Gabriel Dawes Indoor-Regenbogen trotzen beinahe dem Verständnis. Es ist eine visuelle Darstellung des gesamten Spektrums des natürlichen Lichts, die eine prismatische Ansicht des Sonnenscheins nutzt, die in den vier Wänden eines Galerieraums eingeschlossen ist.
Aus dieser Geschichte
Wunder
KaufenAus nächster Nähe werden die Tricks des Künstlers enthüllt. Das Kunstwerk besteht aus einem gewöhnlichen Stickgarn, das in einer sich wiederholenden Überlagerung vom Boden bis zur Decke eingehakt wurde. Die Herstellung eines ätherischen und schimmernden Musters, das wie eine Fata Morgana eine optische Täuschung erzeugt, die die Sinne entzückt, aber die Wahrnehmung verzerrt, ist fast so, als hätte der Künstler die Luft gestickt.
Die Installation mit Gewinde ist Teil einer Serie mit dem Titel „Plexus“ - das ist das Wort für das Netzwerk von Blutgefäßen und Nerven, die den Körper unterstützen. Dawe sagt, dass er Plexus speziell für seine Arbeiten ausgewählt hat, weil „er sich auf die Verbindung des Körpers mit seiner Umgebung bezieht, aber auch direkt auf das verwickelte Netzwerk von Fäden, die die Installation selbst bilden, und auf die inhärente Spannung des Fadens, der vibriert mit einer fast greifbaren Leuchtkraft. “
Plexus A1, seine Installation, die Teil der Ausstellung „Wonder“ in der Renwick Gallery des Smithsonian American Art Museum ist, setzt dieses Thema fort und untersucht die Verbindung des Menschen mit der gesamten Natur. Sie symbolisieren auch das Ungesehene. „Wenn Sie einen Regenbogen in der Natur sehen, können Sie einen Blick auf die Ordnung werfen, die sich hinter der Natur verbirgt“, sagt Dawe. "Dahinter stehen bestimmte physikalische Gesetze."
Gabriel Dawe kam zur Installation nach Renwick, mit einem grafischen Plan, der angibt, welche Threads wohin führten. (Elektrisches Ei) Dawe, ein 42-jähriger mit Brille, der langsam und nachdenklich spricht, sagt, dass die Menschen diese Zusammenhänge oft nicht kennen und stattdessen darauf aus sind, „alles in den Boden zu töten“.
Plexus A1 besteht aus 15 Farben, die das gesamte Spektrum des sichtbaren Lichts von Magenta bis Rot darstellen. Die Installation dauerte fast 60 Meilen von Thread und 10 Tage zu bauen.
Dawes Installationen müssen in einer geschlossenen Reihenfolge bleiben. Jeder ist genau auf den Raum abgestimmt, in dem er sich befindet. Er verwendet Software, um seine Skizzen zu erstellen, verwendet jedoch kein computergestütztes Design oder einen computergenerierten Algorithmus, um seine Formen zu erstellen.
„Ich versuche immer im Voraus zu wissen, wie der Prozess ablaufen wird“, sagt er. Bewaffnet mit einem grafischen Plan, welche Farbfäden wohin führen, kommt er an. "Ich habe nicht viel Zeit zum Improvisieren, weil die Arbeit so intensiv ist", sagt er. Er arbeitet in einer bestimmten Reihenfolge und baut die Teile in Schichten auf.
Jeder Standort hat seine eigenen Herausforderungen. Der Renwick-Raum bot die Freiheit von 19 Fuß hohen Decken, aber vier massive Stützpfeiler bestimmten im Wesentlichen die Länge und Breite der Installation. Und der lange, schmale Raum machte es Dawe schwerer, seinen gewünschten Effekt zu erzielen, was erreicht wird, indem „ein Fadenvolumen im Raum“ erzeugt wird.
Laut Dawe ist die Arbeit „ein intuitiver Dialog mit dem Raum“, aber auch mit den Zuschauern, die sich um die unsicheren Grenzen der Installation bewegen müssen. (Ron Blunt / Renwick Gallery / SAAM) 
„Wenn Sie einen Regenbogen in der Natur sehen, können Sie einen Blick auf die Ordnung werfen, die sich hinter der Natur verbirgt“, sagt Dawe. (Ron Blunt / Renwick Gallery / SAAM) 
Die Installation „verursacht bei manchen Menschen beim Herumlaufen fast ein Gefühl des Schwindels“, sagt der Kurator der Ausstellung. (Ron Blunt / Renwick Gallery / SAAM) 
Die moderne, eckige geometrische Form und die kräftigen Farben des Plexus A1, der in der Zeit um 1850 gepflanzt wurde, sorgen für „einen wirklich schönen Kontrast“, sagt Dawe. (Ron Blunt / Renwick Gallery / SAAM) Dawe hat in den verhältnismäßig kurzen fünf Jahren, in denen er Plexus-Installationen herstellt, seine Konstruktionsprinzipien herausgefunden. Und jetzt, nur zehn Jahre nachdem er begonnen hatte, Kunst für den öffentlichen Konsum zu machen, wird er im Renwick ausgestellt, einer der bedeutendsten Galerien des Landes für zeitgenössische Künstler, die sich leidenschaftlich für das Herstellen und Materialien interessieren.
"Ja, ich weiß", sagt er grinsend. "Es ist ziemlich süß."
Seine Arbeit stammt ursprünglich aus seiner Kindheit. Machismo kam mit dem Territorium nach Mexiko-Stadt, wo er aufgewachsen ist. Er erinnert sich, dass er lächerlich gemacht wurde, weil er wie seine Großmutter sticken wollte, die an ihrer kulturellen Überzeugung festhielt, dass das Nähen für Mädchen und nicht für Jungen war. Sie brachte seiner Schwester das Sticken bei, aber nicht ihm.
Dawe kanalisierte seine kreativen Wünsche in ein Diplom in Grafikdesign, das er 1998 erwarb. Schon bald fand er sich "in diesem ziemlich korporativen Job wieder, und es hat mich nur umgebracht", sagt er.
Dawe erhielt 2011 einen Master-Abschluss in bildender Kunst von der University of Texas in Dallas. Zuvor hatte er bereits im Jahr 2002 begonnen, Kunst in Einzel- und Gruppenausstellungen zu zeigen. Zu seinen ersten Arbeiten gehörte eine Stickerei dessen, was er als „im Grunde klaffend“ bezeichnet Ein ** Loch ”, das er im Nachhinein sagt, verweist auf die Frustration, die er empfand, als Kind von der traditionellen Kunstform ausgeschlossen zu sein.
"Danach habe ich versucht, mich mit dieser persönlichen Geschichte auseinanderzusetzen", sagt Dawe. Er würdigte seine Großmutter in gewisser Weise, als er einige Briefmarken aus ihrer Sammlung auslieh und sie in größere Bilder sprengte, die er dann überstickte. Sie war sich seiner Kunst damals bewusst, hatte aber nicht viel zu sagen und habe seinen gegenwärtigen Erfolg nicht erlebt, sagt er.
Die Verwendung von Handarbeiten als zentraler Aspekt seiner Kunst war eine Herausforderung für die Geschlechterstereotypen, denen er in seiner Jugend begegnet war. Bei den späteren Plexus- Installationen ging es weniger offen darum, diese Ideen in Frage zu stellen, sagt er. Einige Zuschauer könnten seine Entscheidung, riesige Regenbögen zu zeigen, als politische Aussage interpretieren - da Regenbogenfahnen verwendet werden, um Stolz und Gleichheit in der LGBTQ-Community zu symbolisieren -, aber er sagt, dass dies nicht seine Absicht war.
Ein Regenbogen steht für Licht, nicht für Dunkelheit, sagt Dawe und „die Idee, dass alles eins ist, sowie für Einbeziehung und Einheit.“ (Ron Blunt / Renwick Gallery / SAAM) "Ich habe es nie geschafft", sagt Dawe. Er sagt jedoch, dass ein Regenbogen für Licht steht, nicht für Dunkelheit, und „die Idee, dass alles eins ist, sowie für Einbeziehung und Einheit.“
Die Plexus- Arbeiten sind buchstäblich eine natürliche Erweiterung seiner kleineren Kunstwerke. Aber er schreibt einer anderen "Wunderkünstlerin", Jennifer Angus, zu, ihn in die neue Richtung zu bewegen. Ihre insektengemusterte Show A Terrible Beauty im Jahr 2005 im kanadischen Textilmuseum in Toronto zu sehen, veränderte sein Leben und inspirierte ihn, sowohl im wörtlichen als auch im übertragenen Sinne größer zu denken.
Sein erster Plexus, den er 2010 konstruierte, „begann als großes Experiment in meinem Studio“, sagt Dawe. Er beschloss, ein Stickmuster an die Wand zu hängen. Es dauerte Wochen, führte aber zu einer Ausstellung in Dallas und von dort zu neuen Installationen in Galerien und kleinen Museen im ganzen Land sowie in London und den Niederlanden.
Die Show im Renwick wird jedoch seine bisher größte Bühne sein, die wahrscheinlich ein breiteres Publikum anziehen wird. Er sagte, er habe es geliebt, mit den architektonischen Details des 19. Jahrhunderts - wie den Deckenfloretten - als Hintergrund zu arbeiten. Die moderne, eckige geometrische Form und die kräftigen Farben des Plexus A1, der in der Zeit um 1850 gepflanzt wurde, sorgen für „einen wirklich schönen Kontrast“, sagt er.
Es ist das, was er "einen intuitiven Dialog mit dem Raum" nennt, aber auch mit den Zuschauern, die sich um die unsicheren Grenzen der Installation bewegen müssen. "Manchmal weiß man nicht, wo sie enden oder wo sie beginnen", sagt er über die Vielzahl der Fäden. "Also hast du diesen Tanz mit dem Stück selbst."
Der Dialog symbolisiert auch die Unsicherheiten bei der Navigation durch soziale Konventionen. "Wir machen diesen kontinuierlichen Tanz", sagt er, "manchmal überschreiten wir die Grenzen dessen, was erlaubt ist, und manchmal bleiben wir in diesen Grenzen."
"Wonder" -Kurator Nicholas Bell sagt, dass die Installation "bei manchen Menschen fast ein Gefühl des Schwindels hervorruft, wenn sie herumlaufen."
Aber während die Leute versuchen, in ihren Gedanken herauszufinden, was sie sehen, „sind Sie vollkommen dafür verantwortlich. Es sind nur Sie und das Objekt “, sagt Bell. Der Betrachter „ist so fasziniert, dass der Rest der Welt wegfällt“, sagt Bell.
"Das war der Moment der Verlobung, den ich zu finden hoffte", sagt Bell.
Gabriel Dawe ist einer von neun zeitgenössischen Künstlern, die in der Ausstellung „Wonder“ vom 13. November 2015 bis zum 10. Juli 2016 in der Renwick Gallery des Smithsonian American Art Museum in Washington, DC zu sehen sind
