zu erklären in New York.
Diana Vreeland von Richard Ely Crayon, Tinte und Gouache auf Papier 1989 (National Portrait Gallery, Smithsonian Institution © Richard Ely) Gleichzeitig entwickelte sich Diana Vreeland auf Harper's Bazaar zu einer Naturgewalt . Die Herausgeberin Carmel Snow stellte sie 1936 ein, und sie machte sich schnell einen Namen mit ihrer Kolumne „Why Don't You?“. Diese Ausflüge waren wild exzentrisch, und Vreeland stellte fröhlich Fragen wie: „Warum spülst du nicht… deine blondes Kinderhaar in totem Champagner, wie in Frankreich ?. . . (und) die Zöpfe wie Makronen um die Ohren wickeln? "
Während des Krieges wurde Vreeland ein großer Förderer amerikanischer Designer. Als sie über den Start der Fashion Week im Jahr 1943 schrieb, lobte sie die "Integrität und das Talent der amerikanischen Designer". Statt der Pariser Couture argumentierte sie, dass der dominierende Stil amerikanisch geworden sei und aufregende neue Designer für "amerikanischen Stil und den amerikanischen" stehen Lebensstil."
Vreelands blinzelfreies Auge achtete auf alles, was sie umgab - sartorial, literarisch, künstlerisch. Für sie waren Haltung und Geste der Schlüssel: „Du musst Stil haben. . . .Es ist eine Lebensweise. Ohne sie bist du niemand. “Sie prägte jeden Teil des Magazins, wählte die Kleidung aus, überwachte die Fotografie und arbeitete mit den Models. "Ich weiß, was sie anziehen werden, bevor sie es anziehen, was sie essen werden, bevor sie es essen, und ich weiß, wohin sie gehen, bevor es überhaupt da ist!"
Der Fotograf Richard Avedon, der fast 40 Jahre lang mit ihr zusammengearbeitet hat, sagte: „Diana lebte aus Fantasie und Disziplin und schuf einen völlig neuen Beruf. Sie erfand den Fashion Editor. Vor ihr waren es Gesellschaftsdamen, die andere Gesellschaftsdamen in den Schatten stellten. “Bei Vreeland verlagerte sich der Fokus von der sozialen Klasse auf die Persönlichkeit:„ Hinreißende Persönlichkeiten “, schwärmte sie, „ sind die faszinierendsten Dinge der Welt - Gespräche, Interessen der Menschen, die Atmosphäre, die sie um sie herum schaffen. “
In ihren 26 Jahren auf dem Harper's Bazaar (1936-62) und ihrem fast zehnjährigen Aufenthalt in der Vogue (1962-71) hat Vreeland ihren visionären Sinn für Stil durch bemerkenswerte Fotografien vermittelt. Auf dem Bazaar arbeitete sie vor allem mit Louise Dahl-Wolfe an historischen Dreharbeiten wie der im Januar 1942 im Haus „Ship Rock“ des Architekten Frank Lloyd Wright in Arizona gedrehten Modestory zusammen, in der Vreeland selbst als Model auftrat stellte eine damals unbekannte Lauren Bacall vor, die daraufhin nach Hollywood verschleppt wurde, um mit Humphrey Bogart in To Have and Have Not mitzuspielen.
Vreeland - der immer in Superlativen sprach - etablierte einen unverwechselbaren Look, der ihre Leser dazu aufrief, mutig, einfallsreich zu sein: „Mode muss die berauschendste Erlösung von der Banalität der Welt sein“, erklärte sie einmal. "Wenn es nicht in Mode ist, fantasiere es!"
Als sie 1971 die Vogue verließ, überlegte sie: „Ich war erst 70 Jahre alt. Was sollte ich tun, wenn ich in Rente gehe ?“ Tom Hoving, Direktorin des Metropolitan Museum of Art, lud sie ein, Spezialberaterin am Met's Costume Institute zu werden, und sie machte sich schnell daran Schaffung einer 3-D-Fantasy-Welt, die nicht von einer Zeitschrift verbreitet wurde. Licht, Requisiten, Musik und Bühnenbilder wurden zusammengestellt, um Ausstellungen zu schaffen, die Themen von Ballets Russes bis Balenciaga zelebrierten. Ihre Shows waren äußerst beliebte Inspirationsquellen für das zeitgenössische Publikum und haben das Costume Institute wiederbelebt. Vor ihrem Tod 1989 kuratierte Vreeland 14 Ausstellungen und setzte sich erfolgreich für die Akzeptanz von „Mode als hohe Kunst“ ein - die Idee, dass Kleidungsstücke so meisterhaft sind wie traditionelle Kunstwerke wie Malerei und Skulptur.
In ihrem 1980 erschienenen Buch Allure wagte Vreeland es, mit Leidenschaft und Fantasie zu leben. Die Kreativität des Einzelnen müsse in ständiger Bewegung sein, weil „das Auge reisen muss“. Ich bat Ricki Peltzman, Inhaber von Washington's Upstairs in der 7. Boutique und anerkannter Modekurator, die nachhaltige Wirkung von Vreeland auf die Mode zu bewerten. „Mode ist Stil. Es ist persönlich. Jeden Tag zeigen wir der Welt, wie wir uns fühlen, ohne ein Wort zu sagen. Und niemand hat es besser gesagt als Diana Vreeland. “
Die Kulturhistorikerin der National Portrait Gallery, Amy Henderson, schrieb kürzlich über Walter Cronkite und die olympischen Athleten.
