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Europas kleine Hausmuseen

Was macht kleine, eigenartige Museen so faszinierend? Vielleicht liegt es daran, dass sie bis in die Antike zurückverfolgt werden können, als in griechisch-römischen Tempeln sowohl wundersame Kunstwerke als auch heidnische Relikte ausgestellt wurden - der Speer von Achilles, Helen von Troys Sandale oder "Gigantenknochen" (normalerweise versteinerte Mammutreste). Mittelalterliche Kathedralen setzten die Tradition fort: Schildkrötenpanzer oder "Greifeier" (eigentlich die von Strauße) könnten neben den Reliquien von Heiligen platziert werden. In der Renaissance begannen die italienischen Fürsten, Kuriositätenkabinette zusammenzustellen, die eklektische Exponate enthielten, zu denen jede Kreation von Menschen oder Natur gehörte: ägyptische Mumien, Perlen, klassische Skulpturen, Insekten, riesige Muscheln oder "Einhornhörner" (meistens von Narwalen). Die italienische Sammelleidenschaft breitete sich aus, so dass es Ende des 18. Jahrhunderts Tausende von Privatgalerien in wohlhabenden Häusern in ganz Europa gab. Auf ihren großen Touren durch den Kontinent konnten Reisende von einem wunderbaren Wohnzimmer zum nächsten reisen und schöne und mysteriöse Objekte betrachten.

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Mitte des 19. Jahrhunderts begannen staatlich finanzierte Institutionen wie der Louvre, das Britische Museum und der Prado von Madrid, diese privaten Sammlungen zu erwerben, von denen viele von Familienmitgliedern geerbt worden waren, denen entweder die Finanzen oder die Begeisterung fehlten, sie zu pflegen. Trotz des finanziellen Vorteils großer Museen haben sich kleine esoterische Museen hartnäckig behauptet. Tatsächlich ist Europa immer noch voll von ihnen, und sie rufen eine Hingabe hervor, die ihre größeren Kollegen oft nicht haben.

Viele dieser kleinen Sammlungen befinden sich noch immer in den ursprünglichen Häusern ihrer Besitzer und spiegeln deren Persönlichkeit wider. Einige von ihnen verfügen über Sammlungen, die in größeren Museen einen hohen Stellenwert einnehmen, während die häusliche Umgebung ein Gefühl der Intimität zulässt, das in großen Galerien nur schwer zu finden ist. Und trotz ihrer Eigenheiten bieten diese Hausmuseen oftmals einen seltenen Einblick in die Geschichte und den Charakter einer Stadt. Hier sind vier Favoriten:

London
Sir John Soanes Museum

Es war ein feuchter Londoner Abend, als ich über den großen, grünen Platz von Lincolns Inn Fields zu einer geschmackvollen Reihe dunkler georgianischer Stadthäuser ging. Bei näherer Betrachtung zeigte die Fassade Nr. 13 an, dass es sich nicht um ein gewöhnliches Haus handelte: In die italienische Loggia oder Veranda aus cremigem Portlandstein waren vier gotische Sockel eingemauert, und darüber befanden sich zwei Repliken antiker griechischer Karyatiden. Diese Blütezeit deutet jedoch nur auf die wunderbare Welt hin, die sich in der ehemaligen Heimat von Sir John Soane (1753-1837) befindet, einem der angesehensten britischen Architekten und fleißigen Sammler. Soane verwandelte sein Haus nicht nur in ein verschwenderisches Privatmuseum, er sorgte auch dafür, dass nach seinem Tod nichts mehr verändert werden konnte. Aus diesem Grund ist das Sir John Soane's Museum möglicherweise das exzentrischste Reiseziel in einer Stadt voller exzentrischer Attraktionen. Wenn Sie es besuchen, haben Sie das Gefühl, dass Soane selbst jeden Moment hereinkommt, um die Klassiker über einen Brandy zu diskutieren. Um die Intimität des Erlebnisses zu bewahren, dürfen jeweils nur 50 Besucher eintreten. Und die Erinnerung an eine vergangene Zeit ist noch intensiver, wenn Sie - wie ich - am ersten Dienstagabend des Monats besuchen, wenn das Museum fast ausschließlich von Kerzen beleuchtet wird.

Als ich klingelte, öffnete sich die imposante Holztür und zeigte einen grauhaarigen Gentleman, der durchaus Soanes Butler gewesen sein könnte. Während ich das Gästebuch unterzeichnete, machte sich ein Bediensteter über meinen Mantel und meinen Regenschirm Gedanken und nahm sie zur Aufbewahrung mit. Ich wurde dann in ein pompejanisches rotes Wohnzimmer geführt.

"Ich hoffe, du genießt das Haus", flüsterte der Wärter.

Auf jedem Tisch und auf jedem Kaminsims loderten Kerzen in Glaszylindern. Als ich vorsichtig einen Gang entlang lief, gewöhnten sich meine Augen an das Licht und ich fing an, Arrangements von Artefakten und Möbeln auszumachen, die sich in 170 Jahren kaum verändert hatten. Das Haus ist ein kunstvoll gestaltetes Labyrinth: Klassische Büsten, Säulenfragmente und griechische Friese, chinesische Vasen und Statuen griechischer und römischer Götter, darunter eine Besetzung des berühmten Apollo Belvedere . Kaum ein Zentimeter Wandfläche wurde verschwendet, und dennoch ist der Effekt nicht klaustrophobisch: Bögen und Kuppeln ragen nach oben, konvexe Spiegel bieten einen weiten Blick und Balkone gähnen über Innenhöfen. Wie bei jedem anständigen Kuriositätenkabinett finden sich auf den Ausstellungsstücken auch Kuriositäten wie ein "großer Pilz aus den Felsen der Insel Sumatra" (wie Soane es in seinem eigenen Inventar von 1835 beschrieb) und ein eigenartig aussehender Ast einer Esche. Um den Sinn für Rätsel zu verstärken und den Wünschen von Soane zu entsprechen, gibt es auf keinem der Artefakte eine Beschriftung, obwohl einige Informationen jetzt auf in der Hand gehaltenen hölzernen "Fledermäusen" bereitgestellt werden, die diskret auf Tischen in jedem Raum sitzen.

"Die Leute reagieren wirklich auf die Kerzenabende", sagt der Direktor des Museums, Tim Knox. In der Tat, Wächter, wie die Wachen des Museums genannt werden, haben begonnen, das Licht während der Tagesstunden auszuschalten, "um das Ambiente der Epoche zu verbessern. Das Dämmerlicht lässt die Leute die Exponate wirklich betrachten."

Soane war fast fünf Jahrzehnte lang Großbritanniens führender Architekt, und seine zahlreichen Aufträge stammen aus ganz London - der Dulwich Picture Gallery. das Royal Hospital, Chelsea; Pitzhanger Herrenhaus. (Sogar Großbritanniens ikonische rote Telefonzellen wurden von Soanes Entwurf für das Grab seiner Frau in den St. Pancras Gardens inspiriert.) Aber es befand sich in seinem eigenen Haus, um das zu betonen, was Soane die "phantasievollen Effekte" nannte, die die Poesie der Architektur ausmachen Seiner Kreativität wurde größter Freiraum eingeräumt. Von 1792 bis 1824 kaufte, zerstörte und baute Soane drei Stadthäuser entlang des Platzes, beginnend mit Nr. 12 und weiter mit Nr. 13 und 14. Anfangs waren sie zu Hause für sich selbst, seine Frau und ihre beiden Söhne, aber ab 1806 Als er zum Professor für Architektur an der Royal Academy ernannt wurde, begann er damit, seine architektonischen Entwürfe und Modelle zu zeigen. Mit der Zeit gewann seine wachsende Sammlung an Antiquitäten an Bedeutung und mit unendlichem Einfallsreichtum gestaltete er seine Innenräume neu, um die Artefakte in vollem Umfang zur Geltung zu bringen.

Objekte wurden so platziert, dass jede Runde eine Entdeckung bietet. Eine Minute konfrontieren Sie eine prächtige römische Marmorstatue von Diana von Ephesus. Als nächstes betreten Sie den Bilderraum, der mit Gemälden wie Hogarths Rake's Progress, einer Serie von acht Bildern, die den Niedergang eines hedonistischen jungen Aristokraten darstellen, gesäumt ist. Sobald Sie eine Reihe von Piranesi-Zeichnungen römischer Ruinen bewundert haben, öffnet ein Wärter eine Tafel in der Wand, auf der eine Gruppe von Gemälden von Joseph Michael Gandy, Soanes Zeichner, zu sehen ist. Der graue Wärter Peter Collins trägt eine Nelke am Revers und ein rotes Taschentuch in der oberen Tasche. Er arbeitet seit zehn Jahren im Museum und kennt sein Publikum. Er macht eine Pause, bevor er eine weitere Tafel öffnet, auf der ein Balkon mit Blick auf die mittelalterliche Sammlung mit gotischen Fragmenten und verzerrten Wasserspeiern zu sehen ist. In einer Nische in der Nähe posiert eine Bronze-Nymphe mit nackten Brüsten auf Augenhöhe schüchtern über einem maßstabsgetreuen Modell von Soanes beeindruckendster architektonischer Leistung, der Bank of England. (Die Bank, an der er 45 Jahre lang arbeitete, wurde in den 1920er Jahren als veraltet abgerissen - ein Schachzug, den viele Architekturhistoriker als Travestie ansehen.)

Der Höhepunkt der Sammlung befindet sich im Untergeschoss, wo Grabkunst um den Alabastersarkophag des ägyptischen Pharaos Seti I herumwimmelt - Soanes Stolz und Freude, der 1824 vom italienischen Abenteurer Giovanni Belzoni für 2.000 Pfund (heute etwa 263.000 Dollar) gekauft wurde . 1825 veranstaltete Soane eine Reihe von "Sarkophagpartys" bei Kerzenschein, um seine Ankunft zu feiern. An den gesellschaftlichen Extravaganzen nahmen Größen wie der Herzog von Sussex, der Bischof von London, der Dichter Samuel Coleridge und der Landschaftsmaler JMW Turner teil. Barbara Hofland, eine Gastfrau, schrieb, dass bei der Veranstaltung Figuren wie Geister aus den "tiefen Schattenmassen" hervorgingen und Kerzen "wie glänzende Lichthöfe um Marmorköpfe schimmerten und" einen Effekt hervorriefen "wie in einem Traum vom Elysium des Dichters."

Unter den vielen Statuen im Museum ist die Büste von Soane von 1829 im ersten Stock, die über Statuetten von Michelangelo und Raphael steht, leicht zu übersehen. Soane, der Sohn eines Maurers, stammte aus bescheidenen Verhältnissen. Für seine Fähigkeiten im Skizzieren erhielt er ein Stipendium für eine Europatournee, das es ihm ermöglichte, Italien zu besuchen und eine Leidenschaft für griechisch-römische Kunst zu entwickeln. Als er im reifen Alter von 83 Jahren starb, war Soane einer der angesehensten Menschen in Großbritannien, ein Mann, wie Hofland über die Sarkophagparty-Gäste schrieb, der anscheinend "von den allgemeinen Übeln des Lebens befreit" war, aber mit all seinen großzügigen Empfindungen aufwachte . "

Dieser freudige Eindruck wird durch eine Gandy-Zeichnung der Familie aus dem Jahr 1798 untermauert: Soane und seine Frau Elizabeth essen Butterbrötchen, während ihre beiden jungen Söhne John und George in der Nähe herumtollen. Natürlich war Soane nicht immuner gegen die Launen des Schicksals als der Rest von uns. Sein größter Ehrgeiz war es gewesen, durch seine Söhne eine "Dynastie der Architekten" zu gründen, aber John wurde in den Dreißigern vom Konsum niedergeschlagen, und George wuchs als ziemlich unberechenbarer Mann auf, machte große Schulden und veröffentlichte sogar anonyme Angriffe auf die Architektur seines Vaters . Auch Soane war vielleicht nicht der einfachste Vater. "Er könnte ein Mann mit großem Charme sein", sagt Museumsarchivarin Susan Palmer, "aber er war auch sehr engagiert, sehr empfindlich und launisch, mit einem echten Chip auf der Schulter über seine schlechte Herkunft."

Aus Angst, George könnte seine Sammlung verkaufen, wenn er stirbt, sorgte Soane dafür, dass sie in seinem Testament verewigt wird, und konnte 1833 einen Parlamentsbeschluss erwirken, um zu gewährleisten, dass sein Haus, wie er schrieb, ein Veranstaltungsort für "Amateure und Studenten in Berlin" bleibt Malerei, Skulptur und Architektur. " Infolgedessen wird das Museum von Soane bis heute von der Soane Foundation betrieben, obwohl die britische Regierung in den 1940er Jahren die Kosten für die Instandhaltung übernommen hat, um es für die Öffentlichkeit frei zu halten, wie es seit dem Tod von Soane im Jahr 1837 der Fall war. " Gott sei Dank, Mr. Soane kam mit dem jungen George nicht klar ", bemerkte einer der Wärter mit einem Lachen. "Ich wäre arbeitslos!"

Ich schlurfte im Halbdunkel die Treppe hinunter, holte meinen Mantel und meinen Regenschirm zurück und ging zur Ship Tavern, einem Pub aus dem 16. Jahrhundert um die Ecke. Als ich mich in eine Hirtenpastete vertiefte, erinnerte ich mich an die Worte von Benjamin Robert Haydon, einem weiteren Sarkophagparty-Gast: "Es war der schönste Spaß, die Leute in die Bibliothek kommen zu sehen, nachdem sie unten zwischen Gräbern, Hauptstädten und Schächten herumgewandert waren. und nasenlose Köpfe, mit einer Art Ausdruck entzückter Erleichterung, sich unter den Lebenden wiederzufinden, und mit Kaffee und Kuchen. "

Paris
Musée Jacquemart-André

Es gibt Dutzende kleiner Museen, die in ganz Paris verstreut sind, und ihre hingebungsvollsten Gönner sind die Pariser. Einige haben umfangreiche Sammlungen, wie das Musée Carnavalet, das auf die dramatische Geschichte der Stadt spezialisiert ist und Gegenstände wie eine Büste von Marat, ein Modell der Bastille und Haarsträhnen von Marie Antoinette zeigt. Andere sind die ehemaligen Wohnhäuser der heiligen französischen Künstler und Schriftsteller - das Atelier von Delacroix, die Wohnung von Victor Hugo und das ansprechende Maison Balzac, dessen berühmtestes Exponat die monogrammierte Kaffeekanne des Autors ist.

Aber keiner ist so loyal wie der Jacquemart-André.

Wenn Sir John Soanes Museum das exzentrische Genie Londons auszeichnet, ist das Musée Jacquemart-André der Höhepunkt guten Geschmacks. Eher ein Herrenhausmuseum als ein Hausmuseum, beherbergte es dennoch die Kenner Édouard André und seine Frau Nélie Jacquemart, ein sagenhaft wohlhabendes Ehepaar, das in den 1880er und 90er Jahren auf dem Boulevard Haussmann eine eigene, in sich geschlossene Kunst- und Schönheitswelt baute - eine modische Allee am rechten Ufer, nicht weit von den Champs-Élysées entfernt - voller Meisterwerke, die Louvre-Kuratoren zweifellos bis heute begehren.

Das Museum könnte auf den ersten Blick nicht unterschiedlicher sein als das von Soane. Es strotzt vor Farbe und strahlt ein üppiges Raumgefühl aus. Aber nicht weniger als das von Soane versetzt es die Besucher in eine andere Zeit - in das Paris der Belle Époque, als die Stadt als Hauptstadt der Eleganz Europas aufblühte, und in das noch frühere goldene Zeitalter von Ludwig XV. Und Ludwig XVI.

Kaum kommt ein Schritt von der alten Kutschenauffahrt in einen formellen Innenhof, verstummt das Geräusch des Pariser Verkehrs. Auf breiten Steintreppen, die von gemeißelten Löwen geziert werden, fühlt man sich wie ein Gast, der zu einer privaten Soirée eingeladen wurde. Im Inneren begegnet man einem dreiviertel langen Porträt des Meisters selbst, Édouard André - einer schneidigen Figur in der Uniform der kaiserlichen Garde unter Kaiser Napoleon III., Komplett mit goldenem Brokat und scharlachroten Hosen. Eine gepflegte Gärtnerin führt die Gäste in die Gemäldegalerie, wo die Verführung weitergeht. André hatte eine Leidenschaft für die französische Kunst des 18. Jahrhunderts, angetrieben von seiner Nostalgie für vorrevolutionäre Tage, und die erste Etage ist ihr gewidmet. Auf vergoldeten Leinwänden schweben üppige Göttinnen nackt auf Wolken und rosige Kinder posieren mit Vögeln und Kätzchen. Ein Besucher zieht vom vergoldeten Großen Salon in den hochfliegenden Musikraum, wo sich einst formell gekleidete Gäste zu Konzerten versammelten, und dann in den mit exotischen Pflanzen und glänzendem Marmor bepflanzten Wintergarten, in dem sich eine extravagante Doppeltreppe in die Höhe windet zweiter Stock.

Und so entfaltet sich das Haus und bietet eine schillernde Galerie nach der anderen. In der Bibliothek, in der Édouard und Nélie Kunstkataloge durchgingen und ihre Einkäufe planten, befindet sich eine erstklassige Auswahl niederländischer Gemälde, darunter drei Rembrandts und drei Van Dycks. Japanische Keramik und persische Antiquitäten beleben den Smoking Room, in dem Édouard sich nach dem Abendessen mit seinen männlichen Begleitern zurückzog, um Zigarren zu rauchen und die Themen des Tages zu besprechen, während der Tapestry Room, der für Geschäftstreffen genutzt wird, von Szenen des russischen Bauernlebens gesäumt ist 1767 in der Gobelinfabrik von Beauvais. Als man in den zweiten Stock steigt, zeigt ein verspieltes Tiepolo-Fresko an der Treppenwand die Ankunft Heinrichs III. in Venedig. Die obere Ebene ist dem "Italienischen Museum" des Paares gewidmet - einem Raum für Renaissance-Skulpturen, einem zweiten für florentinische Kunst, darunter zwei Gemälde von Botticelli, und einem dritten Raum für Andrés geliebte Kunstsammlung von Venedig.

Das von dem Architekten Henri Parent für André entworfene Herrenhaus wurde 1875 fertiggestellt, als der Boulevard Haussmann eine der schicksten neuen Adressen in Paris war und André einer der anspruchsvollsten Junggesellen der Stadt war. Als Erbe eines enormen Bankvermögens war er vom öffentlichen Leben desillusioniert und beschloss, sich dem Sammeln von Kunst und der Herausgabe eines Kunstjournals zu widmen. Im Jahr 1881, als er fast 50 Jahre alt war, heiratete er Nélie Jacquemart, die Frau, die sein Porträt neun Jahre zuvor gemalt hatte. In vielerlei Hinsicht war sie für diesen aristokratischen Boulevardier kaum geeignet. Jacquemart war selbst fast 40 Jahre alt und keine High-Society-Schönheit. Sie war eine unabhängige Frau mit bescheidenem Hintergrund - offensichtlich unehelich -, die sich als Porträtkünstlerin ernährt hatte, eine für eine Frau zu dieser Zeit ungewöhnliche Leistung.

Es war eine Ehe, die auf dem gemeinsamen Geschmack beruhte. Während ihrer 13 gemeinsamen Jahre reisten die beiden für einen Teil des Jahres, meist nach Italien, wo sie mit Hilfe von Experten aus dem Louvre an Auktionen teilnahmen, die motiviert waren, Kunst für Frankreich zu gewinnen. Nachdem Édouard 1894 im Alter von 61 Jahren gestorben war, reiste Nélie weiter um die Welt und ging für ihre Einkäufe bis nach Burma. Bei ihrem Tod im Jahr 1912 im Alter von 71 Jahren schenkte sie das Haus dem Institut de France (einer akademischen Organisation, die Stiftungen und Museen verwaltet), unter der Bedingung, dass die Sammlung intakt bleibt, damit die französische Öffentlichkeit sehen kann, sagte sie in ihrem Testament: "Wo ein Paar von Amateur-Kunstliebhabern ein Leben voller Genuss und Luxus führte."

Tatsächlich ist es eine enorme Freude, die Gemälde und Skulpturen des Paares mit ihren Kunstgegenständen und edlen Möbeln in einer häuslichen Umgebung vermischt zu sehen. Nach einer Weile kann jedoch auch der feinste Geschmack etwas anmaßend sein. Die Besucher können nicht anders, als in gedämpften Tönen zu sprechen, um das exquisite Gleichgewicht nicht zu stören.

Aber das Herrenhaus erstrahlt im Speisesaal - dem ehemaligen Herzen des ursprünglichen Herrenhauses -, das zu einem der luxuriösesten Café-Restaurants von Paris umgebaut wurde. In dieser luftigen Kammer, in der das Paar unter üppigen Wandteppichen Freunde unterhielt, kann man jetzt einen Nizzasalat und ein Glas Sauvignon Blanc genießen. Es ist ein seltsames Gefühl, hier beobachtet zu werden, nicht nur von anderen Gästen: Die Decke ist ein wunderbarer Scherz, ein weiteres Tiepolo-Fresko, das eine Menge venezianischer Adliger zeigt, die sich über eine Balustrade lehnen und auf die Gäste darunter zeigen und lächeln.

Auf dem Kaminsims thront eine Büste von Nélie Jacquemart. Viele von ihnen haben sich nicht in die Mode der Stadt eingepasst - später zog sie sich in ihr ländliches Schloss, Chaalis, zurück, das heute ein weiteres großes Hausmuseum ist und 30 Meilen außerhalb der Stadt liegt -, aber sie war mit Sicherheit sehr stolz auf ihre Sammlung stellt sich vor, wie sie sich immer noch in dem Vergnügen aalt, das es erzeugt.

Madrid
Museo Sorolla

Madrid ist eine Stadt mit extravaganten Fassaden, deren wahre Attraktionen hinter verschlossenen Türen liegen. Versteckt hinter einer Steinmauer im ehemaligen Arbeiterviertel Chamberí, eine zehnminütige Taxifahrt vom Trubel der Plaza Mayor in der Innenstadt von Madrid entfernt, liegt das sonnenverwöhnte Museo Sorolla. Das ehemalige Wohn- und Kunstatelier eines der beliebtesten spanischen Maler, Joaquín Sorolla y Bastida, ist ein üppiger Garten voller Springbrunnen und üppiger Blumen, eine Explosion mediterraner Farben und Lebensfreude .

Von 1911 bis 1923 war dieses Haus im andalusischen Stil die Residenz eines der bekanntesten Künstler der Welt. Sorolla wurde 1863 in Valencia in einer bescheidenen Familie geboren. Er hielt Abstand zu den avantgardistischen Bewegungen Europas, erlangte jedoch internationalen Ruhm für seine subtile Technik und erinnerte an das Spiel des Sonnenscheins in seinen Szenen mit mediterranen Stränden und Bildern des spanischen Alltags.

Das Betreten der verführerischen Grenzen des Komplexes, in dem Sorolla mit seiner Frau und seinen drei Kindern lebte, ist wie das Betreten eines der leuchtenden Gemälde des Künstlers. Mit seinem maurischen Flair, den ruhigen Pools und dem allgegenwärtigen Rauschen des Wassers war der Garten der Ort, an dem er am liebsten malte. Als ich Sorolla besuchte, war Sorollas privates Arcadia voller ernsthafter Kunststudenten, die in schattigen Ecken mit Aquarellen experimentierten. Geflieste Stufen führen zum Haus, in dessen ersten Räumen seine Werke ausgestellt sind, so wie es vor 80 Jahren für potenzielle Käufer der Fall war. Die Wohnräume des Hauses enthalten die ursprünglichen Jugendstilmöbel und Tiffany-Lampen der Familie. Aber der emotionale Kern des Hauses ist Sorollas Atelier, ein großer Gewölberaum, der rosarot gestrichen und von Sonnenschein durchdrungen ist. Sorollas Staffeleien stehen bereit, als wäre er gerade zu einer Siesta gegangen; seine Paletten, Pinsel und halb benutzten Farbtuben sind in unmittelbarer Nähe. Ein kleines türkisches Bett befindet sich in einer Ecke des Raumes und ein Buch mit Liedern aus dem 16. Jahrhundert liegt offen auf einem Ständer. Über allem steht eine Zeichnung Sorolla aus Velázquez 'berühmtem Porträt von Papst Innozenz X.

Sorolla zog in das Haus, das er 1911 auf dem Höhepunkt seiner Karriere gebaut hatte. Bis dahin hatte er seine Arbeiten von London nach St. Louis, Missouri, ausgestellt, war mit internationalen Preisen überschüttet worden, befreundete Intellektuelle und Künstler, darunter John Singer Sargent, malten das Porträt des spanischen Königs Alfons XIII. Und des US-Präsidenten William Howard Taft und unter Die Schirmherrschaft des Eisenbahnvermögenserbes Archer Huntington war beauftragt worden, ein riesiges Wandgemälde in der Hispanic Society of America in New York City zu malen.

Nach seinem Tod 1923 im Alter von 60 Jahren litt Sorollas internationaler Ruf unter der Arbeit von Postimpressionisten wie Cézanne und Gauguin. Wie bei seinem Freund Sargent fanden viele Kritiker Sorolla zu konservativ und kommerziell. In Madrid ist Sorollas künstlerisches Ansehen jedoch nie erschüttert worden, und seit seiner Eröffnung durch seine Witwe und seinen Sohn im Jahr 1931 erfreut sich das Museo Sorolla, das auch die umfangreichste Sammlung seiner Werke in der Welt beherbergt, eines stetigen Pilgerstroms. Heute wird ihr Glaube bestätigt; Sorolla wird von Kritikern neu bewertet, die ihn als Brücke zwischen alten spanischen Meistern wie Velázquez und Goya und den Postimpressionisten setzen. Im Jahr 2006 fand im prestigeträchtigen Thyssen-Bornemisza-Museum in Madrid die Ausstellung "Sargent / Sorolla" statt, die die parallelen Karrieren der beiden nachzeichnet.

Im Museo Sorolla dringt, wie in allen Hausmuseen, ein Akkord der Melancholie ein: Der Künstler, so erfahren wir, malte 1920 ein Porträt in seinem geliebten Garten, als er im Alter von 57 Jahren einen Schlaganfall erlitt. Obwohl er noch drei Jahre lebte, brachte er wenig Neues hervor. Aber solche düsteren Meditationen passen weder zum Haus noch zum sinnlichen Geist des modernen Madrids. Die beste Lösung - wie Sorolla selbst wahrscheinlich zugestimmt hätte - ist, in ein nahe gelegenes Café zu gehen, um ein Glas Vino Blanco zu trinken und sich in der spanischen Sonne zu sonnen.

Prag
Haus der Schwarzen Madonna: Das Museum des tschechischen Kubismus

Unbeschadet von zwei Weltkriegen fühlt sich das Herz von Prag wie eine Fantasie des alten Europas an. Gotische Türme rahmen Jugendstilcafés ein und auf der mittelalterlichen astronomischen Uhr neben Franz Kafkas Geburtshaus auf dem Altstädter Ring zieht eine Statue des Todes noch immer an der Klingel, um die Stunde zu schlagen. Wenn Sie jedoch eine Barockstraße namens Celetna entlangfahren, sehen Sie sich einem ganz anderen Aspekt der Stadt gegenüber - dem schlichten und überraschenden Schwarzen Madonnenhaus, einem der ersten kubistischen Gebäude der Welt, in dem heute das Museum des tschechischen Kubismus untergebracht ist. Das vom Prager Architekten Josef Gocar entworfene Haus war schockierend modern und sogar revolutionär, als es 1912 als Kaufhaus eröffnet wurde - und das scheint auch heute noch so zu sein. Die Gesamtform ist angemessen kastenförmig und vorhersehbar streng, aber bei näherer Betrachtung wird die Fassade durch die erfinderische Verwendung von Winkeln und Ebenen aufgebrochen. Große Erkerfenster ragen wie Quarzkristalle hervor und eckige Ornamente werfen subtile Schatten. Das Interieur ist nicht weniger ungewöhnlich, da die Stadt zum ersten Mal Stahlbeton verwendet, um großzügige Freiflächen zu schaffen. Der eigentümliche Name des Hauses stammt von der Statue der Schwarzen Madonna und des Kindes aus dem 17. Jahrhundert, die aus einer früheren Struktur auf dem Gelände gerettet wurde und sich nun wie eine Galionsfigur an einer Ecke des Gebäudes befindet.

Aber nicht einmal die Madonna konnte das Haus vor den Unwägbarkeiten der tschechischen Geschichte schützen. Nach dem Zweiten Weltkrieg und dem Aufstieg der Kommunisten wurde das Kaufhaus nach und nach entkernt und in Büroräume aufgeteilt. Nachdem die Samtene Revolution 1989 die kommunistische Herrschaft beendete, hatte das Gebäude ein kurzes Leben als kulturelles Zentrum, aber erst 2003 fand es seine logische Rolle in der Struktur von Prag - als Heiligtum des tschechischen Kubismus.

Die meisten von uns betrachten den Kubismus als eine esoterische Avantgarde-Bewegung, die von den Pariser Künstlern Pablo Picasso, Georges Braque und anderen in den Jahren vor dem Ersten Weltkrieg vorangetrieben wurde. nirgends eifriger als in Prag, wo der Kubismus, wenn auch nur für einen glühenden Moment, als möglicher Schlüssel für die Zukunft aufgegriffen wurde.

"In Paris wirkte sich der Kubismus nur auf Malerei und Skulptur aus", sagt Tomas Vlcek, Direktor der Sammlung für moderne und zeitgenössische Kunst in der Nationalgalerie des Landes, die das Museum für tschechischen Kubismus beaufsichtigt. "Nur in Prag wurde der Kubismus an alle anderen Bereiche der bildenden Kunst angepasst - Möbel, Keramik, Architektur, Grafikdesign, Fotografie. Der Kubismus in Prag war also ein großes Experiment, eine Suche nach einem allumfassenden modernen Stil, der unverwechselbar sein konnte Tschechisch."

Die Coterie der tschechischen Kubisten - hauptsächlich Gocar, Otto Gutfreund und Bohumil Kubista - kam 1911 zusammen, gründete die Zeitschrift Artistic Monthly und organisierte in den Jahren vor dem Ersten Weltkrieg ihre eigenen Ausstellungen. Es war eine Zeit intensiven Optimismus und Energie in Prag. Diese kleine osteuropäische Metropole, eine der reichsten der österreichisch-ungarischen Monarchie, schöpfte aus ihren lebendigen tschechischen, deutschen und jüdischen Traditionen eine kreative Explosion. Ausländische Künstler kamen aus Paris und Wien zurück, um in den Salons radikale neue Ideen auszutauschen. Kafka kritzelte seine ersten albtraumhaften Geschichten; Albert Einstein lehrte als Professor in der Stadt. "Es war so etwas wie ein Paradies", sagt Vlcek und sieht wehmütig aus.

Heute ist das Museum des tschechischen Kubismus ein Schrein der Blütezeit der Bewegung (1910-19), dessen Hauptausstellung das Gebäude selbst ist. Der Eingang ist eine eckige Studie aus Schmiedeeisen. Im Inneren steigt man sofort eine Treppe in kubistischem Design hinauf. Im Gegensatz zu den Treppen in Marcel Duchamps Nude Descending a Staircase sind die Stufen zum Glück eben, aber die Metallbalustrade ist ein komplexes Zusammenspiel geometrischer Formen. Es gibt drei Stockwerke mit kubistischen Exponaten, die mit Kunstformen gefüllt sind, die es nur in Prag gibt. Elegante Sofas, Schminktische und Loungesessel teilen dramatisch schräge Linien. Es gibt abstrakte Skulpturen und Gemälde, kühne, zickzackförmige Grafiken und gewürfelte Vasen, Spiegel und Obstbecher.

Dies ist möglicherweise kein reines Hausmuseum, aber es vermittelt ein häusliches Gefühl. Die vielen Schwarz-Weiß-Porträts von obskuren Künstlern in Melone und Fliege zeigen eine blühende, unkonventionelle Besetzung von Charakteren: Ein Sofa, so erfahren wir, war "für den Schauspieler Otto Boleska", ein anderes für "Professor Zaviska". " Was wie eine Woody Allen-Parodie der kulturellen Selbstverwirklichung klingt, fängt die eigenwillige Natur von Prag selbst ein, einer Stadt, die stolz auf ihre geheimnisvollste Geschichte ist. Und wie alle kleinen Museen, die mit ihren Ursprüngen in Berührung gekommen sind, haben einzigartige Merkmale Geister wieder zum Leben erweckt. Besucher können sich jetzt in das ursprüngliche kubistische Restaurant des Gebäudes zurückziehen, das Grand Café Orient, das 1912 von Gocar entworfen wurde. Dieser einst beliebte Künstlertreff wurde in den 1920er Jahren geschlossen und während der kommunistischen Ära entkernt, aber akribische Forscher verwendeten die wenigen überlebenden Pläne und Fotos, um es neu zu erstellen. Jetzt, nach einer Pause von acht Jahrzehnten, kann sich eine neue Generation von Bohemiens unter kubistischen Kronleuchtern in kubistischen Stühlen niederlassen (nicht so unbequem, wie sie klingen), um über ein Pint nicht pasteurisierten Pilsener zu streiten. Schließlich hat der Museumsladen im Erdgeschoss eine Reihe kubistischer Kaffeetassen, Vasen und Teesets nach den Entwürfen des Architekten und Künstlers Pavel Janak nachgebaut und bietet Reproduktionen kubistischer Möbel von Gocar und anderen an.

Nach einem Nachmittag in all diesen Winkeln bemerkte ich subtile kubistische Spuren im architektonischen Füllhorn der Prager Straßen - zum Beispiel in der Tür eines ehemaligen Gewerkschaftshauptsitzes und auf einem eleganten Bogen, der eine Barockskulptur neben einer Kirche umrahmt . Inspiriert beschloss ich, einen kubistischen Laternenpfahl aufzuspüren, von dem ich gehört hatte und der 1913 von einem Emil Kralicek entworfen wurde. Es dauerte ein kleines Ringen mit tschechischen Straßennamen, aber ich fand es schließlich in einer Seitengasse in der Neustadt: Es sah aus wie ein Stapel von Kristallen, die am Ende platziert waren.

Ich könnte mir vorstellen, dass Sir John Soane - in das moderne Prag versetzt - in unerschrockener Bewunderung davor innehielt.

Das neueste Buch von Tony Perrottet, Napoleon's Privates, eine Sammlung exzentrischer Geschichten aus der Geschichte, ist diesen Monat bei HarperCollins erschienen.

Europas kleine Hausmuseen