Der Tod der Malerei wurde erstmals Mitte des 19. Jahrhunderts vorhergesagt, als das Aufkommen der Fotografie dem Maler die Realität aus der Hand zu nehmen schien. "Wenn die Fotografie in einigen Funktionen für die Kunst eintreten darf", schrieb der französische Dichter und Kunstkritiker Charles Baudelaire 1859, "wird sie sie bald ganz ersetzen oder verderben." Seitdem versuchen Künstler, sich mit den Implikationen der Fotografie auseinanderzusetzen.
Impressionisten wie Monet und Renoir, die die statische, mechanische Bildsprache von Fotografien sowie die veraltete akademische Malerei ihrer Zeit ablehnten, machten sich daran, ihre eigenen Eindrücke davon zu zeichnen, wie das Auge Licht und Atmosphäre in der Natur wahrnimmt. Einige ihrer Zeitgenossen, darunter Degas und Toulouse-Lautrec, gingen einen anderen Weg. Sie begannen, Fotografien als Inspiration zu verwenden - z. B. beschnittene Bilder, wie es die Kamera könnte, und führten aufgrund des Objektivs der Kamera Verzerrungen der Perspektive ein.
Vor hundert Jahren schufen Matisse und Picasso die radikalen Gemälde, die eine neue Ära der modernen Kunst einleiten sollten. Matisse entstellte die Figur 1907 mit seinem prall gefüllten blauen Akt, indem er nach einem Foto malte, um seiner Fantasie freien Lauf zu lassen und die Gewohnheiten zu brechen, die durch das Zeichnen aus dem Leben entstanden sind. Picasso verwendete auch Fotografien, um seine 1907er Les Demoiselles d'Avignon zu malen, wobei jede Figur wie eine Mehrfachbelichtung aus verschiedenen Blickwinkeln gleichzeitig wirkt - ein entscheidender Schritt in den Kubismus.
Im Laufe des 20. Jahrhunderts gaben Maler wie Wassily Kandinsky und Jackson Pollock das Konzept der Kunst als Repräsentation auf und schufen Leinwände, die überhaupt keine erkennbaren Objekte enthielten. In ihren "abstrakten" Arbeiten wurde die Farbe selbst zum Thema. In den 1960er Jahren vertraten Konzeptkünstler - inspiriert von Marcel Duchamp und anderen Dadaisten der 1920er Jahre - die Ansicht, dass Kunst nicht auf das Auge, sondern auf den Verstand zielen sollte, und fertigten Gemälde an, bei denen die Idee hinter dem Werk wichtiger war als das Werk selbst . Mit wenigen offensichtlichen Ausnahmen - Pop Art, Fotorealismus und Künstler wie David Hockney - galt die gegenständliche oder gegenständliche Kunst bis zum Ende des 20. Jahrhunderts weitgehend als Vergangenheit. In den letzten Jahren haben jedoch einige zeitgenössische Maler begonnen, zu den Wurzeln der modernen Kunst zurückzukehren, um neue Ausdrucksmöglichkeiten zu finden. Sie mischen die menschliche Figur und andere erkennbare Formen mit Elementen der Abstraktion und der mehrdeutigen Erzählung auf bisher nicht gekannte Weise.
"Die Aufregung um meinen Beruf ist derzeit enorm", sagt Joachim Pissarro, Kurator für Malerei und Zeichnung am New Yorker Museum of Modern Art. "Vor dreißig Jahren war all das Gerede vom Ende des Malens. Heute kümmert sich niemand mehr darum." Für die junge Generation sei "die Polarisierung zwischen Abstraktion und Repräsentation, die es in der letzten Hälfte des 20. Jahrhunderts gab, nur bedeutungslos. Was wir jetzt sehen, ist sehr interessant. Und völlig neu."
Die auf diesen Seiten vertretenen Künstler, die von Brooklyn über Trinidad bis Leipzig verstreut sind, erneuern "den Glauben an die Malerei", sagt Laura Hoptman, leitende Kuratorin am New Yorker Museum of Contemporary Art.
Peter Doig
"Als sich die Leute in den späten 1980er Jahren für meine Arbeit interessierten, stand das Malen überhaupt nicht mehr auf der Tagesordnung", sagt Peter Doig, ein 49-jähriger Schotte aus Trinidad. "Was die Galerien als topaktuell betrachteten, war alles konzeptionell - Malerei über Malerei, Kunst, die etwas über die Art und Weise aussagte, wie sie gemacht wird. Ich habe bewusst dagegen gearbeitet. Für mich, wenn Sie ein Maler sind, müssen Sie sich ständig damit befassen die Welt als potenzielles Thema für die Malerei. Und das geht von etwas auf der Straße zu sehen, etwas in einem Film zu sehen, in einer Zeitschrift, alles wirklich. "
Doigs Atelier in einer renovierten Rumbrennerei in Trinidads Hauptstadt Port of Spain ist voll von großen Leinwänden, die dschungelartige Landschaften, mit Farbe verschmierte Flüsse und mehrdeutige Gestalten darstellen. Als er 2003 London verließ, um nach Trinidad zu ziehen, nannten es viele seiner Freunde "Doing a Gauguin", nach dem französischen Künstler Paul Gauguin, der 1891 nach Tahiti zog, um eins mit der Natur zu werden. Doigs Stil wird manchmal mit Gauguins verglichen, aber seine Herangehensweise an die Malerei ist ganz anders. Seine Methode stütze sich auf eine Art Informationsverarbeitung, die oft mit einem Foto beginne, weil das Malen von Fotos ihn von dem entferne, was wirklich oder wahr ist. "Warum muss ein Gemälde wahr sein?" er fragt.
Doig hat mehrere Gemälde von einer alten Postkarte gemacht, die er in einem Londoner Schrottladen gekauft hat, der eine Flussszene in Indien zeigt. "Wenn ich direkt von der Natur male", sagt er, "bin ich zu sehr damit beschäftigt, es richtig zu machen. Wenn ich Fotografie oder eine Postkarte verwende, kann ich einfach das nehmen, was ich will, und den Rest weglassen. Ich habe ein Foto gemacht." von dem winzigen Guru auf der Postkarte und machte ein weiteres Foto davon, und ich jagte es in die Luft, so dass es ein verschwommener Fleck wurde, und ich malte daraus, und er wurde eine Art bärtiger Mann, etwas Geheimnisvolles und Schwarzes. Ich weiß nicht, ob er eine religiöse Figur oder ein Fanatiker ist, aber er hat etwas Spirituelles an sich. "
Er zeigt auf eine 9 mal 12 Fuß große Leinwand mit einer skizzenhaften Gestalt, die auf eine Palme klettert, den Stamm umarmt und aus einer abstrakten Leere von Pinselstrichen, Tropfen und Rissen herausschaut. "Diese Tropfen und Risse sind die Art von schönen Dingen in der Malerei, die einzigartig sind", sagt er. "Sie gehen ein Risiko ein und sie werden Ihnen gegeben, aber ich würde sie hassen, um ein Manierismus oder eine Spielerei zu werden." Es war jedoch die Figur, die Laura Heon, die Regisseurin von SITE Santa Fe, am meisten beeindruckte, als das Gemälde auf der Biennale 2006 des Museums gezeigt wurde. "In gewisser Hinsicht ist es eine Rückkehr zum Humanismus", sagt sie. "Es ist etwas sehr Großzügiges, ein Bild von einem Menschen zu machen."
Eine umfassende Retrospektive von Doigs Werk wird im Februar in der Tate Modern in London eröffnet.
Dana Schutz
In Dana Schutz 'Gemälden sind Fälschung und Wirklichkeit nur schwer voneinander zu unterscheiden. "Ich weiß, dass meine Bilder konstruiert sind, aber ich glaube daran, wenn ich male", sagt sie in ihrem Atelier in einem alten Industriegebäude, das in Brooklyn zur Künstlerkooperation geworden ist. Der 30-jährige Schutz kreiert gerne Figuren und setzt sie in einer Reihe von Gemälden in verschiedene Szenarien, in denen sie ein Eigenleben zu führen scheinen. Eine solche Serie besteht aus Zahlen, die sie "Selbstesser" nennt - eine reduzierte Form von Menschen, die überleben, indem sie sich von Teilen ihres Körpers ernähren und sich dann selbst rekonstruieren. Die Gemälde mit ihrer fantastischen Bildsprache und den von ihr als "extrovertiert" bezeichneten Farben - Rosa und Rot, Purpur und Dschungelgrün - wurden als neuer Expressionismus gelobt, und es ist leicht, sie im Sinne sozialer Missstände zu interpretieren magersüchtige Modelle für ausgehungerten Konsum - oder sogar als Einblick in die Psyche des Künstlers. Aber Schutz ist anderer Meinung.
"Ich bin kein Expressionist", protestiert sie. "In diesen Gemälden geht es nicht darum, wie ich mich überhaupt fühle." Die Selbstesser, sagt sie, "sind eine bildliche Lösung; man kann sie auseinander nehmen und wieder zusammenfügen. Es ist, als wären sie einfach materiell geworden."
Doch Schutz sagt, dass ihre Bilder manchmal von dem inspiriert sind, was sie im Internet sieht oder woran sie gerade denkt. "Ich möchte, dass diese Bilder irgendwo in der öffentlichen Vorstellung beginnen, wo die Menschen das Gefühl haben, diese Geschichte zu kennen, wie zum Beispiel plastische Chirurgie oder Produktionskonsum oder die Art und Weise, wie wir alternative Geschichten für uns selbst machen", sagt sie. "Ich bin der Meinung, dass das Radikalste, was Kunst tun kann, darin besteht, jemandem eine Erfahrung zu geben, die er für ungewohnt hält."
Für Schutz gibt es keine feste Grenze zwischen abstrakter und figurativer Malerei. "Ich betrachte sie nicht als etwas Besonderes." In einem neuen Gemälde, in dem ein Mann und eine Frau fahren, wirken die Figuren im Auto fast plastisch, als würden sie in einer heißen hawaiianischen Landschaft schmelzen. "Die Art, wie ich über sie nachdenke", sagt sie, "ist, dass wenn Sie in Zukunft auf uns zurückblicken würden, welche Merkmale leicht verzerrt oder verallgemeinert bleiben würden?"
"Vielleicht konfigurieren wir die Figur neu", fährt sie fort. "Bilder über das Malen zu malen klingt einfach verrückt. Das ganze Gerede über die Farbe. Ich denke, Künstler wollen jetzt Sinn machen und Wirkung entfalten. Es ist ganz anders als im 20. Jahrhundert."
Eine Ausstellung von Schutz 'Werken wird im November in der Galerie für zeitgenössische bildende Kunst in Berlin eröffnet.
Neo Rauch
In Leipzig beeinflusst der 47-jährige deutsche Künstler Neo Rauch eine Generation von Malern der Nachkriegszeit mit zweideutigen Gemälden, die Realismus mit Phantasie verbinden, das Gewöhnliche mit dem Bizarren. In Anlehnung an die Grafikstile der Ostblock-Comics und der kommerziellen Kunst, den Sozialrealismus der kommunistischen DDR, seine eigenen Traumbilder und Elemente seiner Stadtlandschaft malt Rauch die Art von Figuren, die man auf Propagandaplakaten findet, aber er setzt sie ein Szenen, die, sagt er, "verwirrend plausibel" seien - einmal vertraut und merkwürdig.
Rauch beschreibt seine Bilder als Allegorien mit einer persönlichen Ikonographie, die privat bleibt. Er sagte kürzlich einem Interviewer des New Yorker Metropolitan Museum of Art, dass seine Entscheidungen als Maler der Vernunft widersprechen könnten - sogar seinen eigenen. Aber was er in ein Bild einbezieht, hat seine eigene Realität, sagt er, denn "trotz aller Interpretationslust sollte das Malen das Privileg behalten, das, was nicht verbalisiert werden kann, in eine offensichtliche Struktur zu setzen." Rauch beschreibt seinen Prozess des Malens als einen Kampf, das Erkennbare mit dem Unerklärlichen in Einklang zu bringen. "Malen bedeutet für mich die Fortsetzung eines Traumes mit anderen Mitteln."
Im Metropolitan Museum of Art in New York City ist derzeit (bis zum 14. Oktober) eine Ausstellung mit Rauchs Werken zu sehen.
Barnaby Furnas
Barnaby Furnas hat, wie seine Kollegin Dana Schutz von der Columbia University, sein Studio in einem umgebauten Industrieloft in Brooklyn eingerichtet. In seinen Gemälden, die von der französischen Historienmalerei des späten 19. Jahrhunderts inspiriert sind, werden figurative Elemente mit Techniken kombiniert, die er aus Graffiti und abstraktem Expressionismus abgeleitet hat.
"Als Teenager, der in der Innenstadt von Philadelphia aufwuchs, war ich zuerst ein Graffiti-Schriftsteller", sagt er. "Ich bin in allerlei Schwierigkeiten geraten, wurde verhaftet, aber ich hatte im Kunstunterricht immer einen Fuß." Schließlich brachte ihn der Vater eines Freundes zu einigen Kunstgalerien in New York City. "Das ist wirklich der einzige Weg, auf dem ich überhaupt gewusst hätte, dass die Kunstwelt jemals existiert", sagt er.
Der 34-jährige Furnas malt seine Leinwände flach auf den Boden, genau wie Jackson Pollock. Aber anstatt Ölfarbe à la Pollock zu tropfen, schafft er Pfützen aus Wasserfarbe, die er übereinander stapelt, um eine Form zu schaffen. Für eine Serie über den Bürgerkrieg füllte er eine Spritze mit roter Acrylfarbe, die er auf seine Leinwände spritzte, um Blut darzustellen. "Öle würden nie rechtzeitig trocknen, wenn ich Farbe benutze", sagt er, "flach auf dem Boden, in Pfützen. Ein Großteil davon geht auf Graffiti zurück. Eines der Dinge, die ich an Graffiti mochte, ist, dass es absichtlich ist Man könnte Spraydosenverschlüsse von einem Aerosol abnehmen, zum Beispiel von einem Reiniger auf der Arbeitsplatte, es auf eine Farbsprühdose geben und einen völlig anderen Effekt als die Düse erzielen ... das habe ich noch nie erlebt Staffeleien oder sogar Pinsel. Ich habe eine riesige Sammlung von Spraydosenverschlüssen, so wie ich es mir bei einigen Ölmalern vorstelle. In meiner Arbeit gibt es eine Art eigensinnige Mischung aus dem, was im Baumarkt ist und dem, was im Kunstladen. "
In der Kunstschule in Columbia lehnte sich Furnas gegen eine ältere Generation von Lehrern auf, die "konzeptuelle und postmoderne Künstler waren, fast keine Maler". Er sah Malen als einen Akt der Selbstdarstellung, der aus der Mode kam. Er wollte auch, dass sein Werk den Zuschauern zugänglich ist, ohne dass Wissenschaftler es interpretieren müssen. "Ich wollte nicht, dass diese Leute in schwarzen Anzügen über meine Arbeit sprechen", sagt er. "Ich wollte keinen Vermittler." Er entschloss sich, "zu den Ursprüngen der Moderne zurückzukehren", sagt er, "Courbet und Géricault und Manet, der französischen Historienmalerei des späten 19. Jahrhunderts. Ich konnte das Genre neu untersuchen und auf eine andere Art und Weise darauf zurückkommen." Ich bin also zu einer Art modernistischem Second-Hand-Shopper geworden! "
Eine Ausstellung von Furnas 'Arbeiten ist für das Frühjahr in der Stuart Shave / Modern Art Gallery in London geplant.
Katherine Lee
Die 22-jährige Katherine Lee fragt sich in einer alten Kaserne, die in Künstlerateliers am College of Santa Fe eingerichtet wurde, wie ihre drahtgebundene Generation mit Kunst umgehen wird. "Wir lesen heutzutage so viele visuelle Sofortnachrichten", sagt sie, "wie Werbung - lesen und erhalten - und ich möchte, dass ein Gemälde länger interessant ist als eine Werbeunterbrechung. Ich glaube, es gibt Angst vor Erzählungen, und das auch." kommt von der Idee, es zu bekommen. Die Leute sind so an Werbung gewöhnt, dass sie wollen, dass das, was sie auf einem Gemälde sehen, von jemand anderem vorgedacht wird. Aber Werbung leistet so gute Arbeit, dass man vielleicht eine neue Strategie finden muss. "
An Lees Studiowand hängt eine mysteriöse, fast schwarze Landschaft mit einem Fleck fernen Lichts. Es hat die stimmungsvolle Atmosphäre und Tiefe einer Landschaft aus dem 19. Jahrhundert, aber Lee malte es aus mehreren Fotografien mit einer Mischung aus Graphit, Ölen und Spraydosen. Das dunkle Laub deutet auf einen Dschungel oder Wald hin und es gibt etwas, das wie ein roter Regenschirm inmitten des Ganzen aussieht. Aber es gibt keine Leute. Es ist schwer etwas über die Szene zu wissen, genau das, was sie will. "Dieser Regenschirm im Wald deutet darauf hin, dass etwas los ist", sagt sie. "Ich mag die Idee, dass alles als potenzieller Inhalt fungiert. Ich denke wirklich nicht darüber nach, was es bedeutet, wenn ich es mache, weil ich weiß, dass es seine eigene Bedeutung haben wird."
Wenn sie menschliche Figuren malt, wie in einem Öl- und Graphitbild eines romantischen Paares, das sie Untitled Love nennt, möchte Lee, dass die Farbe einen Betrachter genauso interessiert wie das Bild. "Es ist nicht gerade figurative Malerei", sagt sie, "weil es nicht wirklich um diese Leute geht. Als ich mit dem Malen anfing, ging es wirklich nur um die Figur, aber das schien mir ziemlich bald zu flach. Ich wurde wirklich frustriert und irgendwie zerstört." Das meiste des Gemäldes, und dann war es viel besser. Ich nahm einen Pinsel und verwischte mit Gewalt alles. Indem ich alles in einem solchen Ausmaß abstrahierte, wurde das Gemälde offen, es gewann viel potenziellen Inhalt, anstatt sich explizit zu erklären. "
Katherine Lees Gemälde werden im Mai in einer Abschlussarbeitsausstellung in der Fine Arts Gallery des College of Santa Fe zu sehen sein.
Elizabeth Neel
Die 32-jährige Elizabeth Neel, Absolventin der School of the Arts der Columbia University, ist eine Malerin, deren Arbeit die neue Aufregung über zeitgenössische Malerei verstärkt, die Abstraktion und Repräsentation verbindet. In ihrem Atelier in Brooklyn sind die Leinwände mit großen abstrakten Pinselstrichen bedeckt, die an de Kooning erinnern, enthalten jedoch die Art von Figuren, die sich ein Maler wie Matisse hätte vorstellen können. Neel sagt, dass ihre eigene Sensibilität von der Bilderflut um sie herum geprägt ist, von Werbung und Fernsehen bis zu Filmen, Videos und dem Internet. "Wir konsumieren Bilder fast von dem Tag an, an dem wir geboren wurden", sagt sie, und sie glaubt, dass Kunst jetzt mit dieser Umgebung umgehen muss.
Elizabeth, die Enkelin der figurativen Malerin Alice Neel aus dem 20. Jahrhundert, surft häufig im Internet nach Bildern, bevor sie mit dem Malen beginnt. Sie projiziert keine Fotos auf eine Leinwand, sondern macht Skizzen der Bilder, die sie verwenden möchte. Manchmal, sagt sie, könnten die rein formalen Aspekte eines Gemäldes - zum Beispiel die Größe ihrer Pinselstriche - ihr Interesse am Bild verändern und sie für neue Bilder und Ideen zurück ins Internet schicken. "Ich denke, Malerei kann eine wunderbare Dualität haben; es kann um sich selbst und um die Welt gehen", sagt sie, "und es ist eine gute Passage in einem Gemälde, wenn das passiert."
Der britische Sammler Charles Saatchi hat mehrere Gemälde von Neel gekauft und nimmt einige davon in seine laufende Ausstellungsreihe "The Triumph of Painting" in seiner Londoner Galerie auf. Neel wird im Frühjahr 2008 eine Einzelausstellung bei Deitch Projects in New York City haben. Ihre Arbeiten sind auf der Website von Deitch Projects zu sehen.
Der Schriftsteller und Maler Paul Trachtman lebt in New Mexico. Sein Artikel über die Dadaisten erschien im Mai 2006 im Smithsonian.
