Paul Gauguin mangelte es nicht an Selbstvertrauen. "Ich bin ein großartiger Künstler, und ich weiß es", prahlte er 1892 in einem Brief an seine Frau. Er sagte den Freunden, seinen Händlern und der Öffentlichkeit fast dasselbe und beschrieb seine Arbeit oft als noch besser als das, was vorher gewesen war. In Anbetracht der Geschichte der modernen Kunst war sein Vertrauen berechtigt.
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Als Maler, Bildhauer, Grafiker, Keramiker und Schriftsteller gilt Gauguin heute als einer der Giganten des Postimpressionismus und Pionier der Moderne. Er war auch ein großartiger Geschichtenerzähler, der in jedem Medium, das er berührte, Geschichten erzählte. Einige seiner Geschichten waren wahr, andere fast erfunden. Sogar die üppigen tahitianischen Meisterwerke, für die er am besten bekannt ist, spiegeln ein exotisches Paradies wider, das mehr eingebildet als real ist. Die Fabeln, die Gauguin drehte, sollten sich und seine Kunst fördern, eine Absicht, die mit dem Mann erfolgreicher war als seine Arbeit; er war zu seinen Lebzeiten bekannt, aber seine Gemälde verkauften sich schlecht.
"Gauguin schuf seine eigene Persönlichkeit und begründete seinen eigenen Mythos, was für ein Mann er war", sagt Nicholas Serota, der Direktor der Londoner Tate, dessen Ausstellung "Gauguin: Maker of Myth" letzten Monat in die Washingtoner Nationalgalerie reiste of Art (bis 5. Juni). "Gauguin hatte das echte Gefühl, künstlerische Größe zu besitzen", sagt Belinda Thomson, Kuratorin der Ausstellung der Tate Modern. "Aber er spielt auch Spiele, so dass Sie nicht sicher sind, ob Sie ihn wörtlich nehmen können."
Von den fast 120 ausgestellten Werken in Washington zeigen mehrere verlockende Selbstporträts Gauguin in verschiedenen Erscheinungsformen: kämpfender Maler in einem Mansardenstudio; verfolgtes Opfer; So wie Christus im Garten der Oliven. Ein Selbstporträt von 1889 zeigt ihn mit einem Heiligenschein und einer teuflischen Schlange (mit Äpfeln aus dem Garten Eden), was darauf hindeutet, wie widersprüchlich er sein könnte.
Mit Sicherheit hätte sich der Künstler über die erneute Aufmerksamkeit gefreut; Sein Ziel war es schließlich, berühmt zu werden. Er zog sich bizarr an, schrieb eigennützige Kritik an seiner Arbeit, machte Werbung für die Presse und verteilte sogar Fotos von sich an seine Fans. Er war oft betrunken, kämpferisch und promiskuitiv - und möglicherweise selbstmörderisch. Er entfernte sich von der Pariser Gesellschaft zu immer exotischeren Orten - Bretagne, Martinique, Tahiti und schließlich zu den Marquesas-Inseln in Französisch-Polynesien -, um einer Welt zu entkommen, die er für zu schnell modernisiert hielt.
Seine lebhaften Farben, die Abflachung der Perspektive, die vereinfachten Formen und die Entdeckung der sogenannten primitiven Kunst ließen ihn Einfluss auf Fauvismus, Kubismus und Surrealismus nehmen. Seine starke Persönlichkeit trug auch dazu bei, die Konvention des Künstlers als Bilderstürmer zu etablieren (denken Sie an Andy Warhol oder Julian Schnabel). "Er schöpfte aus der französischen Symbolik und Poesie, aus der englischen Philosophie, der Bibel und den Legenden der Südsee", sagt Mary G. Morton, die Kuratorin für französische Gemälde in der National Gallery. "Er verfolgte einen multikulturellen Ansatz bei seiner Arbeit."
Soyez mystérieuses (Sei geheimnisvoll) ist der Titel, den Gauguin einem Holzrelief eines weiblichen Badenden gab. Es war ein Gebot, nach dem er lebte. Als ob seine Bilder nicht mehr eindeutig genug wären, gab er ihnen absichtlich verwirrende Titel. Einige waren in Form von Fragen, wie z. B. Woher kommen wir? Was sind wir? Wohin gehen wir? Eine tropische Szene, so rätselhaft wie ihr Titel. Andere wurden auf Tahitianisch geschrieben, eine Sprache, die einige potenzielle Käufer abschreckend fanden. Selbst in seinen frühesten Bildern würde Gauguin ein seltsames Objekt einfügen: einen übergroßen Krug zum Beispiel in das ansonsten charmante Porträt seines schlafenden kleinen Sohnes Clovis. In The Loss of Virginity ist das seltsame Element ein Fuchs, dessen Pfote beiläufig auf der Brust einer nackten Frau ruht, die in einer bretonischen Landschaft liegt. (Das Model, eine Pariser Näherin, würde bald Gauguins Kind gebären, eine Tochter namens Germaine.)
Der Künstler selbst war wahrscheinlich der Fuchs auf dem Bild, ein Tier, von dem er behauptete, es sei das „indische Symbol der Perversität“. Ein Achtel der Peruaner, dieser Sohn bürgerlicher Pariser, bezeichnete sich oft als Teil der Wildheit. Sein erster Händler, Theo van Gogh (der Bruder von Vincent), meinte, dass Gauguins Werk schwer zu verkaufen sei, weil er "halb Inka, halb Europäer, abergläubisch wie der erstere und in Ideen wie bestimmten letzteren fortgeschritten" sei.
Die Südsee bot Gauguin einige seiner besten Möglichkeiten, Legenden zu schreiben. Enttäuscht, dass viele traditionelle Rituale und Götter bereits aus der tahitianischen Kultur verschwunden waren, rekonstruierte er einfach seine eigene. Zurück in Paris schuf er eine seiner rätselhaftesten Skulpturen: einen grotesken weiblichen Akt mit großen Augen, der einen blutigen Wolf zu ihren Füßen trampelte und eine kleinere Kreatur mit den Händen ergriff. Gauguin betrachtete es als sein keramisches Meisterwerk und wollte, dass es auf sein Grab gelegt wurde. Sein Titel: Oviri, Tahitian für "Savage".
Gauguins Leben war interessant genug, ohne die ganze Mythologie. Er wurde am 7. Juni 1848 in Paris als Sohn des politischen Journalisten Clovis Gauguin und seiner Frau Aline Marie Chazal, der Tochter einer prominenten Feministin, als Eugene Henri Paul Gauguin geboren. Mit Revolutionen, die Europa erfassten, als Paul kaum ein Jahr alt war, suchte die Familie die relative Sicherheit von Peru, wo Clovis beabsichtigte, eine Zeitung zu gründen. Aber er starb unterwegs und ließ Aline, Pauls und Pauls Schwester Marie zurück, um weiter nach Lima zu fahren, wo sie bei Alines Onkel blieben.
Fünf Jahre später kehrten sie nach Frankreich zurück; Gauguin war mit 17 Jahren wieder auf hoher See, zuerst in der Handelsmarine, dann in der französischen Marine. „Wie Sie sehen, war mein Leben immer sehr unruhig und uneinheitlich“, schrieb er in Avant et Après (Vorher und Nachher ), autobiografischen Überlegungen, die nach seinem Tod veröffentlicht wurden. "In mir sehr viele Mischungen."
Als Gauguins Mutter 1867 starb, wurde ihr enger Freund Gustave Arosa, ein Finanzier und Kunstsammler, sein Vormund. Arosa stellte seine Gemeinde den Pariser Malern vor, verhalf ihm zu einer Anstellung als Börsenmakler und arrangierte ein Treffen mit Mette Gad, der Dänin, die er 1873 heiraten würde.
Zu dieser Zeit war Gauguin von Menschen umgeben, die Künstler werden wollten, darunter auch die Börsenkollegin Émile Schuffenecker, die auch nach anderen, die Gauguins Possen überdrüssig waren, eine Freundin bleiben würde. Sie besuchten Kunstausstellungen, kauften französische Bilder und japanische Drucke und probierten Öl aus. Obwohl Gauguin nur ein Sonntagsmaler war, ließ er sich auf dem wichtigen Pariser Salon von 1876 eine Landschaft zulassen. Sechs Jahre später, als er seinen Job beim Börsencrash von 1882 verlor, begann Gauguin hauptberuflich zu malen, obwohl er dies getan hatte eine Frau und vier Kinder zur Unterstützung. "Niemand hatte ihm die Idee zu malen", sagte Mette viel später zu einem der Biographen ihres Mannes. "Er hat gemalt, weil er es nicht anders konnte."
Um Geld zu sparen, zog die Familie, zu der letztendlich fünf Kinder gehören würden, in Mettes Familienheim in Kopenhagen. Gauguin beschrieb sich selbst als "mehr denn je von seiner Kunst gequält", und er lebte nur ein halbes Jahr mit seinen Schwiegereltern und kehrte im Juni 1885 mit Sohn Clovis nach Paris zurück. Clovis wurde in Maries Obhut gebracht; Gauguin lebte nie wieder mit seiner Familie zusammen.
Eine Suche nach immer günstigeren Unterkünften führte ihn 1886 in die Bretagne, wo der Künstler seiner Frau bald mit charakteristischer Tapferkeit schrieb, dass er in Pont-Aven als „bester Maler“ geachtet wurde, „obwohl das kein Geld mehr bringt in meiner Tasche. “Das Dorf an der Westspitze Frankreichs zog Künstler wegen seiner rauen Landschaft, der posierenden Kostümbewohner und des keltischen Aberglaubens an, der von katholischen Ritualen überlagert war, die das tägliche Leben durchdrangen. "Ich liebe Brittany", schrieb Gauguin. „Ich finde hier das Wilde und das Primitive. Wenn meine Holzschuhe auf diesem Granitboden schwingen, höre ich den dumpfen, kraftvollen Knall, den ich beim Malen suche. “
Obwohl Gauguin ein Bewunderer von Claude Monet, ein Sammler von Paul Cézanne, ein Schüler von Camille Pissarro und ein Freund von Edgar Degas war, hatte er lange versucht, über den Impressionismus hinauszugehen. Er wollte, dass seine Kunst intellektueller, spiritueller und weniger abhängig von schnellen Eindrücken der physischen Welt ist.
In Pont-Aven schlug seine Arbeit eine radikal neue Richtung ein. Seine Vision von der Predigt war das erste Gemälde, bei dem er lebhafte Farben und einfache Formen in kräftigen, schwarzen Konturen verwendete, in einem Stil namens Cloisonnismus, der an Buntglas erinnert. Der Effekt bewegte das Bild von der natürlichen Realität weg in einen jenseitigen Raum. In der Predigt teilt ein Ast auf einem Feld aus Zinnoberrot das Bild diagonal im japanischen Stil. Im Vordergrund hat eine Gruppe bretonischer Frauen, deren traditionelle Hauben wie "monströse Helme" aussehen (wie Gauguin Vincent van Gogh schrieb), in Träumereien die Augen geschlossen. Oben rechts ist ihre kollektive religiöse Erfahrung zu sehen: die biblische Szene, in der Jakob mit einem goldgeflügelten Engel ringt. Eine Kritikerin reagierte auf das stimmungsvolle, halluzinatorische Bild mit der Salbung von Gauguin, dem Meister des Symbolismus.
Gauguin war erfreut über die große Leinwand und bat Künstlerfreunde, sie zur Präsentation in einer nahegelegenen Steinkirche mitzunehmen. Der örtliche Priester lehnte die Spende jedoch als "unreligiös und uninteressant" ab. Gauguin nutzte diesen Affront als Gelegenheit für die Öffentlichkeitsarbeit, schrieb empörte Briefe und ermutigte seine Mitarbeiter, das Wort in Paris zu verbreiten. Die Kunsthistorikerin Nancy Mowll Mathews bemerkte: "Gauguins Vision der Predigt hat mehr Bekanntheit erlangt als jemals zuvor, wenn sie vom Priester höflich angenommen und ebenso höflich in einen Schrank gesteckt wurde."
1888 lud Vincent van Gogh Gauguin, den er in Paris kennengelernt hatte, nach Arles ein, um mit ihm ein „Atelier des Südens“ für Künstler zu gründen. Zuerst machte Gauguin mit der Begründung, er sei krank, einen Vorwurf -geritten oder zu stark in ein potenzielles Geschäft involviert. Aber Theo van Gogh bot dem ewig armen Gauguin einen Grund, die Einladung seines Bruders anzunehmen - ein Stipendium für ein Gemälde im Monat. Gauguins zweimonatiger Aufenthalt in Arles 'Gelbem Haus erwies sich als produktiv - und voller Probleme. "Vincent und ich sind uns nicht einig über viel und vor allem nicht über das Malen", schrieb Gauguin Anfang Dezember. In einem betrunkenen Streit trat van Gogh kurz darauf mit einem Rasiermesser an Gauguin heran. Gauguin floh, und van Gogh drehte den Rasierer auf sich selbst und schnitt sich einen Teil seines Ohrs ab. Trotzdem korrespondierten die beiden, bis van Gogh sich 18 Monate später umbrachte.
Nachdem Gauguin von Arles nach Paris zurückgekehrt war, schuf er eine seiner bizarrsten Schnitzereien, die Selbstporträt-Vase in Form eines abgetrennten Kopfes . Vielleicht eine Anspielung auf Johannes den Täufer, tropft dieser Steinzeugkopf mit makabroter Glasur. Kam das grausame Bild von der blutigen Erfahrung mit van Gogh? Das Guillotining eines verurteilten Mörders, den Gauguin kürzlich miterlebt hatte? Oder war es nur eine Anspielung auf die damalige Faszination des Makabren?
Die Weltausstellung von 1889, für die der Eiffelturm gebaut wurde, war für Gauguin ein entscheidender Moment. Er besuchte begeistert Buffalo Bills Wild West Show, bewunderte die Gipsabgüsse des buddhistischen Tempels von Borobudur und betrachtete die ausgestellten Gemälde. Künstler, die nicht an diesen staatlich geförderten Exponaten beteiligt waren, versuchten, die Popularität der Messe (28 Millionen Menschen) zu nutzen, indem sie ihre eigenen Shows außerhalb des Messegeländes organisierten. Aber der ungebetene Gauguin, der weitgehend von dem hingebungsvollen Schuffenecker unterstützt wurde, veranstaltete kühn eine Gruppenausstellung im Volpini's Café auf dem Messegelände.
Gauguin war besonders angetan von den ethnografischen Exponaten der Ausstellung mit Einheimischen aus Frankreichs Kolonien in Afrika und im Südpazifik. Er malte javanische Tänzer, sammelte Fotos von Kambodscha und weckte sonst seinen Wunsch nach einem tropischen Elysium. Er wollte, schrieb er, "den Einfluss der Zivilisation loswerden ... mich in die jungfräuliche Natur eintauchen, niemanden außer Wilden sehen, ihr Leben leben". Er war sich auch bewusst, dass "Neuheit unerlässlich ist, um die Dummen zu stimulieren." öffentlich einkaufen. “
Es war wahrscheinlich die Ausstellung, die ihn auf Tahiti hinwies. Als er sich auf seine Reise im folgenden Jahr vorbereitete, schrieb er an einen Freund, dass „der Tahitianer unter einem winterlosen Himmel auf wunderbar fruchtbarem Boden nur seine Arme ausstrecken muss, um sein Essen zu sammeln.“ Die Beschreibung kommt fast wörtlich von das offizielle Handbuch der Ausstellung.
Als Gauguin im Juni 1891 in der Hauptstadt von Französisch-Polynesien, Papeete, ankam, fand er es viel weniger exotisch als er gedacht oder gehofft hatte. "Der tahitianische Boden wird vollständig französisch", schrieb er an Mette. "Unsere Missionare hatten bereits viel protestantische Heuchelei verbreitet und einiges von der Poesie" der Insel ausgelöscht. Die Missionare hatten auch, zweifellos zu Gauguins Entsetzen, die Damenmode von traditionellen Sarong- und Pareu-Kleidern zu Baumwollkleidern mit hohem Kragen und langen Ärmeln verändert. Er zog bald in das Dorf Mataiea, wo die Einheimischen und die tropische Landschaft ihm mehr zusagten, weil sie weniger verwestlicht waren.
Gauguin hat in seinem beunruhigenden Gemälde Arii Matamoe (Das königliche Ende) den Niedergang des alten Tahitianerordens gewürdigt . Das Herzstück ist ein abgetrennter Kopf, den Gauguin kühl als "schön auf einem weißen Kissen in einem Palast meiner Erfindung angeordnet und auch von Frauen meiner Erfindung bewacht" beschrieb. Die Inspiration für das Gemälde, wenn nicht die Enthauptung, könnte das gewesen sein Begräbnis von König Pomare V, das Gauguin kurz nach seiner Ankunft auf der Insel miterlebte; Pomare wurde nicht geköpft.
Obwohl ein vehementer Antikleriker, konnte der Künstler sein katholisches Erbe nicht vollständig erschüttern. Sein respektvolles Abendmahl kontrastiert die Brillanz von Christi chromgelbem Heiligenschein mit nüchternen Stammesschnitzereien. In der Geburt Christi hält eine tahitianische Krankenschwester das Jesuskind, während ein grünflügeliger Engel Wache steht und eine erschöpfte Maria ruht.
In seinen Notizbüchern sowie in seiner Fantasie trug Gauguin die Werke, die ihm am meisten bedeuteten. Darunter: Fotografien ägyptischer Grabmalereien, Meisterwerke der Renaissance und ein Auktionskatalog seiner Hüterin Arosa von 1878 mit Werken von Camille Corot, Gustave Courbet und Eugene Delacroix. Wie viele Künstler von heute - unter ihnen Jeff Koons, Richard Price und Cindy Sherman - hat Gauguin sie alle frei enteignet. "Er hat seine weitreichenden Anleihen nicht verschleiert", sagt Kurator Thomson. "Das ist eine andere Art und Weise, in der er so modern ist."
An der Wand seiner Bambushütte in Mataeia hing Gauguin eine Kopie von Olympia, Édouard Manets revolutionärem Gemälde einer schamlos nackten Prostituierten mit einer Blume im Haar. Gauguin, der immer Unheil stiftende, führte seine junge Geliebte Tehamana dazu, zu glauben, es sei ein Porträt seiner Frau. Tehamana war das Vorbild für verschiedene Arbeiten in der Ausstellung, darunter Merahi Metua no Tehamana (Die Ahnen von Tehamana), Te Nave Nave Fenua (Das herrliche Land) und Manao tupapau (Der Geist der Toten bewacht) .
Obwohl Manets Meisterwerk, das Gauguin einst kopiert hatte, zweifellos Manao Tupapau inspirierte, liegt Gauguins Geliebte nicht wie Olympia auf ihrem Rücken, sondern auf ihrem Bauch, und ihre Augen blicken entsetzt über die Schulter auf den Tupapau, einen schwarzhaarigen Geist, in der Nähe des Fußes vom Bett.
"So wie es aussieht, ist das Studium ein wenig unanständig", gab Gauguin in Noa Noa zu, einem Bericht über seine Reisen nach Tahiti, den er nach seiner Rückkehr nach Paris schrieb. "Und doch möchte ich ein keusches Bild machen, das die Mentalität der Eingeborenen, ihren Charakter, ihre Tradition vermittelt." Also schuf Gauguin eine Hintergrundgeschichte für das Gemälde, eine, die wahr sein kann oder nicht. Er behauptete, als er eines Nachts spät in die Hütte zurückkehrte, seien die Lampen ausgegangen. Er zündete ein Streichholz an und erschreckte Tehamana so sehr aus ihrem Schlaf, dass sie ihn anstarrte, als wäre er ein Fremder. Gauguin lieferte einen vernünftigen Grund für ihre Befürchtung - „die Eingeborenen leben in ständiger Angst vor [dem Tupapau].“ Trotz seiner Bemühungen, die Erzählung zu kontrollieren und zu moderieren, fand die schwedische Akademie der Schönen Künste Manao tupapau ungehörig und entfernte sie aus einer Gauguin-Ausstellung im Jahr 1898.
Obwohl Gauguins zwei Jahre auf Tahiti produktiv waren - er malte ungefähr 80 Leinwände und fertigte zahlreiche Zeichnungen und Holzskulpturen an -, brachten sie wenig Geld ein. Entmutigt entschloss er sich, nach Frankreich zurückzukehren und im August 1893 mit nur vier Franken in Marseille zu landen. Mit Hilfe von Freunden und einer kleinen Erbschaft gelang es ihm jedoch bald, eine Einzelausstellung seiner tahitianischen Arbeit zu zeigen. Die kritische Aufnahme war gemischt, aber der Kritiker Octave Mirbeau staunte über Gauguins einzigartige Fähigkeit, "die Seele dieser merkwürdigen Rasse, ihre mysteriöse und schreckliche Vergangenheit und die seltsame Üppigkeit ihrer Sonne" einzufangen. Und Degas, dann auf dem Höhepunkt seines Erfolgs und Einfluss, kaufte mehrere Gemälde.
Er verwandelte sein Montparnasse-Studio in einen vielseitigen Salon für Dichter und Künstler. Er spielte um Anerkennung, trug einen blauen Mantel mit einem Astrachan-Fes, trug einen handgeschnitzten Spazierstock und verstärkte sein auffälliges Image mit einer weiteren jungen Geliebten, der jugendlichen Anna, der Javanerin, und ihrem Haustieraffen. Sie begleitete Gauguin nach Pont-Aven, wo Gauguin den Sommer 1894 verbringen wollte. Doch anstatt die künstlerischen Impulse der Bretagne zu genießen, geriet Gauguin bald in eine Schlägerei mit bretonischen Seeleuten, die sich um Anna und ihren Affen kümmerten ihn mit einem gebrochenen Bein. Während er sich erholte, kehrte Anna nach Paris zurück, plünderte seine Wohnung und beendete nachdrücklich ihre monatelange Beziehung.
Feministinnen könnten Annas Vorgehen als Rückzahlung für Gauguins langen Missbrauch von Frauen ansehen. Schließlich verließ er seine Frau und seine Kinder, suchte minderjährige Geliebte auf und führte ein Leben mit Hedonismus, das mit einer durch Syphilis verschlimmerten Herzinsuffizienz endete. Trotzdem drückte er oft seine Trauer über seine gescheiterte Ehe aus und vermisste insbesondere seine Kinder. Und er schuf weit mehr weibliche als männliche Bilder und teilte mit seinen symbolistischen Zeitgenossen die Idee des Ewigen Weiblichen, in dem Frauen entweder verführerische Femmes-Fatales oder tugendhafte Quellen spiritueller Energie waren. Seine hübschen, rätselhaften Tahitianerinnen sind zu Ikonen der modernen Kunst geworden.
Dann gibt es die aufwändigen Türschnitzereien, die Gauguins endgültigen Wohnsitz auf den abgelegenen, französisch-polynesischen Marquesas-Inseln, etwa 850 Meilen nordöstlich von Tahiti, identifizieren. Er war im September 1901 im Alter von 53 Jahren dort, um eine „unzivilisierte Umgebung und völlige Einsamkeit“ zu finden, die „meine Phantasie wieder aufleben lässt und mein Talent zum Abschluss bringt“. Die serifenlosen Buchstaben der Tür verdeutlichen Maison du Jouir ( House of Pleasure) - ein Ort des Missverständnisses. Vielleicht, um seinen Nachbarn, den katholischen Bischof, zu verspotten, zeigt das Portal stehende weibliche Akte und die Ermahnung zu „Soyez amoureuses vous serez heureuses“ - „Sei verliebt und du wirst glücklich sein.“ Tatekuratorin Christine Riding schlägt vor, dass die Arbeit möglicherweise nicht sein wird so antifeministisch, wie es die heutigen Sitten andeuten könnten. Gauguin bietet Frauen vielleicht eine befreiende Idee: Warum sollten sie nicht genauso gerne Sex haben wie Männer?
Gauguin verbrachte seine letzten Tage damit, gegen die Kolonialbehörden wegen angeblicher Korruption sowie wegen seiner Ansicht nach ungerechtfertigter Vorschriften in Bezug auf Alkohol und Moral von Kindern vorzugehen. In einheimischer Tracht und mit nackten Füßen argumentierte er auch - vor Gericht -, dass er keine Steuern zahlen müsse. "Für mich ist es wahr: Ich bin ein Wilder", schrieb er an Charles Morice, den Mitarbeiter seiner Memoiren Noa Noa . „Und zivilisierte Menschen ahnen das, denn in meinen Werken gibt es nichts, was so überraschend und verwirrend ist wie dieser Aspekt, der‚ wild gegen mich selbst 'ist. Deshalb ist [meine Arbeit] unnachahmlich. “
Als sich sein Gesundheitszustand verschlechterte, überlegte Gauguin, nach Europa zurückzukehren. Sein Freund Daniel de Monfreid sprach sich dagegen aus und sagte, der Künstler sei nicht bereit, die Reise anzutreten, und eine Rückkehr nach Paris würde seinen wachsenden Ruf gefährden. "Sie sind im Moment der außergewöhnliche, legendäre Künstler, der aus den Tiefen Ozeaniens seine beunruhigenden, unnachahmlichen Werke schickt, die endgültigen Werke eines großen Mannes, der sozusagen vom Erdboden verschwunden ist."
Gauguin war fast mittellos und erkrankt. Er starb am 8. Mai 1903 im Alter von 54 Jahren und wurde auf den Marquesas beigesetzt. In diesem Jahr fand in Paris eine kleine Retrospektive statt. 1906 folgte eine große Ausstellung mit 227 Werken, die unter anderem Pablo Picasso und Henri Matisse beeinflusste. Gauguin war endlich berühmt.
Ann Morrison ist die frühere Herausgeberin von Asiaweek und Mitherausgeberin der europäischen Ausgabe von Time . Sie lebt jetzt in Paris.
Paul Gauguin bestand in einem Selbstporträt von 1889 darauf, "den Einfluss der Zivilisation loszuwerden". (National Gallery of Art, Sammlung Chester Dale) 
Gauguins tahitianische Geliebte Tehamana modellierte für viele seiner Arbeiten in der Südsee, darunter das üppige Te Nave Nave Fenua (Das herrliche Land) von 1892, in dem eine tahitianische Eva nach einer Blume greift. (Ohara Kunstmuseum) 
Arii Matamoe (The Royal End), 1892, basiert möglicherweise auf der Beerdigung des tahitianischen Königs Pomare V. (Das J. Paul Getty Museum, Los Angeles) 
Gauguin nannte das Flachrelief eines weiblichen Badenden Be Mysterious, 1889, ein Gebot, nach dem er sein Leben lebte. (Musée d'Orsay / Réunion des Musées Nationaux / Kunstquelle, NY) 
Dieser glasierte Keramikkopf von 1889 ist ein Selbstporträt von Gauguin. (Dänisches Museum für Kunst und Design, Kopenhagen) 
"Über vieles sind Vincent und ich uns nicht einig", schrieb Gauguin, 1888, über Arles Mitbewohner van Gogh. (Bridgeman Art Library International) 
Warum hat Gauguin einen hölzernen Krug in das Porträt seines Sohnes Clovis Asleep von 1884 aufgenommen? Die Antwort könnte in dem Bedürfnis des Künstlers liegen, sich der Konvention zu widersetzen, oder er hat es wahrscheinlich einfach gemalt: Der kostbare Besitz taucht in mehreren seiner Werke auf. (Privatsammlung) 
Obwohl er ein vehementer Antikleriker ist, hat Gauguin Symbole seiner katholischen Erziehung in viele seiner Gemälde eingearbeitet. In Nativity, 1896, hält eine tahitianisch aussehende Nanny das Jesuskind in der Hand, während ein grünflügeliger Engel Wache steht. im Hintergrund schläft Mary. (Eremitage, St. Petersburg) 
"Ich bin ein großartiger Künstler und ich weiß es", schrieb Gauguin in einem Selbstporträt von 1903 im Jahr 1892. "Weil ich es weiß, habe ich solche Leiden ertragen." (Kunstmuseum / Erich Lessing / Kunstquelle) 
Gauguin malte 1893 Merahi Metua no Tehamana (Die Vorfahren von Tehamana) in Tahiti. (Das Art Institute of Chicago, Geschenk von Herrn und Frau Charles Deering McCormick) 
Gauguin, Stillleben mit Fächer, 1888. (Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY) 
Gauguin, Te Rerioa (Der Traum), 1897. (Samuel Courtauld Trust, Courtauld Gallery, London) 
Gauguin, Bonjour Monsieur Gauguin, 1889. (Hammer Museum, Los Angeles, Sammlung Armand Hammer, Schenkung der Armand Hammer Foundation) 
Gauguin, Christus im Garten der Oliven, 1889. (Norton Kunstmuseum, West Palm Beach, Geschenk von Elizabeth C. Norton) 
Gauguin, zwei Kinder, c. 1889. (Ny Carlsberg Glyptotek, Kopenhagen) 
Gauguin, No te aha oe ririr (Warum bist du wütend?), 1896. (Kunstinstitut von Chicago, Sammlung von Herrn und Frau Martin A. Ryerson) 
Gauguin, Te Faaturuma (Die brütende Frau), 1892. (Worcester Art Museum) 
Gauguin, Porträt des Künstlers mit Idol, c. 1893. (Sammlung des McNay Art Museum, San Antonio, Nachlass von Marion Koogler McNay) 
Gauguin, Der gelbe Christus, 1889. (© Albright-Knox Kunstgalerie / Kunstquelle, NY)
