Als der in Chile geborene Fotograf Camilo José Vergara 1978 zum ersten Mal auf ihn aufmerksam wurde, war er eines der letzten Überreste des alten Harlem - der Purple Manor Jazz Club mit markanten gewellten Fensterscheiben, die entsprechend bemalt wurden.
Aber in den fast vier Jahrzehnten, in denen er die Fassade der 65 East 125th Street in Harlem fotografierte, sah Vergara, dass sie sich manchmal ein paar Mal im Jahr in mehr als ein Dutzend verschiedene Inkarnationen verwandelte - ein Mikrokosmos der schnellen Veränderungen in der Nachbarschaft.
Wie in der neuen Show "Down These Mean Streets: Gemeinschaft und Platz in der Stadtfotografie" im Smithsonian American Art Museum in mehr als 21 Drucken dramatisch zu sehen ist, wurde das Haus 1980 in zwei Geschäftsfronten aufgeteilt, von denen nur eine noch über die unverwechselbare Fenster. Der andere war zu einem Fisch- und Pommes-Frites-Laden geworden.
Bald war das vorbei, 1981 wurde es durch einen Discounter ersetzt, und die gewellten Fenster auf der rechten Seite waren verschwunden. Vor dem Ende dieses Jahrzehnts war der Laden auf der linken Seite ein Büro, dann ein Küchenschrankladen, während auf der rechten Seite eine 24-Stunden-Raucherei entstand, die es schaffte, fast ein Jahrzehnt durchzuhalten.
Während dieser Zeit war die linke Seite eine von Graffiti gezeichnete Unisex-Boutique, die zum Schönheitssalon wurde, und dann ein Bekleidungsgeschäft, das im laufenden Jahr (2001) aktiv wurde. Dann ging das Gerüst nach oben und es war ein weiterer allgemeiner Showroom für städtische Matratzen. Es hat nicht gedauert; es wurde in den neuesten Bildern der ausgestellten Serie in eine Universal Church verwandelt.
"Während wir die Fotos durchgehen", sagt E. Carmen Ramos, Kuratorin für lateinamerikanische Kunst im Museum, "sehen wir die langsame Erosion der Geschichte und den Einfallsreichtum von Bewohnern und Geschäftsinhabern im Umgang mit begrenzten Ressourcen in der Zeit von die städtische Krise. “
Die „Urban Crisis“ - eine Zeit, in der die Produktion in US-amerikanischen Städten zusammenbrach, Weiße auszogen und die Armut der seit den 1960er Jahren Zurückgebliebenen zunahm - steht in der Ausstellung von zehn Fotografen im Vordergrund, von denen jeder auf seine Weise den Wandel der amerikanischen Städte dokumentierte in der letzten Hälfte des 20. Jahrhunderts.
Eine weitere Serie in der Ausstellung, Public Transit Areas von Anthony Hernandez, zeigt den Einfluss auf der anderen Seite des Landes in Long Beach, Kalifornien, wo diejenigen, die von der aufkeimenden Auto- und Autobahnkultur verschont geblieben sind, in acht verschiedenen 16 mal 20-mal-20-Stadien zu sehen sind. Zoll große Schwarzweißdrucke, die scheinbar ewig an Bushaltestellen neben breiten, größtenteils leeren städtischen Straßen warten. Welche Autos dort vorbeifahren, ist unscharf.
„Man merkt, wie oft ältere Menschen oder Afroamerikaner oder Latinos auf den Bus warten“, sagt Ramos. "Eine Sache, die Sie nie in dieser Serie sehen, ist Busse."
Während einige trostlose Stadtlandschaften sehen, haben sich einige Künstler vorgestellt, was sie sein könnten.
Ruben Ochoa kreiert einen großen Lentikularabdruck, der sich zu verschieben scheint, wenn man auf ihn zugeht. Er beseitigt einen Teil der Mauer der Interstate 10, die sich durch East Los Angeles schlängelt, und enthüllt etwas von dem üppigen Grün, das sie beseitigt.
Ähnliche Möglichkeiten für vergessene urbane Orte bietet der in Newark geborene Künstler Manuel Acevedo aus New Jersey, der die Knochen möglicher Strukturen skizziert, die sich aus ansonsten leeren Grundstücken ergeben.
"Was ich tun wollte, war diese Scheinvorschläge für diese Interventionen zu erstellen", sagt Acevedo. Er zeichnet sie auf seinen Originaldruck, fotografiert sie erneut und vergrößert sie auf eine heldenhafte Größe wie den 40 mal 60 Zoll großen Druck einer verbotenen Ecke in Newark.
Zwei seiner gezeichneten Vorschläge für ein leeres Grundstück in Harford deuten auf ein Gebäude oder ein Stadion hin. ein anderer sieht eher aus wie ein Zaun, der die leuchtenden Türme der Innenstadt von den weniger glücklichen Weiten trennt.
Einige würden erwarten, die trostlosen städtischen Landschaften der Südbronx in einer solchen Show zu sehen, und einige sind dort, aber Werke von Oscar R. Castillo zeigen einige lebhafte Gemeinschaftsorganisationen, die die Nachbarschaften bedienen, ebenso wie die Werke von Perla de Leon. In ihren Stücken und in vielen von Fotografen, die sich auf die Porträtmalerei von Bewohnern konzentrieren, ist es die Heiterkeit und Freude von Kindern, ihre eigene Spiellandschaft aus ihrer Umgebung heraus zu machen, wobei sie nur ihre Vorstellungskraft verwenden.
Wie der Titel aus Piri Thomas 'Memoiren Down These Mean Streets aus dem Jahr 1967 zeigt, kann ein Teil dieses Pflasters hart sein. Für Kinder sind sie jedoch alltägliche Spielplätze. Natürlich spielen sie vor dem Sommerspray der Hydranten von Hiram Maristanys Schüssen, aber ihre Straßen sind mit Hopfenkreide übersät, keine Gang-Symbole. Winston Vargas bringt die mutigen Persönlichkeiten junger Menschen in den New Yorker Washington Heights zum Vorschein - ebenso wie eine Hochzeitsfeier. Frank Espada, in einigen der frühesten Drucke aus der Show, 1963, bringt Kinder dazu, breit zu lächeln.
Der Maler John M. Valadez unterstreicht den Stolz, die Prahlerei und den Sinn für Mode in seiner Serie East Los Angeles Urban Portrait Portfolio aus den 1970er Jahren, die sich auch dadurch auszeichnet, dass sie eher in Farbe als in Schwarzweiß gehalten sind.
"Das Smithsonian American Art Museum verfügt über eine der größten Sammlungen lateinamerikanischer Kunst in einem bedeutenden Kunstmuseum", sagt Ramos. Und fast alle 97 Werke der Ausstellung stammen aus ihrer Sammlung, die über den vom Smithsonian Latino Center verwalteten Smithsonian Latino Initiatives Pool erworben wurde.
Das Museum erwirbt auch weiterhin lateinamerikanische Kunst und wird seine Sammlungen beispielsweise um zukünftige Ergänzungen der 65 East 125th Street- Reihe von Vergara erweitern, um zukünftige Änderungen in diesem Geschäft zu dokumentieren, solange der Fotograf ein Auge darauf hat. Das Museum hat bereits 26 Bilder aus der Serie - die Ausstellung konnte nur 21 aufnehmen.
Für Künstler wie Acevedo ergab sich die Enthüllung der Ausstellung darin, wie viele andere Fotografen gleichzeitig da draußen waren und ihre Gemeinschaften aufzeichneten - ohne zu wissen, dass dies auch andere taten.
"Wenn alle diese Elemente vorhanden sind, sprechen sie miteinander", erläutert Acevedo die verschiedenen Ansätze. „Zu der Zeit, als sie arbeiteten, kannte ich keinen dieser Fotografen. Die Künstler der 1970er Jahre arbeiteten alle in unterschiedlichen Barrios auf ähnliche Weise - es gab keine wirklichen Referenzen.
„Ich glaube, es ist das erste Mal, dass du zu einer Show kommst, und du kannst es dir wirklich vorstellen. Sie können über diese zahlreichen Jahrzehnte und die Verbindungen und Interessen sprechen. “
"Down These Mean Streets: Gemeinschaft und Platz in der Stadtfotografie" wird bis zum 6. August im Smithsonian American Art Museum in Washington, DC fortgesetzt
