Brian Jungen wollte sein Studio in Vancouver verlassen und einige Zeit im Freien verbringen. Im April 2008 machte er sich auf den Weg nach Australien und lagerte auf Cockatoo Island im Hafen von Sydney. Dort, als er nach oben blickte, fielen ihm zwei Dinge auf: der Nachthimmel voller Sternbilder, wie er sie auf der Nordhalbkugel noch nicht gesehen hatte, und der ständige Verkehr mit Flugzeugen. "Die Insel stand direkt im Einklang mit dem Sydney International Airport", erinnert er sich.
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Mit Blick auf Astronomie und Flugreisen kaufte und riss er Gepäckstücke auseinander, um Skulpturen zu schaffen, die von den Tieren inspiriert waren, die die Ureinwohner Australiens in Sternbildern sahen - darunter ein Alligator mit einem Rücken aus Tragetaschen und ein Hai mit einem Flosse aus dem grauen Äußeren eines Samsonite-Koffers. Zwei Monate später hing die Menagerie beim australischen Festival für zeitgenössische Kunst an einem 26 mal 20 Fuß großen Handy, Crux .
Es gibt eine alte Überzeugung, die von vielen Kulturen geteilt wird, dass eine Skulptur in einem ungeschnittenen Steinblock versteckt ist und nur darauf wartet, dass ein Künstler sie enthüllt. Jungen, 39, würde wahrscheinlich zustimmen: Der halb-schweizerische Installationskünstler Dunne-za (ein kanadischer Indianerstamm) hat die Gabe, Bilder in alltäglichen Objekten zu sehen. "Wenn ein Produkt bricht, ist es in meinen Augen irgendwie befreit", sagt Jungen. Als der Chief Council von Dunne-za 1997 damit begann, Gelder aus einem Landrechtsstreit unter Stammesmitgliedern zu verteilen, bemerkte der Künstler, dass einige von ihnen das Geld verwendeten, um Ledersofas zu kaufen. "Ich dachte, es wäre diese verrückte Ikone des Reichtums", sagt er. "Aber in ihnen steckt viel Versteck." Jungen zerlegte 11 Natuzzi-Sofas und baute aus Leder und Holz ein massives Tipi.
Im Jahr 2000 bemerkte Jungen, wie all die zerbrochenen weißen Terrassenstühle aus geformtem Kunststoff auf den Bordsteinen in den Müll geworfen wurden. Zu dieser Zeit habe er über die Geschichte des Walfangs gelesen und "alles irgendwie angeklickt". Daher Shapeshifter (2000), Cetology (2002) und Vienna (2003) - drei 21 bis 40 Fuß lange Walskelette, die mit aus den Stühlen geschnitzten Plastikknochen hergestellt wurden. Nächsten Monat wird Jungen der erste lebende Künstler sein, der im National Museum of the American Indian (NMAI) in Washington, DC, eine Einzelausstellung hat. "Brian Jungen: Strange Comfort" wird am 16. Oktober eröffnet installiert im Potomac Atrium, der Hochrotunde des Museums.)
Jungen sitzt in einem Konferenzraum im fünften Stock des Museums und trägt ein T-Shirt, Shorts mit Tarnung und Adidas-Trailrunner. Er zeigt einen Teenagergeist, der seinem Alter nicht gerecht wird. Es ist, als ob sein Nachname, der auf Schweizerdeutsch übersetzt "Jugend" bedeutet, prophetisch ist - bis hin zu seiner subtilen Mohawk-Frisur und seinem schüchternen Lächeln, das Zahnspangen zeigt.
Jungen betrachtet seine Arbeit als "Rückkehr zur Nutzung dessen, was einem indianischen Künstler zur Verfügung steht". Er schreibt seiner Dunne-za-Seite der Familie seinen Einfallsreichtum zu. Als Kind im Nordosten von British Columbia sah er seinen Verwandten zu, wie sie verschiedene Haushaltsgegenstände recycelten, um ihre Nützlichkeit zu erweitern. In seinen frühen Jahren beschäftigte er sich mit nahezu jedem künstlerischen Medium. Bei einem Besuch in New York City im Jahr 1998 sah Jungen in einem Schaufenster rote, weiße und schwarze Nike Air Jordan-Basketballschuhe. Sie waren die traditionellen Farben der Haida, einer indigenen Bevölkerung an der pazifischen Nordwestküste. Der "Zauberer", wie ihn Grace Glueck, die Kunstkritikerin der New York Times, nannte, nähte die Schuhe wieder akribisch zu Zeremonienmasken, formte Schuhzungen zu gebogenen Ohren, verstärkte Zehen zu Kinn und Nike zauberte Augen.
Jungen zieht es zu solchen Dingen, weil er daran interessiert ist, wie der Profisport das Bedürfnis nach Zeremonie innerhalb der größeren Kultur der Gesellschaft erfüllt. Damit, so die Kritiker, schließt er die Kluft zwischen indigener und Massenkultur.
Paul Chaat Smith, Kurator der NMAI, stimmt dem zu. "Er hat einen Weg gefunden, über eine indische Erfahrung zu sprechen, indem er neue Materialien und neue Ideen auf eine Weise verwendet, die vielen Künstlern, Einheimischen und anderen, Raum bietet", sagt Smith.























