"The Jazz Age" erinnert an Flapper, Gatsby, epische Partys und natürlich an Jazz. Aber wenn hohe Energie die Ära definierte, traf auch ihre Spannung auf das wilde Nachtleben auf Verbot; ein rascher Anstieg der amerikanischen Innovation stand im Widerspruch zu einer Sehnsucht nach europäischer Tradition; großer Wohlstand machte der Weltwirtschaftskrise Platz. Die Reibung all dieser Widersprüche prägte das folgende Jahrhundert - im populären Design vielleicht mehr als in jedem anderen Bereich des amerikanischen Lebens.
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Diese gegensätzlichen Einflüsse und die wichtige Rolle, die sie in den 1920er-Jahren gespielt haben, sind Gegenstand einer umfassenden neuen Show, "The Jazz Age: American Style in the 1920s", der ersten großen Museumsausstellung, die den amerikanischen Stil in dieser kreativ brennbaren Ära auf den Prüfstand stellt.
Die Show, die bis zum 20. August im Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum in New York City, stattfindet und gemeinsam mit dem Cleveland Museum of Art organisiert wird, beleuchtet diese bedeutende Ära, in der sich der amerikanische Geschmack und Lebensstil wandelten. Dies spiegelte sich in den Möbeln, dem Schmuck und dem Design der Zeit wider und war eine Zeit, in der Grenzen geprüft und in einigen Fällen überschritten wurden.
"Es ist die Quelle von so viel, was in den 30ern und darüber hinaus passiert", sagt Sarah Coffin, eine Cooper Hewitt-Kuratorin und Leiterin für Produktdesign und dekorative Kunst.
Die mehr als 400 Werke aus den Bereichen Schmuck, Mode, Architektur, Möbel, Textilien und mehr zeichnen ein Bild einer äußerst dynamischen Ära des Designs, das von lebendigen Farben und Innovationen geprägt ist. Um sich auf ein so großes Thema einzulassen, ist die Show auf zwei Ebenen in Themen unterteilt, die die wichtigsten Designtrends und Spannungen veranschaulichen, die die Epoche prägen.
"Sie sammeln zuerst das Universum der Objekte, das viel mehr ist, als Sie zeigen können", beschreibt Stephen Harrison, Kurator für dekorative Kunst und Design am Cleveland Museum of Art, den Gewinnungsprozess, mit dem die Organisatoren der Show zum ersten Mal konfrontiert waren. „Dann beginnen Sie sich zu fragen: Welche Fragen stellen sie? Welche Nachbarschaften? Welche Beziehungen entstehen? Und als wir anfingen, unsere Ideen zu verfeinern, haben wir unsere Objekte verfeinert. “
Das erste Thema, dem Besucher begegnen, ist vielleicht das, das sie am wenigsten erwarten: „Beharrlichkeit des traditionellen guten Geschmacks“.
Das Jazz-Zeitalter drehte sich nicht nur um Neues und Anderes: Dies war eine Zeit, in der die Amerikaner französische und englische Designs des 17. und 18. Jahrhunderts auf der Suche nach handgefertigten Antiquitäten waren, um ihren sozialen Status zu verbessern.
„In diesem Land gab es viele Menschen, die im Laufe des Jahrzehnts weiterhin Antiquitäten sammelten, Reproduktionen kauften und Dinge nach traditionellem Geschmack taten“, sagt Coffin.
Obwohl sich die Welt rasant veränderte, vermittelten Originalwerke im amerikanischen Kolonialstil sowie solche aus Frankreich und England des 17. und 18. Jahrhunderts immer noch sozialen Status. Die meisterhafte traditionelle Eisenarbeit eines Samuel-Yellin-Feuerschirms, eine von Max Kühne bemalte Decke mit Elementen des persischen Manuskripts und eine Sekretärin, die für eine Reproduktion von John Hancocks Haus nach einem Vorbild im Metropolitan Museum of Art angefertigt wurde, sind Beispiele für zeitgenössische Werke dass Museen, Sammler und wohlhabende Haushalte sammelten.
Aber auch neuartige europäische Stile wirkten sich auf amerikanische Stile aus. Veranstaltungen wie die Internationale Ausstellung für moderne dekorative und industrielle Kunst von 1925 in Paris halfen dabei, die Amerikaner für die neuen Designs zu sensibilisieren, die über den Atlantik hinweg eingeführt wurden. Museen in den USA (Cooper Hewitt und das Cleveland Museum sowie das Chicago Art Institute , das Newark Museum, das Metropolitan Museum of Art und das Brooklyn Museum) zeigten die Werke, erwarben viele der Werke und stellten einige zum Kauf für den Brunnen zur Verfügung hochhackig.
The Jazz Age: Amerikanischer Stil in den 1920er Jahren
Diese reich bebilderte Publikation fängt den dynamischen Puls der Jazzmusik der Epoche ein und untersucht den amerikanischen Geschmack und Stil während des goldenen Zeitalters der 1920er Jahre. Nach den zerstörerischen Jahren des Ersten Weltkriegs war dieses blühende Jahrzehnt eine Wiedergeburt der ästhetischen Innovation, die in hohem Maße von amerikanischem Talent und Mäzenatentum gepflegt wurde.
Kaufen„Alle diese Museen haben entweder Fonds für den Erwerb moderner europäischer dekorativer Kunst in dieser Zeit eingerichtet oder Shows mit modernem europäischem Design veranstaltet, die dann im Einzelhandel angeboten werden können“, sagt Emily Orr, stellvertretende Kuratorin für modernes und zeitgenössisches amerikanisches Design bei Cooper Hewitt.
Für diejenigen mit weniger verfügbarem Einkommen wurden Nachbauten bald weit verbreitet und leicht zu erwerben - ein Thema, das in der Ausstellungssektion „Eine kleinere Welt“ behandelt wurde. Eines der großartigen Mittel für diese Mischung von Einflüssen war das Kaufhaus. Orte wie Lord & Taylor und Macy's gründeten ihre eigenen Werkstätten, in denen Handwerker Stücke im europäischen Stil herstellten und sie für den Durchschnittsverbraucher erschwinglich machten.
„Für die Menschen ist es heutzutage sehr schwierig, sich ein Bild zu machen, aber der Präsident des Metropolitan Museum hat die Einführung in einen Katalog einer Ausstellung bei Macy's geschrieben“, sagt Coffin. "Das Museum erkannte, dass es seine Aufgabe war, die Werte des guten Designs und so weiter an die amerikanische Öffentlichkeit zu bringen und den amerikanischen Konsumenten darauf aufmerksam zu machen, dass sie es unterstützen würden - es konnte nicht nur in einem Museum sein."
Dies schuf ein eigenartiges Zusammenspiel von Exklusivem und Mainstream sowie Privatem und Öffentlichem. Coffin verweist auf ein auffälliges Paar Flügeltüren des Bildhauers Séraphin Soundbinine und des Designers Jean Dunand, die die Ausstellung verankern.
Solomon Guggenheim gab die Türen in Auftrag - jeder mit einem Engel auf einem Wolkenkratzer, der ein Horn bläst. Nachdem er 1925 die Pariser Messe besucht und Dunands Lackarbeiten gesehen hatte, war Guggenheim überzeugt, dass das Musikzimmer in seinem Haus in Port Washington ein solches Stück brauchte.
„Man kann sich keineswegs vorstellen, dass die Leute, die in diesem Haus solche Möbel im Baronialstil hatten, den Geschmack haben könnten, dies zu tun“, sagt Coffin. "Aber anscheinend haben sie beschlossen, dies zu tun."
Nachdem die Türen fertiggestellt waren, stellten die Guggenheimer sie in einer Galerie öffentlich zur Schau, bevor sie sie nach Hause brachten. Es war ein früher Ausflug in den Kunstkauf und die Kuration, der bald zunehmen würde (ihr erster Erwerb moderner Kunst würde ein Jahr später erfolgen).
Natürlich können wir nicht an die 1920er Jahre denken, ohne die raue und grenzüberschreitende Kultur zu berücksichtigen. Der Abschnitt „Bending the Rules - Stepping Out“ vermittelt dieses Gefühl für Möglichkeiten und sich verändernde Normen und zeigt, wie Jazzmusik und die soziale Welt, die sie umgibt, das Design geprägt haben. Vasen mit Jazz-Tänzern und einem Stoff namens Rhapsody sowie Filmausschnitte von Duke Ellington und anderen Darstellern des Cotton Club strahlen die Energie der damaligen Zeit aus. Schmuck, der die neue Mode ergänzt - lange Halsketten, die die Flapper tragen würden, eine geschnitzte Rubinkette von Van Cleef & Arpels, eine Gürtelschnalle von 1926 mit einem Skarabäusmotiv (das Grab von König Tut wurde 1922 freigelegt, so dass ein ägyptischer Look in der Schmuckmode Einzug hielt ) und ein Paar Cartier-Stücke von Linda Porter, der Frau des Komponisten Cole, sowie weiteres Zubehör für Make-up und Zigarettenrauchen spiegeln die freigeistige Befreiung und die sich wandelnden sozialen Sitten der Epoche wider.
Dieser sorglose Lebensstil war auch so etwas wie ein europäischer Import. Ein Gemälde des New Orleanser Künstlers Archibald Motley bringt es auf den Punkt, wie Coffin es ausdrückt - der Künstler verbrachte ein Jahr in Paris mit einem Guggenheim-Stipendium, und die Szene fängt die Energie der Ära ein - ein gemischter Club, Menschen tanzen, Musik beim spielen raucht eine frau eine zigarette und der wein fließt frei.
Der europäische Einfluss beruhte nicht nur auf einer größeren Leichtigkeit und einem größeren Interesse am Reisen, da immer mehr Amerikaner das Ausland besuchten und studierten, sondern auch auf den Kaskadeneffekten des Ersten Weltkriegs. Viele Designer waren vor und während des Krieges in die USA geflohen und hatten ihre eigenen Einflüsse und Interessen mitgebracht - Emigranten wie Paul T. Frankl, Joseph Urban, Walter von Nessen und Richard Neutra brachten Erfahrung in der europäischen Abstraktion sowie Bewunderung für Amerikanische Wolkenkratzer und weltoffene Energie. Dies wird in der Show am besten durch Frankls Skyscraper Bookcase Desk veranschaulicht. Der Einfluss erstreckte sich auch auf die Materialien, die diese Europäer verwendeten.
"Die Europäer bogen als erste Chromteile für ihre Möbel, und dies war ein unmittelbares Zeichen für das Neue, aber es hat auch mit Erschwinglichkeit und dem Wunsch nach Sauberkeit im Vergleich zu stark detaillierten, kunstvollen viktorianischen Formen zu tun", sagt Orr. "Es wurde auch in Autos und Radios verwendet und symbolisierte die Zukunft."
Der Freischwinger ist eine bedeutende Ikone dieser Epoche. Die Anpassung der Form an unterschiedliche Materialien zeigt, wie die Industrialisierung die Epoche geprägt hat. Es sollte ursprünglich flach verpackt und in Serie hergestellt werden, wurde jedoch zu Holz und Leder verarbeitet und von den Walt Disney Studios für seine Vorführräume übernommen.
„Der Industriedesigner ist eine Figur in dieser Zeit, die von so vielen Herstellern in allen Medien hervorgebracht wurde, die ihre traditionellen Linien für den modernen Verbraucher aktualisieren möchten“, sagt Orr.
Wie Harrison es ausdrückt: "Wir wollten den Geschmack definieren, indem wir uns die modern aussehenden Dinge mit den Dingen vergleichen, die in Form, Innovation und Technologie modern waren."
"The Jazz Age: American Style in den 1920er Jahren" ist bis zum 20. August im Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum in New York City zu sehen.
