Als die National Portrait Gallery vor 50 Jahren erstmals in Washington DC mit einer kleinen Sammlung eröffnet wurde, haben zwei weitere Länder Kredite vergeben. "Einer war England", sagt Robyn Asleson, stellvertretende Kuratorin für Zeichnungen und Medienkunst. "Der andere war die Schweiz."
Als das Museum eine neue Ausstellungsreihe mit dem Titel "Portraits of the World" in Angriff nahm, in der jährlich ein internationales Werk gezeigt und Werke aus den Sammlungen des Museums gezeigt werden, die den Kontext erweitern, wusste es, in welchem Land es zuerst zu sehen ist.
Bereits 1968 hatte die Schweiz fünf Porträts amerikanischer Sitter von Walt Whitman an Generäle des Bürgerkriegs des Schweizer Künstlers Frank Buscher aus dem 19. Jahrhundert verliehen. Als es sich jedoch entschied, dass die Schweiz das Eröffnungsland von Portraits of the World sein sollte, „musste es Hodler sein“.
Ferdinand Hodler (1853-1918) war der verehrte Nationalmaler der Schweiz, der sich auch "für viele Fragen der Identität und Nationalität interessierte, die uns in der Portrait Gallery faszinieren", sagt Asleson.
Darüber hinaus würde die Ausstellung seiner Arbeiten mit dem 100. Todestag des Künstlers zusammenfallen. „Das einzige Problem war, dass sich Museen in ganz Europa 2018 auch für Hodler interessierten und eigene Ausstellungen organisierten“, sagt Asleson.
Mit Hilfe der Schweizer Botschaft erhielt es ein besonders lebendiges Werk, Femme en Extase (Frau in Ekstase), ein Porträt der italienischen Tänzerin Giulia Leonardi von 1911, das vom Museum für Kunst und Geschichte in Genf ausgeliehen wurde. Zur Ergänzung der Leihgabe hat das Museum eine Sammlung von Figuren ausgewählt, die zur Zeit der Jahrhundertwende, noch bevor sie überhaupt diesen Namen hatten, den modernen Tanz hervorgebracht haben.
Mit seiner lebendigen Farb- und Pinselarbeit und seiner Darstellung von Bewegung spricht Femme en Extase „wirklich von Hodlers Interesse an Bewegung und Emotionen und davon, wie schwierig es ist, Emotionen in einer statischen Form und durch Tanz darzustellen“, sagt Asleson.
Femme en Extase (Frau in Ekstase) von Ferdinand Hodler, 1911 (© Kunst- und Geschichtsmuseum, Ville de Genève, Nr. 1939-0042. Foto: Bettina Jacot-Descombes) 
Martha Graham von Paul R. Meltsner, 1938 (NPG) 
Ted Shawn von Edwin F. Townsend, c. 1925 (NPG) 
Loie Fuller von Benjamin Joseph Falk, 1901 (NPG) 
Loie Fuller von Jules Cheret, 1897 (NPG) Es spiegelt auch die Arbeit seines Freundes Émile Jaques-Dalcroze wider, Begründer einer Theorie namens Eurhythmics, die es ermöglicht, Musik durch Bewegung und Rhythmus zu studieren. Die Praxis wird immer noch in Schulen unterrichtet (und ihr Name wurde später von einer Rockgruppe aus den 1980er Jahren ausgeliehen).
Der Wirbel der Tänzerbewegung in Hodlers Werk „mag nicht sehr ekstatisch aussehen, aber wenn man an Frauen um die Jahrhundertwende denkt, die sehr korsettiert und festgebunden waren und sehr strenge Anstandsregeln hatten, dann haben Sie hier diesen schönen Italiener Tänzer bewegen sich mit unglaublicher Freiheit. Das wäre zu dieser Zeit eine ziemlich befreite Art gewesen, sich zu verhalten “, sagt Asleson.
Mit einer ähnlichen Art von untrainierter und ungezügelter Bewegung, die in der Eurythmik verwendet wurde, kreierten Tänzer wie die Amerikaner Loïe Fuller einen innovativen Tanzstil, der Hunderte Meter Stoff, schillernde Farben und das Schauspiel beinhaltete, sich auf der Bühne in eine Blume oder einen Vogel zu verwandeln. Ihre Bewegungen sind in einer großen Chromolithographie von 1897 für die Folies Bergère von Jules Cheret festgehalten.
Fuller, eine ehemalige Burlesque-Tänzerin in Amerika, die in Paris gefeiert wurde, nahm eine weitere amerikanische Ex-Pat-freie Tänzerin Isadora Duncan unter ihre Fittiche und machte sie auch international bekannt. Duncan wird durch eine Zeichnung dargestellt, die während des freien Tanzens angefertigt wurde, und in einer Fotografie von Arnold Genthe von 1916 trägt sie auch lose griechische Vorhänge.
„Die Idee, was Tanz sein sollte, war sehr traditionell und sie interessierte sich für eine Art freien Tanz im Gegensatz zu Ballett. Statt Korsetts und Tutus und Punktschuhen und sehr strengen Bewegungen wollte sie ihren Körper einfach frei bewegen. und mach es barfuß “, sagt Asleson.
Isadora Duncan von Arnold Genthe, c. 1916 (NPG) Tatsächlich, fügt sie hinzu, hieß die Form Barfuß-Tanzen und Freetanzen, bevor sie als moderner Tanz bekannt wurde. "Sie glaubte, der Weg für den modernen Tanz bestehe darin, in die Antike zurückzukehren und die Art und Weise, wie sich der Körper bewegte, die Posen und die Vorhänge nachzuahmen", sagt Asleson über Duncan, der 1927 in einem Autounfall ihr Schicksal begegnete. „Gleichzeitig schien es für eine Frau so gewagt, so wenig Kleidung zu tragen und sich mit so viel Hingabe zu verhalten. Es war eines dieser Paradoxe, gleichzeitig modern und antik zu sein. “
Jemand, der tief von Duncan beeinflusst war, war der in Japan geborene Amerikaner Michio Itō, der in Paris war, um Oper zu lernen. "Er sah Isadora Duncan auftreten und war so überwältigt, dass er beschloss, Tänzer statt Sänger zu werden", sagt Asleson. "Er hat Dalcroz Eurhythmics studiert, genau wie Isadora Duncan zu dieser Zeit." Er ist auf einem beeindruckenden Foto von 1921 von Nickolas Muray abgebildet.
Es war Itō, der Isamu Noguchi Martha Graham vorstellte, die einflussreiche amerikanische Tänzerin und Choreografin, die an der von Ted Shawn und Ruth St. Denis gegründeten Denishawn School of Dancing and Related Arts in Los Angeles Eurhythmics studiert hatte. Alle drei sind in der Ausstellung vertreten.
Unter den Veranstaltungen, die im Zusammenhang mit der Ausstellung Portraits of the World: Switzerland geplant sind, befindet sich eine Performance der Choreografin der Portrait Gallery in Residence, Dana Tai Soon Burgess, die einige der historischen Tänze von Itō und andere wiederbeleben wird.
Es ist alles inspiriert von der zentralen Arbeit von Hodler, der in Amerika möglicherweise nicht so bekannt ist wie in Europa, möglicherweise, weil die Impressionisten damals die ganze Aufmerksamkeit auf sich gezogen haben, sagt Asleson.
Außerdem habe Hodler "Ihnen die Kunst nicht leicht gemacht", sagt sie. „Er war sehr an Symbolik interessiert, daher handeln viele seiner Bilder von Leben, Tod, Liebe - viele seiner großen Allegorien, die er gemalt hat.
Anstatt sich auf pingeligen Pointillismus zu konzentrieren, "verwendet er eine sehr grobe expressionistische Pinselarbeit, um ein Gefühl von Vitalität, Kraft und Stärke zu vermitteln, das auf die Schweizer Ideale der Gesundheit zurückgeht."
Ein Choreograph in Residence und eine Reihe von Werken des modernen Tanzes in der Sammlung haben der Portrait Gallery möglicherweise zu einer Zeit verholfen, in der die Werke von Hodler in Europa besonders gefragt sind.
Der Direktor der Portrait Gallery, Kim Sajet, sagt: „Diese bescheidene, aber außergewöhnliche Ausstellung fällt mit den großen Hodler-Retrospektiven in der Schweiz, in Deutschland und in Österreich zusammen, die alle an den 100. Todestag des Künstlers erinnern.“
Aber laut Asleson hat es geholfen, dass Martin Dahinden, der Botschafter der Schweiz in den Vereinigten Staaten, und seine Frau Anita, die Vorsitzende des diplomatischen Kabinetts des Museums, beteiligt wurden.
Die Wahl von Hodler durch die Portrait Gallery, so Dahinden, „zeigt, wie sehr wir beide unsere langjährige Beziehung schätzen, die bis zur Eröffnung des Museums zurückreicht. Wir stellen solche Kooperationen in den Mittelpunkt unserer diplomatischen Arbeit, weil sie es uns ermöglichen, Brücken zu unserem Gastland und seiner Kultur zu schlagen, Synergien zu fördern und uns noch besser zu verstehen. “
"Porträts der Welt: die Schweiz" Fortsetzung bis zum 12. November 2018 in der Smithsonian National Portrait Gallery in Washington, DC
