Verschwinde und mache den Herbst zu einer Saison des Lernens in den USA. In diesen 10 Museen lernen Sie unter anderem die Geschichte der viktorianischen Puppen, die Schwerkraft von Bill Traylors Kunst und die Geheimnisse des alten Ägypten kennen.
Das Driehaus-Museum - Das Vermächtnis der Schönheit: Porträts aus vergoldeter Zeit in Amerika
(Chicago, Illinois; 8. September 2018 - 6. Januar 2019)
Albert Abendschein (Amerikaner, 1859–1914?), Frau Grenville Kane, Ca. 1900. Aquarell auf Elfenbein. New Yorker Geschichtsverein, Schenkung des Nachlasses von Peter Marié, 1905.124 (Driehaus-Museum) 
Théobald Chartran (französisch, 1849–1907). James Hazen Hyde, 1901. Öl auf Leinwand. New York Historical Society, Geschenk von James Hazen Hyde, 1949.1 (Driehaus Museum) 
Henry Augustus Loop (amerikanisch, 1831 - 1895). Fannie Fredericka Dyckman und Mary Alice Dyckman, 1876. Öl auf Leinwand. New York Historical Society, Nachlass von Fannie Fredericka Dyckman, 1951.374 (Driehaus Museum) Die wichtigste Herbstausstellung des Driehaus-Museums ist eine Zusammenarbeit mit der New York Historical Society, die sich auf die formale Porträtmalerei in den USA im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert konzentriert. Beautys Vermächtnis zeigt etwa 60 Porträts der Reichen und Elite, die ihren sozialen Status unter Beweis stellen wollten, indem sie berühmte Künstler damit beauftragten, ihre Figur zu malen. Familien wie die Vanderbilts, die Astors und die Bonapartes sind in Porträts von Künstlern wie Rembrandt Peale, Eastman Johnson und John Singer Sargent zu sehen. Zusätzlich zu Beautys Vermächtnis wird das Driehaus gleichzeitig Gilded Chicago leiten : Porträts einer Ära und Schätze aus der Weißen Stadt: Die Weltausstellung von Chicago von 1893 . Beide erzählen die Geschichte von Chicago nach dem Brand und wie es wieder zu einer großen Metropole wurde. Gilded Chicago hat zehn Porträts in der Sammlung bekannter Chicagoer Namen wie Pullman, Field und McCormick.
Naturhistorisches Museum von Los Angeles County und USC Fisher Museum of Art - Justin Brice Guariglia Erdarbeiten: Kartierung des Anthropozäns
(Los Angeles, Kalifornien; 18. September 2018 - 8. Dezember 2018)
Justin Brice Guariglia, QAANAAQ I, 2015 / 2016. Acryl, Styropor, 128 x 96 x 1, 75 Zoll. © 2017 (mit freundlicher Genehmigung des Künstlers) 
Justin Brice Guariglia, LANDSCHAFTSSTUDIE I, GOLD, 2014 / 2015. Acryl, 22 kt. Blattgold, Gesso, Leinen, Aluminiumplatte. 40 x 30 x 0.6 in. © 2017 (mit freundlicher Genehmigung des Künstlers) Ab dem 18. September zeigen das Naturkundemuseum des Los Angeles County (NHMLA) und sein Nachbarmuseum, das USC Fisher Museum of Art, eine gemeinsame Ausstellung, die sich mit dem Anthropozän befasst, dem geologischen Zeitalter menschlicher Einflüsse auf den Planeten und auf Klimawandel. Earth Works zeigt 24 Arbeiten des Künstlers Justin Brice Guariglia, der mit der NASA geflogen ist, um schmelzende Gletscher in Grönland zu untersuchen. 23 Werke werden im USC Fisher Museum ausgestellt und zeigen Fotos, die der Künstler auf seinen NASA-Reisen mit einem speziellen Acryldruckverfahren aufgenommen hat, das Fotografie und Malerei vereint. Das NHMLA zeigt Guariglias großformatiges Stück Jakobshavn I, das 11 Fuß mal 16 Fuß misst. Es zeigt einen der am schnellsten schmelzenden Gletscher in Grönland.
South Carolina Historical Society Museum - Feuerfestes Gebäude
(Charleston, South Carolina; Eröffnung am 22. September)
Rev. Archibald Stobos Bibel, um 1658. Diese Bibel gehörte Reverend Archibald Stobo, einem schottischen presbyterianischen Pfarrer, der 1700 in Charleston ankam. Die Bibel war einer der wenigen Besitztümer, die die Zerstörung der aufgehenden Sonne überlebten Stobo und seine Familie fuhren nach Charleston. Kurz nachdem die Familie Stobo von Bord gegangen war, wurde das Schiff von einem heftigen Hurrikan auf See geschleudert. (South Carolina Historisches Gesellschaftsmuseum) 
The Carolina Housewife, circa 1851. Die South Carolina Historical Society hat eine Reihe handschriftlicher Quittungsbücher in ihren Sammlungen. Rezeptbücher enthielten neben kulinarischen Rezepten häufig auch Rezepte für Arzneimittel und Reinigungsmittel. Die Rezepte in diesen Büchern wurden von den Frauen selbst kreiert, von Freunden ausgeliehen oder aus bekannten Kochbüchern wie Miss Leslie's oder The Carolina Housewife adaptiert. Häufig bestand ein Rezept nur aus einer Liste von Zutaten, wobei davon ausgegangen wurde, dass eine Köchin erfahren genug war, um den Rest selbst herauszufinden. (South Carolina Historisches Gesellschaftsmuseum) 
Erdbebensand aus Charleston, 1886. Unter den Sammlungen der Gesellschaft befinden sich zehn mit Wachs versiegelte Fläschchen mit Mineralsand, die die Geysire in der Nähe von Charleston, SC, während des Erdbebens vom 31. August 1886 geworfen haben. Die Fläschchen befinden sich in einem rechteckigen Karton mit Ein Etikett weist darauf hin, dass sie in einem Geschäft von W. Kirkwood an der Ecke von Coming Street und Spring Street in Charleston entstanden sind. Eine beiliegende Breitseite lautet: "ERDBEBENSANDE!". Am Ende der Seite befindet sich eine Notiz für den Leser: "Da viele Farben des Sandes knapp werden, sollten Sie sich jetzt eine Flasche oder eine Schachtel besorgen!" (Süd) Carolina Historical Society Museum) 
Das feuerfeste Gebäude. (Andrew Cebulka) Nach einer millionenschweren Renovierung wird eines der ältesten Gebäude von South Carolina, das Fireproof Building, im September als interaktives Museum wiedereröffnet, das mehr als 30 Jahre Staatsgeschichte dokumentiert. Die Exponate werden mit den Augen der historischen Bewohner von South Carolina gezeigt und es werden auch spannende Stücke aus der Sammlung der South Carolina Historical Society vorgestellt. Zu den Must-See-Stücken gehören Reisplantagenkarten aus dem 18. Jahrhundert (die derzeit von Smithsonian ausgeliehen werden), das Pulverhorn des Offiziers des Unabhängigkeitskrieges Francis Marion und Pfeifenschalen aus dem 18. Jahrhundert. Besucher werden auch interaktive Kartentabellen und aktive Porträts von vier lokalen historischen Figuren zu schätzen wissen.
Museum of Fine Arts, Boston - Winnie-the-Pooh: Erkundung eines Klassikers
(Boston, Massachusetts; 22. September 2018 - 6. Januar 2019)
Teddybär, um 1906-1910, hergestellt von Margarete Steiff. (MFA Boston) 
"Die Bienen werden misstrauisch", Winnie-the-Pooh Kapitel 1, 1926, Ernest Howard Shepard. (MFA Boston) 
Winnie-the-Pooh, Erstausgabe 1924, herausgegeben von Methuen & Co. Ltd in London; gedruckt von Jarrold & Sons Ltd. (MFA Boston) 
Winnie-the-Pooh-Sake-Tassen, etwa 2014, hergestellt von Hasami für die Walt Disney Corporation. (MFA Boston) Fans von Winnie the Pooh werden die Exploring a Classic- Ausstellung im Museum of Fine Arts in Boston lieben - sie soll die Geschichte und den Reiz der klassischen Geschichten von der Ahnung bis zum literarischen Kraftpaket verfolgen. Die Ausstellung zeigt rund 200 Artefakte von AA Milne und EH Shepard, darunter Originalzeichnungen, frühe Auflagen, Fotografien und Briefe, die die Entstehungsgeschichte aller Charaktere des 100-Morgen-Waldes zeigen und zeigen, wie sie sich im Laufe der Zeit bewährt haben Lieblinge der Kindheit seit Generationen. Verpassen Sie nicht die Original-Strichzeichnungen von Pooh und Christopher Robin, dem Teddybär, der alles inspiriert hat, sowie ein Set moderner Sake-Tassen.
Smithsonian American Art Museum - Zwischen den Welten: Die Kunst von Bill Traylor
(Washington, DC; 28. September 2018 - 17. März 2019)
Ohne Titel von Bill Traylor, Ca. 1939-1942 (Sammlung von Jan Petry und Angie Mills, Foto © John A. Faier) 
Bill Traylor, Ohne Titel (Gelbes und Blaues Haus mit Figuren und Hund), Juli 1939, Buntstiftkarton. Smithsonian American Art Museum; Museumskauf durch die Stiftung Luisita L. und Franz H. Denghausen. Foto von Gene Young. (Smithsonian American Art Museum) Exklusiv für das Smithsonian American Art Museum ist in diesem Herbst eine Ausstellung über die gesammelten Werke von Bill Traylor, dem einzigen bekannten Künstler, der bei der Geburt versklavt wurde, um eine große Anzahl von gezeichneten und gemalten Werken zu produzieren. Between Worlds wird 155 Werke von Traylor zeigen. Er begann seine Kunst im Jahr 1939, als er Ende 80 war. Zu dieser Zeit lebte er auf den Straßen in Montgomery, Alabama, wo er in die Sklaverei hineingeboren wurde. Obwohl er nur noch zehn Jahre lebte, hinterließ er mehr als tausend Kunstwerke. Seine einfachen, aber farbenfrohen Zeichnungen und Gemälde zeigen die Gegenüberstellung von weißer und schwarzer Kultur zu der Zeit und den politischen Tönen der Zeit.
Whitney Museum of American Art - Programmiert: Regeln, Codes und Choreografien in der Kunst, 1965–2018
(New York, New York; 28. September 2018 - 14. April 2018)
W. Bradford Paley (* 1958), Code Profiles, September 2002. Java-Applet. Im Auftrag des Whitney Museum of American Art für seine artport-Website AP.2002.11. (Whitney Museum of American Art) 
Casey Reas (* 1972), {Software} Structures # 003 B, August 2004/2016. Java, Adobe Flash Player. Im Auftrag des Whitney Museum of American Art für seine artport-Website AP.2004.5. (Whitney Museum of American Art) 
Sol LeWitt (1928-2007), Wandzeichnung Nr. 289, 1976. Wachsmalstift, Graphitstift und Farbe an vier Wänden, Maße variabel. Whitney Museum für amerikanische Kunst, New York; Kauf mit Mitteln der Gilman Foundation, Inc. 78.1.1-4. © 2018 Sol LeWitt / Künstlerrechte-Gesellschaft (ARS), New York. (Whitney Museum of American Art) 
Nam June Paik (1932-2006), Fin de Siecle II, 1989. Videoinstallation, 201 Fernsehgeräte mit vier Laserdiscs, 426, 7 x 1219, 2 x 152, 4 cm (168 x 480 x 60 Zoll). Whitney Museum für amerikanische Kunst, New York; Geschenk von Laila und Thurston Twigg-Smith 93.139. © Nam June Paik Estate. (Whitney Museum of American Art) Mit Programmed, einer neuen Ausstellung im Whitney Museum of American Art, nimmt die Computerprogrammierung eine künstlerische Wendung. Die Ausstellung befasst sich mit Kunstwerken aus den Jahren 1965 bis 2018, die alle einer Reihe von programmierten Anweisungen, Regeln, Algorithmen und Codes folgen. Das Programm folgt zwei unterschiedlichen Themen: Das eine zeigt, wie das Programmieren die Konzeptkunst beeinflussen und verändern kann, und das andere, wie Algorithmen und Anweisungen das manipulieren können, was wir im Fernsehen oder durch andere Bildsignale sehen. In der Ausstellung wird anhand der Whitney-eigenen Sammlung untersucht, wie sich die Computerkunst im Laufe der Jahrzehnte auf der Grundlage der Technologie entwickelt und verändert hat.
Wrightwood 659 - Ando und Le Corbusier: Meister der Architektur
(Chicago, Illinois; 12. Oktober 2018 - 15. Dezember 2018)
Inside Wrightwood 659. (Tom Rossiter) In einem Chicagoer Viertel versteckt sich ein neuer Ausstellungsraum, in dem Architektur und sozial engagierte Kunst gefeiert werden. Wrightwood 659 war einst ein dreistöckiger Spaziergang auf der Nordseite der Stadt, ist jetzt aber ein vierstöckiger Raum mit einer Außenterrasse im obersten Stockwerk. Die Eröffnungsausstellung heißt Ando und Le Corbusier: Masters of Architecture und wird im Oktober eröffnet. Tadao Ando ist Pritzker-Preisträger und hat den gesamten Raum gestaltet. Die Ausstellung zeigt den Einfluss des Schweizer Architekten Le Corbusier auf Ando und sein Werk. Zu sehen sind mehr als 100 Le Corbusier-Modelle, Archivbilder und Zeichnungen sowie 106 kleine Modelle, die Andos Schüler aus Le Corbusiers Werken angefertigt haben. Andos Arbeiten werden im dritten und vierten Stock des Raumes ausgestellt. Zu den Must-Sees zählen Le Corbusiers Modell der Villa Savoye von 1929, ein Modell der Kapelle von Ronchamp von 1950 und das 60 Fuß lange Kunstinsel-Modell von Naoshima von Ando. In Wrightwood 659 werden jährlich zwei Tickets ausgestellt, die sich zwischen Architektur und sozialem Aktivismus abwechseln. Tickets müssen online reserviert werden.
Minneapolis Institute of Art - Ägyptens versunkene Städte
(Minneapolis, Minnesota; 4. November 2018 - 14. April 2018)
Statue von Arsinoë, Canopus, Aboukir Bay, Ägypten; 3. Jahrhundert vor Christus; schwarzer Granodiorit; Antiquitätenmuseum Bibliotheca Alexandrina (SCA 208); IEASM-Ausgrabungen; Foto: Christoph Gerigk © Franck Goddio / Hilti Stiftung. (Christoph Gerigk) 
Die Stele von Thonis-Heracleion, die vor Ort in der Bucht von Aboukir, Thonis-Heracleion, Aboukir Bay, Ägypten, unter Wasser errichtet wurde; Nationalmuseum von Alexandria (SCA 277); IEASM-Ausgrabungen; Foto: Christoph Gerigk © Franck Goddio / Hilti Stiftung. (Christoph Gerigk) 
Archäologe Auge in Auge mit einer Sphinx unter Wasser, Eastern Harbour, Alexandria, Ägypten, 1. Jahrhundert vor Christus; Granodiorit; 27 9/16 x 59 1/16 Zoll; Nationalmuseum von Alexandria (SCA 450); IEASM-Ausgrabungen; Fotos: Jèrôme Delafosse © Stiftung Franck Goddio / Hilti. (Jèrôme Delafosse) 
Die Büste der kolossalen Statue von Hapy wurde mit Gurtbändern umwickelt, bevor sie vorsichtig aus dem Wasser der Bucht von Aboukir in Ägypten gehoben wurde. Foto: Christoph Gerigk © Franck Goddio / Hilti Stiftung. (Christoph Gerigk) 
Kolossale Statue des Gottes Hapy, Thonis-Heracleion, Aboukir Bay, Ägypten, 4. Jahrhundert v. Spätzeit-Ptolemäische Periode; roter Granit; Größe: 17 Fuß 8 5/8 x 35 7/16 Zoll, Gewicht: 6 Tonnen; Maritime Museum, Alexandria (SCA 281); IEASM-Ausgrabungen; Foto: Christoph Gerigk © Franck Goddio / Hilti Stiftung. (Christoph Gerigk) 
Das Erwachen von Osiris; 26. Dynastie (664-525 v. Chr.); Gneis, Gold, Elektrum, Bronze; Ägyptisches Museum, Kairo (CGC 38424); Foto: Christoph Gerigk © Franck Goddio / Hilti Stiftung. (Christoph Gerigk) Vor mehr als 1200 Jahren wurden die ägyptischen Städte Thonis-Heracleion und Canopus Opfer des Planeten, der von den Fluten des Mittelmeers überschwemmt wurde. Sie blieben mehr als ein Jahrtausend lang verborgen, bis der Unterwasserarchäologe Franck Goddio sie in der Aboukir-Bucht bei Alexandria wiederentdeckte. Goddio und sein Team fanden eine Fundgrube antiker ägyptischer Artefakte, von Statuen und Schmuck über Keramik bis hin zu religiösen Ikonen. Ägyptens versunkene Städte dokumentieren Goddios Entdeckungsgeschichte und die historischen Stücke, die das Team gefunden hat. Zu sehen sind drei gewaltige Skulpturen mit einer Körpergröße von jeweils über 300 kg sowie mehr als 250 Stücke altägyptischer Kunst, die vor Ort gefunden wurden, und andere Leihgaben aus Museen in Kairo und Alexandria.
Siedlung Jamestown - ZEIT: Frauen in Jamestown und Early Virginia
(Jamestown, Virginia; 10. November 2018 - 5. Januar 2020)
Gesticktes Mieder, um 1610. Ein langärmeliges Mieder, das von The Shakespeare Birthplace Trust ausgeliehen wurde. Es besteht aus einem gestickten Muster aus nachlaufenden Stielen und Blättern, die aus farbiger Seide und Metallfäden mit Metallflitter oder Pailletten gearbeitet sind. In der Sonderausstellung „TENACITY“ wird das Objekt mit Gouverneursfrauen und Frauen in Verbindung gebracht, die eine Oberschicht anstreben. (Mit freundlicher Genehmigung des Shakespeare Birthplace Trust) 
Historischer Dolmetscher der Jamestown-Siedlung in neu geschaffener Festung zum Nähen von Hemden. (Jamestown-Yorktown-Stiftung) 
Entenstuhl, Englisch, traditionelles 17. Jahrhundert. Ein englischer Entenstuhl, der kürzlich in die Sammlung der Jamestown-Yorktown Foundation aufgenommen wurde, repräsentiert die öffentliche Demütigung als Bestrafung, die in England und Amerika vom frühen 17. bis zum 19. Jahrhundert üblich war. Übertreter - normalerweise Frauen - wurden an einem stabilen Stuhl festgeschnallt, der an einem langen Holzbalken befestigt war, und in ein Gewässer getaucht. In einem Gerichtsverfahren in Virginia aus dem Jahr 1634 wurde festgestellt, dass Betsey Tucker auf diese Weise für „Geschwätz“ oder Klatsch bestraft wurde. (Jamestown-Yorktown-Stiftung) Zu Beginn der Neuen Welt, als die Siedler zum ersten Mal in Jamestown ankamen, galten Frauen als Bürgerinnen zweiter Klasse. Infolgedessen wurde ein Großteil ihrer Geschichte nicht aufgezeichnet, abgesehen von ein paar Aufzeichnungen, die hier und da Ehen, Todesfälle oder Gerichtsverfahren dokumentieren. Jetzt werden diese Frauen mit einer ganzjährigen Sonderausstellung im Jamestown Settlement mit dem Titel Tenacity an die Spitze der Geschichte gebracht. Die Ausstellung wird mehr als 60 Artefakte enthalten, die die Kämpfe und Beiträge der Frauen in der Kolonialzeit dokumentieren. Zu den selteneren Exponaten zählen ein besticktes Oberteil aus dem Jahr 1610, ein Entenstuhl aus dem 17. Jahrhundert und die Ferrar-Papiere aus dem Jahr 1621, die alle ursprünglichen Frauen dokumentierten, die für eine Reise nach Virginia angeworben wurden.
Philadelphia Museum of Art - Kleine Damen: Viktorianische Modepuppen und das weibliche Ideal
(Philadelphia, Pennsylvania; 11. November 2018 - 3. März 2019)
Drei Puppenkleider aus Miss Fanchons Garderobe, Ende der 1860er bis 1870er Jahre, möglicherweise Frankreich. Geschenk von Gardner H. Nicholas zum Gedenken an Frau Gardner H. Nicholas, 1922-58-9a-c, 14a, b, 3. (Philadelphia Museum of Art) 
Miss Fanchons Handschuhe, Ende der 1860er-1870er Jahre, Frankreich. Geschenk von Gardner H. Nicholas zum Gedenken an Frau Gardner H. Nicholas, 1922-58-109a, geb. Puppenhandtasche, Ende der 1860er-1870er Jahre, Frankreich. Geschenk von Frau William Hill Steeble und Martha B. Newkirk zum Gedenken an ihre Mutter, Frau I. Roberts Newkirk, 1977-189-4aa. (Philadelphia Museum of Art) 
Modepuppe „Miss French Mary“, um 1875, Frankreich. Geschenk von Frau James Wilson Wister, geb. Elizabeth Bayard Dunn, 1970-215-1a. (Philadelphia Museum of Art) 
Nähende Ausrüstung der Puppe, Ende der 1860er-1870er Jahre, Frankreich. Geschenk von Edward Starr Jr., 1976-58-9Ah1-7 und Geschenk von Frau William Hill Steeble und Martha B. Newkirk zum Gedenken an ihre Mutter, Frau I. Roberts Newkirk, 1977-189-4y. (Philadelphia Museum of Art) 
Miss Fanchons Rollschuhe, Ende der 1860er-1870er Jahre, Frankreich. Geschenk von Gardner H. Nicholas zum Gedenken an Frau Gardner H. Nicholas, 1922-58-80a, geb. (Philadelphia Museum of Art) 
Modepuppe „Miss Fanchon“, um 1870, Frankreich. Geschenk von Gardner H. Nicholas zum Gedenken an Frau Gardner H. Nicholas, 1922-58-1a. (Philadelphia Museum of Art) 
"Miss G. Townsend" Modepuppe, 1870er Jahre, Frankreich. Geschenk von Edward Starr Jr., 1976-58-9. (Philadelphia Museum of Art) Vier Puppen stehen im Mittelpunkt von Little Ladies, einer bevorstehenden Ausstellung des Philadelphia Museum of Art, in der untersucht wird, wie Geschlechterrollen in viktorianischen Zeiten spielerisch an Mädchen weitergegeben wurden. Die Puppen mit den Namen Miss Fanchon, Miss G. Townsend, Miss French Mary und Marie Antoinette wurden in den 1860er und 1870er Jahren in Frankreich hergestellt und waren das begehrte Produkt für privilegierte Mädchen im Goldenen Zeitalter. Sie sind ungefähr 18 Zoll groß und haben bemalte Köpfe, Perücken und Lederkörper. Zu jeder Puppe gehört auch ein Arsenal an Habseligkeiten - von umfangreichen Kleiderschränken mit Unterwäsche und Handschuhen bis hin zu persönlichen Gegenständen und Accessoires wie kleinen Zahnbürsten und Rollschuhen. Eine der Puppenstämme hat zum Beispiel mehr als 150 Gegenstände. Während des Goldenen Zeitalters konnten sich Mädchen das zukünftige Leben vorstellen, das von ihnen erwartet wurde, indem sie mit den Puppen spielten, ideale soziale Bräuche festigten und Geschlechterrollen im Unterbewusstsein festigten.
