DIE AUFFALLENDEN NEUEN KUNSTWERKE, DIE DER GROßEN TRADITION DER ÖFFENTLICHEN KUNST IM ROCKEFELLER CENTER FOLGEN | KUNST & KULTUR | SMITHSONIAN - ARTIKEL, KUNST & KULTUR, KUNST & KÜNSTLER, REISEN

Das Rockefeller Center wurde von John D. Rockefellear Jr. - dem glücklichen Sohn des Ölmagnaten - als Stadt in der Stadt konzipiert und sollte, wie er sagte, ein „Mekka für Kunstliebhaber“ im Herzen von New York sein. Er beauftragte die Installation von mehr als 100 permanenten Skulpturen, Gemälden und Textilien rund um sein 22 Hektar großes Immobilienprojekt in Midtown Manhattan. Kunstwerke wie die Skulpturen von Prometheus und Atlas sind seit ihrer Eröffnung im Jahr 1933 zu Wahrzeichen und fotogenen Zielen geworden, die der beliebten Eisbahn in ihrem Kern ebenbürtig sind.

Jetzt, bis zum 28. Juni, zeigt das Rockefeller Center nach fast 20-jähriger Tradition mit monolithischen zeitgenössischen Kunstwerken seine bisher größte und gewagteste Ausstellung: 20 verschiedene Kunstwerke von 14 zeitgenössischen Künstlern aus der ganzen Welt gleichzeitig Welt. Die zweimonatige Ausstellung markiert das New Yorker Debüt für Frieze Sculpture, einen Import aus dem Vereinigten Königreich mit bedeutender zeitgenössischer Kunst. Und die Kunstwerke, von denen einige speziell für diese Show in Auftrag gegeben wurden, erzeugen eine spürbare Spannung mit den dauerhafteren Kunstwerken, die mehr als 80 Jahre zuvor installiert wurden.

Obwohl die Ausstellung kein einheitliches Thema hat, ist eine Reihe von Kunstwerken pointiert politisch und thematisiert Macht und Ungleichheit, indem sie das sind, was Brett Littman, der Kurator von Frieze Sculpture, beschreibt als „über Sprache, über Meinungsfreiheit, über Medien, über die Idee von Bildern und dann über das Verbreitung von Bildern, insbesondere von historischen Bildern. “

Diese Gewandtheit ist ein radikaler Schritt in einer Gegend, die rund um die Uhr von Touristen frequentiert wird und in der sich während der Arbeitswoche eine Vielzahl von Unternehmen zusammensetzt, die für die Finanz-, Rechts- und anderen kommerziellen Institutionen arbeiten, die die Wolkenkratzer des Rockefeller Centers besetzen.

„Ich wollte hier ganz anders über Kunst denken“, erklärt Littman, wie er die Kunstwerke ausgewählt und aufgestellt hat. "Im Allgemeinen ist die hier platzierte Kunst monumental, mit einem großen Stück, normalerweise in der Fifth Avenue oder in 30 Rock."

Daniel Okrent, Historiker und Autor von Great Fortune: The Epic of Rockefeller Center, erinnert sich, dass John D. Rockefeller Jr. nicht im geringsten als Avantgarde galt, obwohl seine Frau Abby Aldrich Rockefeller Mitbegründer des Museum of Modern Art war .

Laut der langjährigen Archivarin Christine Roussel, die das Buch buchstäblich - zwei in der Tat - über die ständigen Kunstwerke des Zentrums schrieb, wies „Junior“ fast 40 Künstlern das Thema „New Frontiers“ für die für das Rockefeller Center in Auftrag gegebenen dauerhaften Arbeiten zu . Diese Künstler lieferten unter besonderer Berücksichtigung der Themen der Größe Amerikas: seines Geistes, seiner Industrie, seiner Werte, seines gesicherten Wohlstands und seiner göttlichen Vorsehung.

Er hatte Angst, Grenzen zu überschreiten, und als einer der bekanntesten Künstler, Diego Rivera, ein Bild von Vladimir Lenin in ein Wandgemälde einbaute, ließ Rockefeller es berühmterweise durch José Maria Serts "American Progress" ersetzen.

"Sein Geschmack in der Kunst war wild konservativ", sagt Okrent. "Er war ein bisschen rückständig." (Das Projekt als Ganzes wurde von den Kritikern des Tages, als es debütierte, nicht sehr gut aufgenommen. Wie der Gershwin-Text sagt: "Alle haben über das Rockefeller Center gelacht ...".)

Aber natürlich hat die Kunstwelt in den Jahrzehnten, in denen John D. Rockefeller Jr. sein „Mekka“ für die Kunstgeschichte wurde, immer wieder neue Grenzen gesetzt - in Bezug auf Geschmack, Materialien, Themen usw. Kunst, die er am liebsten mochte.

"Glücklicherweise war das Management des Rockefeller Centers in den letzten über 80 Jahren offen für Veränderungen und Innovationen", fügt Roussel hinzu. Dies ermöglicht es dem Ort, "ein Fahrzeug für aufregende und manchmal kontroverse Ausstellungen zu sein."

Nicht mehr als mit Frieze Sculpture. Um ein Gefühl dafür zu bekommen, wie viel Aufbruch diese neue Ausstellung für das Rockefeller Center bedeutet, wurden sogar die 192 Nationalflaggen, die normalerweise die versunkene Eisbahn umgeben, entfernt, um Platz für eine neue Grafik des ghanaischen Künstlers Ibrahim Mahama zu schaffen . Die bunten Flaggen, die die Mitgliedsländer der Vereinten Nationen repräsentieren, wurden durch raue und bescheidene beige Fahnen ersetzt, die aus Jutesäcken hergestellt wurden, die normalerweise für den Transport von Agrarprodukten in Ghana verwendet werden. Diese Fahnen sind zu dick und schwer, um zu fliegen, und einige Fahnenmasten haben keine Fahne. Die Arbeit soll die extremen Einkommens- und Ressourcenunterschiede auf der ganzen Welt angehen.

"Für mich geht es in diesem Stück wirklich um Globalisierung, um Kapitalismus", sagt Littman. "Dies ist eines der zentralen Elemente des gesamten Projekts."

Ibrahim Mahama, Ohne Titel, 2019, präsentiert von White Cube Gallery, Friesskulptur im Rockefeller Center, New York 2019 (mit freundlicher Genehmigung von Timothy Schenck / Frieze)

Laut Littman hat er bewusst Werke ausgewählt, die „menschlicher“ sind als es die Besucher von Rockefeller Centers jüngstem Angebot an zeitgenössischer Kunst erwartet haben, und er hat sich bewusst dafür entschieden, die meisten Skulpturen direkt auf den Fußböden und Gehwegen zu platzieren als auf Podesten und Sockeln wie zu erwarten. In der Tat ist es fast unmöglich, nicht auf mehrere Kunstwerke im Freien zu stoßen, wenn man das Grundstück durchquert.

Hank Willis Thomas, Josephine und Kazumi (Real Red), 2018 präsentiert von Jack Shainman Gallery, Frieze Sculpture im Rockefeller Center, New York 2019

Hank Willis Thomas, Josephine und Kazumi (Real Red), 2018 präsentiert von Jack Shainman Gallery, Friesskulptur im Rockefeller Center, New York 2019 (mit freundlicher Genehmigung von Timothy Schenck / Frieze)

Nur wenige Schritte von den Flaggen entfernt hat der Künstler Hank Willis Thomas zwei Gedankenblasen im Comic-Stil geschaffen, die als Bänke dienen und auf denen die Menschen sitzen und die Skulptur direkt vor sich betrachten können: Isamu Noguchis berühmtes Relief „News“ aus dem Rock Center von 1940. Es zeigt fünf „Nachrichtenmänner“ der dort ansässigen Associated Press als Heldenfiguren, von denen einer eine Kamera und einer ein Telefon in die Hand nimmt. Zusammengenommen unterstreichen diese Kunstwerke, die fast 80 Jahre auseinander liegen, die tektonische Verschiebung des öffentlichen Ansehens gegenüber Journalisten und Journalisten - und wer die Autorität hat, zu sprechen und gehört zu werden: Sobald Helden, sind Journalisten im gegenwärtigen gesellschaftspolitischen Moment, zunehmend bedroht Spott, Unterdrückung und sogar Gewalt.

In der Nähe wächst das übergroße Bronzegrammophon des in Chicago lebenden Künstlers Nick Cave aus seiner erhobenen Faust und deutet möglicherweise auf die Kraft hin, Veränderungen durch Sprache oder kulturelle Produktion wie Musik zu aktivieren.

Pedro Reyes, Jaguar, 2018, präsentiert von Lisson Gallery, Frieze Sculpture im Rockefeller Center, New York 2019 (mit freundlicher Genehmigung von Timothy Schenck / Frieze)

Als weiteren, wenn auch subtilen Kommentar zur Zensur platzierte Littman die beiden surrealistisch vorkolumbianisch inspirierten Skulpturen des mexikanischen Künstlers Pedro Reyes - eine ein Auge mit herausstehender Zunge, eine einen Mund mit einem Augapfel - im Inneren des 30 Rockefeller Plaza. wo Diego Riveras ursprüngliches Wandgemälde stand, bevor es entfernt wurde.

Touristen gehen an Paulo Nazareths Skulptur von Ruby Bridges vorbei. (Mit freundlicher Genehmigung von Timothy Schenck / Frieze)

Tommy Smith Skulptur. Paulo Nazareth, präsentiert von Mendes Wood DM, Friesskulptur im Rockefeller Center, New York, 2019 (mit freundlicher Genehmigung von Timothy Schenck / Frieze)

Außerhalb des umgangssprachlich „30 Rock“ genannten Gebäudes befinden sich zwei ausgeschnittene Aluminiumskulpturen des brasilianischen Künstlers Paulo Nazareth, die Schlüsselfiguren und Momente der amerikanischen Bürgerrechtsbewegung darstellen. Der eine ist von Tommie Smith, dem Goldmedaillengewinner, der bei den Olympischen Spielen 1968 seine Faust zu einem historischen Black Power-Gruß erhoben hat, der andere von Ruby Bridges, dem sechsjährigen afroamerikanischen Studenten, der von Bundesmarschällen in die Schule begleitet wurde wegen der Androhung von Gewalt gegen sie während der Krise der Trennung von der Schule in New Orleans. (Bridges wurde in einem der berühmtesten Gemälde von Norman Rockwell verewigt: „Das Problem, mit dem wir alle leben“.) Die Art und Weise, wie diese beiden Skulpturen das Gebäude flankieren, erinnert an die robusten Statuen - oft von Löwen und berittenen Kriegshelden -, die typischerweise geheiligte Institutionen bewachen wie Banken, Bibliotheken oder Regierungsgebäude. Zusammen mit zwei kleineren Darstellungen von Rosa Parks und Martin Luther King, Jr. lassen uns diese Arbeiten laut Littman Bilder hinterfragen, „die wir gut zu kennen glauben… aber vielleicht nicht“ und wie die Gesellschaft bestimmte ikonische Bilder verwendet aber nicht andere.

Das größte Werk ist „Behind the Walls“, ein 30 Fuß großer menschlicher Kopf, dessen Hände die Augen des spanischen Künstlers Jaume Plensa bedecken. Die in weißes Harz gegossene Skulptur kommentiert, was gesehen und was nicht gesehen wird. „Es geht um Mauern“, erklärt Plensa, insbesondere diejenigen, die wir gegen die Übernahme von Eigenverantwortung aufbringen.

Nicht alle Arbeiten sind ausdrücklich politisch. Um eine konzeptionelle Hommage an menschliches Reisen und Einfallsreichtum zu schaffen, wählte Littman die Lobby von 10 Rockefeller Center, einst Sitz von Eastern Airlines, für die Arbeit der polnischen Künstlerin Goshka Macuga. Ihre beiden Porträtköpfe von Juri Gagarin, dem ersten russischen Astronauten, und des Astrophysikers Stephen Hawking sitzen im Gespräch mit Dean Cromwells ständigem Wandgemälde "The History of Transportation" von 1946. In Anspielung auf die Materialität der Zeit zeigt die Künstlerin Sarah Sze in „Split Stone (7:34)“ einen natürlichen Felsbrocken, der wie eine Geode aufgeschnitten wurde, um einen generischen Bildsonnenuntergang zu enthüllen, den Sze auf ihrem iPhone festgehalten und dann pixelweise in Farbe gerendert hat. Pixel. Ein Stück, das kleine Kinder begeistern wird, ist Kiki Smiths "Rest Upon" - eine lebensgroße Bronzeskulptur eines Lamms auf einer schlafenden Frau. Littman hat Smiths Arbeit auf dem Weg zwischen den beiden mit Lilien gefüllten Kanalgärten, dem Connect Rockefeller Plaza, und der Fifth Avenue als kraftvolles, figuratives Symbol positioniert, das die Beziehung zwischen Mensch und natürlicher Welt erforscht.

Das Grammaphon von Nick Cave, präsentiert von der Jack Shainman Gallery, Frieze Sculpture im Rockefeller Center, New York, 2019 (mit freundlicher Genehmigung von Timothy Schenck / Frieze)

Goshka Macugas Skulptur von Yuri Gagarin, präsentiert von der Andrew Kreps Gallery, Frieze-Skulptur im Rockefeller Center, New York 2019 (mit freundlicher Genehmigung von Timothy Schenck / Frieze)

Kiki Smith, Rest Upon, 2009, präsentiert von der Pace Gallery, Frieze Sculpture im Rockefeller Center, New York 2019 (mit freundlicher Genehmigung von Timothy Schenck / Frieze)

Ebenfalls bei Frieze Sculpture vertreten sind die Künstler José Davila, Aaron Curry, Rochelle Goldberg sowie der verstorbene Walter De Maria und Joan Miró.

Die erste Frieze-Skulptur entstand im Jahr 2005 als mehrmonatige Ausstellung von Skulpturen im Freien im Londoner Regent's Park zur jährlichen britischen Ausgabe der Frieze-Kunstmesse. Das Debüt von Frieze Sculpture in New York im Rockefeller Center fällt mit der diesjährigen Kunstausgabe der Frieze New York zusammen, einer Kunstmesse, die Galerien aus aller Welt nach New York zieht.

Frieze Sculpture im Rockefeller Center beinhaltet einige Vor-Ort-Vorträge, Führungen und andere Programme und symbolisiert zum Teil einen strategischen Schritt in Richtung buchstäblicher und bildlicher Zugänglichkeit. Tickets für die Frieze-Messe selbst, die vom 3. bis 5. Mai zu sehen ist, kosten mehr als 57 US-Dollar pro Erwachsenem, und ihre Lage auf Randall's Island ist nicht leicht mit öffentlichen Verkehrsmitteln zu erreichen (obwohl die Messe einige Verkehrsmittel anbietet).

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Bei allem ästhetischen Konservativismus von John D, Rockefeller Jr., war er in einer Weise einzigartig radikal, die die aktuelle Ausstellung vorwegnahm, die in seinem Namensgeber „Stadt in Stadt“ zu sehen ist: eine gebundene Mittelzuweisung für das Ausstellen und die Beauftragung von Neuem Arbeit von lebenden Künstlern.

„Es war neu. Es war wirklich nicht etwas, von dem es viel gegeben hatte “, sagt Okrent. „Die Beauftragung bestimmter Kunstwerke war eine Innovation.“

Er fügte hinzu: "Und das war von Anfang an Teil des Plans."

Frieze Sculpture ist für zwei Monate (26. April bis 28. Juni) im gesamten Rockefeller Center kostenlos und für die Öffentlichkeit zugänglich. Mit Karten vor Ort und einem herunterladbaren Audioguide für iOS-Benutzer über die mobile Frieze-App.